Es decir, nuestra gran oportunidad de dar algún reconocimiento a quienes dan a la música sus bases y el empuje adecuado.
Travis Barker, foto de Facebook
Bruce Springsteen dijo una vez de Max Weinberg, su baterista de confianza durante más de cuarenta años: «Le pido, y nunca me decepciona, cada noche». Como era de esperar, Bruce nos inspiró a crear un homenaje digno a los verdaderos e incansables guerreros de la música: aquellos que están en el fondo, detrás de todo lo demás, y que le dan a la música su fundamento, su impulso, su cohesión y forma, y gran parte de su carácter, a menudo sin que sus méritos sean debidamente reconocidos. ¿Alguna vez has oído chistes sobre guitarristas descerebrados? ¡Claro que sí!
Esta es, pues, nuestra gran oportunidad para reconocer a los bateristas. Al compilar nuestra lista de los 100 Mejores Bateristas de Todos los Tiempos, priorizamos los matices y la musicalidad por encima de los números llamativos, celebrando a los músicos que comprendieron la importancia de apoyar una gran canción en lugar de acaparar la atención con solos ridículos. Es decir, junto a pesos pesados como John Bonham, Ginger Baker, Keith Moon y Neil Peart, y artistas de sonido atléticos como Stewart Copeland y Bill Bruford, encontrarás bateristas de sesión sin florituras como Jim Keltner y Steve Gadd, figuras clave del beat y del rock and roll temprano como Jerry Allison y Fred Below, genios esquivos del funk y gigantes gigantes del disco como Clyde Stubblefield y Earl Young, y minimalistas punks poco ortodoxos como Maureen Tucker y Tommy Ramone. Bill Berry, de R.E.M., declaró una vez a la revista Modern Drummer : «Supongo que no soy un baterista de Modern Drummer en absoluto ». Sin embargo, su silenciosa contribución a la banda en la que tocó vale mucho más que una lección de batería en una cinta VHS polvorienta. (Eso no quiere decir que no podríamos ver ese video de YouTube de Jeff Porcaro explicando cómo inventó el ritmo de Rosanna hasta que se nos llenen los ojos de ceniza).
Una advertencia importante: usamos el rock y el pop como categorías de referencia, así que para ser incluido en la lista, el trabajo de un baterista debe haber tenido un impacto directo en ese ámbito (según nuestras definiciones, por supuesto). Esto significó excluir a docenas de artistas de jazz seminales como Max Roach y Roy Haynes, cuyas innovaciones inspiraron a muchos de los músicos sobre los que leerán a continuación. Esta lista representa un monumento en sí misma, que esperamos construir próximamente. Por ahora, que comience el debate. Si quieren criticarnos, háganlo en la sección de comentarios.
100. Christian Vander.
El líder francés, Christian Vander, es posiblemente uno de los mejores bateristas, no conocidos principalmente por su talento como baterista. Es de esperar, siendo el fundador de una banda de progresivo descabelladamente cósmica, activa intermitentemente desde 1969, que toca en un lenguaje de jazz-rock con influencia de Zappa llamado "zeuhl", que significa "celestial" en kobaïan, el idioma inventado en el que Magma actúa. Pero en la energía feroz de Vander, sus ritmos ondulantes y su tempo vago pero claro, se puede sentir definitivamente que es un acólito del titán del jazz Elvin Jones y, por extensión, su empleador más famoso: "La música de Magma nació un día de primavera de mi amor por John Coltrane y mi profunda tristeza por la incapacidad de los humanos para entenderse", dijo Vander en una entrevista de 2015.
99. Travis Barker
blink-182 - Todas las pequeñas cosas (Videoclip oficial)
Travis Barker, de Blink-182, es uno de los bateristas más reconocidos del nuevo milenio gracias a su intensa sensibilidad artística, su estética skater, su energía hip-hop, su encanto pop y un rostro digno de un reality show. Además, se siente cómodo trabajando con superestrellas de la EDM y raperos, y pinchando en su tiempo libre. Su enfoque rítmico integral le da profundidad a todo lo que hace. "Puedo tocar todo el día, y eso me conmueve. Nunca había oído hablar de un baterista que tocara así para otros, para mis amigos del hip-hop", declaró Barker a la revista Drum!. Es un artista brutal que interpreta con ferocidad y no teme ser dramático.
98. Steven Adler
Guns N' Roses - Bienvenido a la jungla
El debut emblemático de Guns N' Roses, Appetite for Destruction , debe gran parte de su exuberancia a los ritmos inquietos pero emocionantes de Steven Adler, el excéntrico baterista de la banda. "Para ser justos con Steven, y desconocido para la mayoría, la vibra y la energía de Appetite se debieron en gran parte a él", escribió Slash en su autobiografía. "Tenía un estilo de batería inimitable que no podía ser reemplazado, una ligereza casi adolescente que le dio a la banda su toque característico". El bajista Duff McKagan estuvo de acuerdo: "Sin su ritmo, no podríamos haber creado muchos de esos riffs", le dijo al Onion AV Club en 2011. Adler, despedido de la banda en 1990, fue reemplazado por bateristas altamente calificados como Matt Sorum y Frank Ferrer, pero nadie captura su exuberante ritmo empapado en whisky y su juventud temeraria.
97. Cindy Blackman.
En 1993, Blackman cambió el rumbo de su carrera, pasando de ser un fenómeno de jazz al estilo de Tony Williams a una estrella de rock que tocaba en estadios como parte de la banda en vivo de Lenny Kravitz. Tras una audición sorpresa con el cantautor, se vio catapultada a su círculo, apareciendo en el video de " Are You Gonna Go My Way" y posteriormente girando con él ocasionalmente. "Mi función [con Lenny] es tocar un ritmo durante horas y asegurarme de que sea bueno, añadiendo añadidos y matices emocionantes cuando corresponde", declaró a The Villager, al hablar de sus habilidades multifacéticas. "Mi trabajo en la banda y mi trabajo en un contexto creativo son completamente diferentes. Podemos empezar con un ritmo genial; puedo tocarlo durante horas, pero luego tengo que explorarlo, expandirlo y modificarlo; tengo que jugar con el ritmo e intervenir con los solistas". El agudo instinto de Blackman para la improvisación, sumado a su formidable capacidad para mezclar géneros, ambos presentes en proyectos como el tributo a Williams, Spectrum Road, le serán muy útiles en Mega Nova, un nuevo proyecto en el que participan su marido Carlos Santana y los grandes del jazz Herbie Hancock y Wayne Shorter.
96. Larry Mullen Jr.
Domingo Sangriento (En directo desde el Anfiteatro Red Rocks, Colorado, EE. UU. / 1983 / Remasterizado en 2021)
El único miembro de U2 que realmente se asemeja a una estrella de rock comenzó su carrera a finales de los 70 como un novato del post-punk con un trabajo inestable: en un momento dado, los demás miembros de la banda consideraron dejarlo, una decisión que un ejecutivo discográfico, horrorizado por la mala sincronización de Mullen, alentó durante la grabación del primer demo de U2. Sin embargo, cambió las tornas y se convirtió en uno de los percusionistas más influyentes del rock. Tecnológicamente hábil y sorprendentemente original, Mullen mantiene los ritmos de U2 siempre con la mirada puesta en el futuro, desde los marciales estallidos de caja que anuncian " Sunday Bloody Sunday" hasta el descubrimiento del latido humano en medio de la electrónica disco de " Achtung Baby ". Se quejó al productor de que una pista de clic no estaba completamente sincronizada con el resto de la banda; después de que el baterista saliera del estudio, Eno descubrió que se había desfasado seis milisegundos. "El problema es", dijo Eno a The New Yorker, "que mientras lo ajustábamos, en un momento dado, la pista de clic estaba desfasada dos milisegundos, y me dijo: 'No, tienes que retroceder un minuto'. Lo cual me parece absolutamente asombroso".
95. Chris Dave
"Mi peor pesadilla con Chris Dave es su baterista", dijo Questlove a un reportero anticipando el regreso de D'Angelo a los escenarios en 2012. "Necesitan al baterista más peligroso en esa gira". Aunque su nombre no es exactamente un nombre familiar, el modesto experto en R&B de 42 años conocido como Daddy es legendario entre los de la industria. Como el adorno en el frente de un Cadillac o el logotipo de Tiffany, tener a Chris Dave en una lista de sesiones es un signo de pura clase; aparece en algunos de los álbumes pop más célebres de la actualidad, incluidos 21 de Adele y Black Messiah de D'Angelo. Si bien comenzó admirando a grandes del jazz como Tony Williams, y luego canalizó esa inspiración en su asombroso trabajo con ases de la improvisación como Robert Glasper, ha tenido un impacto principalmente como un baterista en sintonía con los tartamudeos y los hipo del hip-hop cargado de samples. El gran talento de Dave es crear ritmos que te atrapan, a menudo con baterías aumentadas por hasta cinco cajas, que aún así se combinan hermosamente con la textura del conjunto.
94. Meg White
The White Stripes - Orquídea Azul (Videoclip Oficial)
El enfoque distintivo de Meg White a la batería fue fundamental para el atractivo de los White Stripes, ya que sus atuendos extravagantes y su blues depurado los catapultaron a la cima del rock a principios de la década de 2000. Canciones como « Dead Leaves and the Dirty Ground» y «Blue Orchid» cobraron vida gracias a su engañosamente simple ritmo, que contribuyó a definir el ritmo imparable de los Stripes. «A menudo la veía en el escenario y decía: 'No puedo creer que esté ahí'. No creo que comprendiera lo importante que era para la banda, para mí y para la música», declaró Jack White a la revista Rolling Stone en 2014. «Era la antítesis del baterista moderno. Tan sincera, increíble e inspiradora. El silencio entre nosotros no importaba, porque ¿por qué en el escenario? Nada que yo haga superará lo que ella hizo».
93. Tomás Haake
MESHUGGAH - Demiurge (Video musical oficial)
Tomas Haake, una sofisticada piedra angular del vibrante sonido experimental de la banda sueca de metal Meshuggah, crea una sensación de desorden al tocar un ritmo característico de 4/4 con la mano derecha y polirritmos atronadores con el resto del material. La percusión resultante a menudo recuerda la aceleración mecánica de un Lamborghini Diablo SV. Desde el primer álbum de Meshuggah, Contradictions Collapse de 1991 , Haake ha evolucionado su enfoque, añadiendo ritmos electrónicos y secuencias de batería cada vez más sofisticadas, cortesía de los guitarristas Fredrik Thordendal y Mårten Hagström. "Todos escriben en computadoras, y yo imito lo que han escrito", dijo Haake. "A veces eso dificulta la batería, pero al mismo tiempo es un gran desafío y un obstáculo que superar. Realmente me mantiene en vilo".
92. Ralph Molina
Buffalo Springfield - Por lo que vale 1967
Neil Young ha tocado con muchos bateristas en los últimos 50 años, pero siempre vuelve a Ralph Molina, a quien conoció durante su etapa en Buffalo Springfield, cuando Molina era miembro de los Rockets. Al igual que sus compañeros de Crazy Horse, Molina no es precisamente el típico virtuoso musical. "A veces empiezo a tocar la guitarra y Ralph entra en el momento menos oportuno y toca la pieza al revés", le contó Young a su biógrafo Jimmy McDonough. "Sucede todo el tiempo. Nunca ocurre en las bandas profesionales". No es un insulto. Es esa forma de tocar cruda y visceral —y esa inclinación por los ritmos de fondo genuinos que fluyen con gracia elemental bajo los característicos vuelos distorsionados de Young— lo que ayudó a Molina a sentar las bases de " Down by the River", "Cinnamon Girl " y otros clásicos atemporales. "No conocemos las canciones; no tenemos partituras", dijo Molina en 2011 sobre su trabajo con Young. “Simplemente empezamos a tocar. La magia parece surgir sola…” Prueba de ello es evidente en cada disco de Crazy Horse, desde Everybody Knows This Is Nowhere de 1969 hasta Psychedelic Pill de 2012.
91. Brian Chippendale:
«Todo nuestro material es una forma de llegar a algo que quizás sea una nueva parte de algo musical», dijo el trillador humano Brian Chippendale. «O tal vez solo sea esta sensación de que no voy a parar, voy a seguir tocando la batería mientras pueda». El dúo perdurable de Chippendale, Lightning Bolt, trata el noise-rock como música corporal, su bombo pulsando junto al bajo distorsionado de Brian Gibson, sus rápidos golpes de caja en una neblina de colores brillantes. Absolutamente ensordecedor en un sencillo kit de cuatro piezas, completamente involucrado cuando los fans se deshacen en elogios a sus instrumentos, es un estudio de los extremos bailables y el embajador no oficial de una generación de percusionistas pioneros del rock de vanguardia del siglo XXI que incluye a Zach Hill (Death Grips, Hella) y Greg Saunier (Deerhoof). “Hace unos años, Lightning Bolt tocó en All Tomorrow's Parties en Inglaterra, y había un pequeño vídeo que creo que me enviaron todos mis amigos”, contó Björk a Pitchfork sobre su colaboración con Chippendale en Volta de 2007. “Lo he visto muchísimas veces, y nunca pensé que algún día trabajaría con alguien así”.
90. Janet Weiss
Sleater-Kinney - Saltadores [VIDEO OFICIAL]
“Janet había creado una parte de batería brutal y sólida, y prácticamente podíamos golpearla con la cabeza”, contó Corin Tucker a Drum! sobre cómo Janet Weiss se unió a Sleater-Kinney. “Eso nos convirtió en tres”. Desde que formó equipo con Tucker y Carrie Brownstein en 1996, Janet Weiss ha sido un pilar feroz del rock alternativo, prestando también su talento a Bright Eyes, Jicks, Shins y otros. Pero es su trabajo con Sleater-Kinney el que ha demostrado ser más influyente, ofreciendo un equilibrio constante entre la composición y la agresividad cruda. “La música, para mí, es la forma de arte más inmediata. Quizás porque prefiero la fisicalidad… Golpeo cosas. Hay fisicalidad en nuestra música. Usamos cada parte de nuestro cuerpo”, le dijo a Paper en una entrevista sobre su supergrupo Wild Flag. “A las mujeres rara vez se les permite ser animales. Y lo somos”.
89. Bill Stevenson
Descendientes – "Cuando envejezca"
Bill Stevenson proporcionó un ritmo furioso a dos corrientes del punk innovador del sur de California. En 1977, a los 14 años, Stevenson, lleno de granos, cofundó los Descendents, cuyos desgarradores himnos emo precursores —tatuados con los característicos golpes de caja de Stevenson, y a menudo escritos y producidos por él— sentaron las bases para bandas como Green Day, Blink-182, Fall Out Boy y Weezer. Y a principios de los 80, colaboró como baterista con los brutalistas punk de Los Ángeles, Black Flag, en lo que podría llamarse la fase más creativa de la banda; como lo demuestran álbumes como My War y Slip It In , su ritmo constante pero versátil ayudó al guitarrista Greg Ginn a explorar todo, desde el metal artístico monolítico hasta el punk espasmódico con inflexiones de jazz. Stevenson, quien continúa de gira con los Descendents, su banda derivada y tributo a All and Black Flag, Flag, atribuye la energía irreprimible de su forma de tocar a una influencia cotidiana: la cafeína. "En nuestra banda, tomábamos mucho café, o yo me comía 50 Snickers, antes de un concierto", dijo en 2014.
88. Jon Theodore
The Mars Volta - The Widow (Versión del álbum (Editada))
Jon Theodore es el superbaterista más destacado del rock contemporáneo, un músico que ha retomado los estilos de los referentes de los 70 —el extraordinario talento de Billy Cobham, la majestuosa arrogancia de John Bonham— y los ha actualizado para adaptarlos a las exigencias de las presentaciones en vivo actuales. Theodore saltó a la fama a principios de la década del 2000, tocando un deslumbrante rock progresivo con influencia latina con Mars Volta. "Vi algunas de sus primeras presentaciones con Mars Volta", dijo Zack de la Rocha de Rage Against the Machine, quien más tarde tocaría con el robusto grupo de guerrilla-funk One Day as a Lion. "Estaba claro que la música en Los Ángeles nunca volvería a ser la misma con él". Pero fue una recomendación de Dave Grohl la que catapultó a Theodore a su papel más destacado. “Dave dice, ‘Sabes, el que realmente me sorprende es Jon Theodore’”, recuerda el líder de Queens of the Stone Age, Josh Homme, quien trajo a Theodore a QOTSA en 2013. Aparentemente, la colaboración no es exclusiva: cuando Skrillex, Diplo y Justin Bieber rehicieron “ Where Are Ü Now” en vivo en los Grammy de 2016, Jon Theodore estaba detrás de la batería.
87. George Hurley.
El hardcore punk apenas existía cuando el innovador trío Minutemen, de San Pedro, California, lanzó su primer álbum en 1980. Sin embargo, ya habían evolucionado, fusionando funk, avant-rock y folk en explosiones bellamente sintéticas de intrincada revelación. La música de la banda, frenética e inaccesible, aunque con un sonido extrañamente natural, podría haber terminado en caos sin George Hurley, un aficionado al jazz cuya absurda velocidad, versatilidad y matices lo convirtieron en el baterista más creativo que emergió de la escena indie-rock estadounidense de los 80. Algunos ejemplos, entre innumerables otros: el swing mordaz de « Search» y «The Big Foist », la rápida síncopa de « I Felt Like a Gringo », el denso jazz de «Split Red» y el contundente « East Wind/Faith », que incluye uno de los pocos solos de batería del punk rock. «Me gusta el R&B», dijo. Valoro el espacio y la relajación. Al mismo tiempo, me gusta el ritmo frenético y fragmentado, así que intento combinar ambos. ¡Diría que es como una sopa de maíz tostado!
86. Phil Rudd
AC/DC - Big Jack (En vivo en River Plate, diciembre de 2009)
Phil Rudd, baterista veterano de AC/DC, ha recibido recientemente más atención mediática por amenazar de muerte a un exempleado y ser encontrado en posesión de metanfetamina y marihuana que en 29 años de ritmos sencillos y sólidos como una roca, y una sincronización impecable. Una lástima, ya que el estilo sencillo y el groove imponente de Rudd allanaron el camino hacia el éxito de la icónica banda. Uno de los bateristas minimalistas más consistentes en el mundo del hard rock, Rudd ha influenciado a una oleada de artistas internacionales, desde Christoph Schnieider de Rammstein hasta Eric Singer de Kiss. "Lo hace de una manera muy sobria, pero también muy efectiva", dijo Singer. "La atmósfera que crea es realmente el corazón y el alma de la banda". Rudd se unió a AC/DC en 1975, reemplazando a Peter Clark, y tocó en siete álbumes antes de que el vocalista Bon Scott falleciera por accidente. Después de un episodio de abuso de sustancias y un altercado físico con el guitarrista rítmico Malcolm Young, Rudd fue despedido en 1983. Regresó a AC/DC a fines de 1993 y tocó en cuatro álbumes más (su aura espartana y despiadada se mantuvo gloriosamente inalterada en Rock or Bust de 2014 ) antes de perderse en el reciente escándalo.
85. Tommy Lee
El Cruecifly de Tommy Lee falló en su último concierto el 31/12/15: dejó de funcionar durante el solo de batería de Motley Crue
Los solos que desafían la gravedad de Tommy Lee y su gusto por la ropa minimalista lo han convertido en uno de los grandes exponentes del metal. Pero sus críticas a Mötley Crüe son tan importantes como su carisma; el furioso sonido metálico de Lee ayudó a definir el atractivo glam-punk del álbum debut de Mötley, Too Fast for Love, mientras que el ritmo estremecedor que impulsó la canción homónima de Dr. Feelgood sonaba tan amenazante y abrumador como la historia de la decadencia ochentera inducida por las drogas. Su "batería de ensueño", que llevó consigo en la última gira de Mötley Crüe en 2015, encaja con su estética minimalista: "Ahora tengo una batería completamente transparente para que la gente pueda ver exactamente lo que hago", dijo. "La mayoría de los bateristas están cubiertos por un millón de tambores y todos se preguntan: '¿Qué haces ahí?'".
82. John Stanier
Batallas - Sweetie y Shag (En vivo en Amoeba)
“Cuando experimentas con loops, el loop es en realidad el baterista”, dijo John Stanier en una entrevista de 2011, hablando del enfoque tecnológico de su banda Battles. “Él es quien, indirectamente, en última instancia, dirige el espectáculo”. Pero no hay duda de que cuando Stanier está en el escenario, él está al mando, cargando la actuación con ritmos minimalistas y demoledores que se prestan a frenéticas rutinas de baile. Cuando los pesos pesados del metal alternativo de los 90, Helmet, se popularizaron en 1992 con el álbum Meantime, que vendió millones de copias, redefinieron el sonido del heavy rock, y su ascenso se debe en gran medida a Stanier, cuyo enfoque opulento pero matemático a la batería llevó los esculpidos riffs de Page Hamilton a nuevas alturas. Criado con Neil Peart y formado en técnicas de cuerpo de tambores, Stanier redujo la batería del rock a sus partes más básicas, una tendencia que alcanzaría su austera cima con Battles. “Fue una reacción a la variedad de instrumentos y a la complejidad de otros”, dijo sobre su batería minimalista, reforzada por un único e imponente platillo crash, “pero también a lo que había hecho antes y a lo que hacían los bateristas de la época”. El don de Stanier reside en hacer que el sonido minimalista sea monolítico.
83. Ronald Shannon Jackson.
Si Ronald Shannon Jackson se hubiera dedicado exclusivamente a tocar con íconos del jazz de vanguardia como Albert Ayler, Ornette Coleman y Cecil Taylor durante los 12 años entre 1966 y 1978, no habría duda sobre su estatura. Pero Jackson, quien incorporó secuencias de tambores de desfile, ritmos africanos y funk en un estilo único e inconfundible, fue más allá al formar su aclamada Decoding Society, que contó con la participación del guitarrista de Living Colour, Vernon Reid, y el bajista de Rollins Band, Melvin Gibbs. "Sintetizó los shuffles de blues con el flujo sincopado de la música africana a través de la visión de una persona que desahoga todo tipo de emociones", dijo Reid sobre el fallecido baterista y compositor en un artículo de 2003 en Fort Worth Weekly. "Creo que el choque de valores en su música es profundamente representativo de la cultura estadounidense". El estruendo sísmico de Jackson también se extendió por las sesiones dirigidas por John Zorn y Bill Laswell, alcanzando su punto máximo con Last Exit, un cuarteto de punk-jazz demoledor que incluía a Laswell, el saxofonista Peter Brötzmann y el guitarrista Sonny Sharrock.
82. Glenn Kotche
Rodeado en el escenario por lo que el líder de la banda Jeff Tweedy llama sus "in-Glenn-ciones", Glenn Kotche trae a Wilco las sensibilidades de un percusionista de orquesta, los impulsos experimentales de un rockero independiente y las sólidas habilidades del rock de antaño. Kotche, quien se unió a la banda a tiempo para el álbum transformador Yankee Hotel Foxtrot, ha equipado su kit con vibráfono, efectos MIDI, un gong, una copa de rueda, platillos antiguos recalibrados, pelotas de ping-pong llenas de bolas más pequeñas y un tubo conectado a su platillo. A veces "prepara" sus instrumentos de percusión cubriéndolos con cadenas y esparciendo cuentas y arroz sobre las membranas. En sus composiciones, Kotche explora ritmos accidentales y aleatorios (es decir, polirritmos fortuitos) en colaboración con So Percussion y otros conjuntos contemporáneos aventureros. "Creo que es uno de los mejores bateristas", dijo Tweedy, "y hay una confianza musical increíble entre nosotros". A lo que el híbrido entre Jim Keltner y John Cage respondió: "Estoy ahí para servir a las canciones".
81. JR Robinson
John “JR” Robinson se autodenomina el “baterista más grabado de la historia”, lo que debería darte una idea de la voluminosa discografía de uno de los músicos clave del pop: “I’m So Excited” de las Pointer Sisters, “Higher Love” de Steve Winwood, “Ain’t Nobody” de Rufus y Chaka Khan, una parte de Random Access Memories de Daft Punk y la titánica “We Are the World”. Lo más importante es que Robinson sentó las bases del disco-rock-funk-pop para el innovador Off the Wall de Michael Jackson. La idea de Robinson del baterista como alguien que marca el tiempo solo realza su habilidad innata para encender canciones con gestos sutiles. “Es el único baterista en toda mi vida al que podría pedirle que hiciera una línea de introducción en ‘Rock With You’ de Michael Jackson”, dijo Quincy Jones durante la celebración de su 75.º cumpleaños en el Festival de Jazz de Montreux. “Dije: ‘Quiero un ritmo de batería que todo el mundo pueda cantar’… y lo cantaron”.
80. Steve Jordan.
Criado en una sólida tradición de R&B y soul, Steve Jordan era un adolescente cuando empezó a tocar para Stevie Wonder y rápidamente se convirtió en un artista versátil, experto tanto en la improvisada fusión de jazz como en el rock sobrio, directo pero expresivo. Diez años más joven que la mayoría de los pesos pesados del rock de los 60, fue el motor de su creciente número de seguidores: miembro de Keith Richards y los X-Pensive Winos, tocó para Neil Young en los 80, realizó extensas giras con Eric Clapton e incluso formó parte de la banda ficticia Blues Brothers. (También forjó fuertes vínculos con la generación más joven, colaborando con el distintivo trío de John Mayer). Relajado y seguro de sí mismo, Jordan aprendió a dominarlo todo, impregnando todo lo que tocaba con su swing característico. "Si eres una persona rígida, no creo que puedas tener swing ni transmitirlo a los demás", dijo sobre su técnica. "Preferiría fácilmente a un baterista sin técnica a uno más eficiente, si su swing fuera mejor".
79. Mick Avory
Los kinks- realmente me atrapaste
“Si nunca nos hubiéramos alejado de los tonos más pesados, no habría encajado bien”, dijo el baterista de los Kinks, Mick Avory. Quizás por eso los Kinks usaron un músico de sesión para su bomba de proto-metal “You Really Got Me” (aunque Avory contribuyó con la pandereta). Pero a medida que el líder de los Kinks, Ray Davies, maduró como compositor, Avory emergió silenciosamente como uno de los bateristas más innovadores de la década de 1960. “No sé si las composiciones de Ray se absorbieron en mi forma de tocar o si yo me absorbí en su escritura”. Con su versatilidad similar al jazz y sus distintivas cadencias de percusión, Avory, quien había sido cortejado por los Rolling Stones en 1962, fue de hecho el contraste rítmico ideal para el estilo maduro y sardónico de Ray Davies. Si bien la forma de tocar de Avory era refinada y discreta, sus batallas en el escenario con el guitarrista Dave Davies fueron legendarias; Cuando Dave destrozó la batería de Avory en un concierto en Cardiff en 1965, recibió un pedal en el parche a cambio. Sin embargo, Avory logró evitar que lo expulsaran de la banda hasta 1984.
78. Micky Waller.
Una figura fija del mundo del blues londinense con antecedentes de jazz, Waller encontró su lugar cuando se unió al Jeff Beck Group en 1967. Su distintivo "Waller wallop" proporcionó gran parte de la energía que se encuentra en "Truth" de Beck, el eslabón perdido entre el hard blues y el heavy metal. Waller también tocó la batería en los primeros álbumes en solitario de Rod Stewart, alcanzando un punto álgido en una sesión de 1971 en la que se presentó sin platillos. Rod no podía permitirse el lujo de perder tiempo en el estudio, así que grabó "Maggie May" de todos modos, con los ataques de Waller tan feroces y constantes que el crítico Greil Marcus bromeó diciendo que merecía un Premio Nobel de Física. "Añadimos los platillos más tarde, para que se notaran menos", recordó Stewart. "Que Micky se olvidara de los platillos finalmente le dio a 'Maggie May' un ritmo más contundente".
77. Moe Tucker.
Suyo fue el ritmo inestable que dio origen a miles de bandas. Tal es la magnitud de la influencia del acompañamiento, engañosamente simple pero a la vez expertamente sofisticado, que Maureen "Moe" Tucker aportó a la icónica formación de Velvet Underground, influenciando a artistas que van desde Patti Smith hasta R.E.M., Galaxie 500 y Nirvana. De hecho, Tucker no tenía nada que envidiar a los líderes de Velvet, Lou Reed y John Cale, en cuanto a la iconoclasia musical vanguardista de los años 60: de pie en lugar de sentado detrás de la batería, tocando con mazos en lugar de baquetas, evitando los platillos a menos que fuera absolutamente necesario o esperado. En clásicos de VU como "Heroin", Tucker parece prescindir del tiempo por completo, creciendo y tartamudeando al ritmo de los vaivenes de la canción. "Creo que Maureen Tucker es una baterista brillante", dijo Lou Reed en 2003. "Su forma de tocar, que ella inventó, es extraordinaria".
76. Earl Young.
En 1973, con el éxito de R&B de Harold Melvin and the Blue Notes, "The Love I Lost", Earl Young inventó el ritmo disco: los cuatro tiempos de un compás tocados con un bombo. Esta secuencia rítmica increíblemente flexible marcó el ritmo durante una década y sigue siendo omnipresente cuando los bailarines se mueven. Como miembro del conjunto MFSB, Young también proporcionó la base musical para Philly Soul, colaborando en discos de los O'Jays, los Spinners y su propia banda, los Trammps. Sin embargo, su contribución original es la que más se siente hoy en día, tras haber predicho más de 30 años de música house que aún llenaría festivales. "No tengo caja de ritmos", dijo. "En aquel entonces, yo era la caja de ritmos".
75. Earl Hudson.
La feroz banda de hardcore de Washington D. C., Bad Brains, comenzó como un grupo de jazz fusión, y Earl Hudson no perdió su toque extraordinario cuando el tempo se aceleró y se estrelló contra la pared. Dave Grohl, de Nirvana, admite haber imitado su técnica en la introducción de "Smells Like Teen Spirit" y declaró a Modern Drummer: "Solía aprenderme todos sus riffs a la perfección". Cuando el baterista de hard rock Chad Smith se unió a los Red Hot Chili Peppers en su etapa punk, el líder Anthony Kiedis le aconsejó que se familiarizara con Hudson. Con el tiempo, Bad Brains bajó el ritmo, incursionando en el heavy metal, el reggae y el funk, lo que le dio a Hudson más espacio para mostrar su maleable versatilidad. Pero siempre será conocido, sobre todo, como el maestro arquitecto de la música hardcore estadounidense.
74. Michael Shrieve
Santana con Michael Shrieve 2014, Anfiteatro White River
Cuando Santana subió al escenario el segundo día del Festival de Woodstock, entre Country Joe McDonald y John Sebastian, se encontraron con una multitud de oyentes que jamás habían escuchado una sola nota de su música, ya que el LP debut del grupo ni siquiera había salido a la venta. Pero desde la primera nota de "Waiting", el público quedó fascinado por la fusión única de la banda entre ritmos latinos pegadizos y rock psicodélico explosivo. El baterista de 20 años, Michael Shrieve, el artista más joven de todo el festival, lideró el conjunto. Con el conguero Michael Carabello a un lado y el timbalero José "Chepito" Areas al otro, Shrieve ofreció un solo potente con influencias de jazz en medio de "Soul Sacrifice" que sigue siendo asombroso después de 50 años. Tan solo dos años después, Santana perdió a casi todos sus miembros originales al abrazar la fusión y otros estilos no comerciales, pero Shrieve permaneció a su lado, llegando incluso a coproducir Welcome (1973) y Borboletta (1974). El baterista continuó trabajando con artistas que iban desde la Pat Travers Band hasta los Rolling Stones, mostrando su formidable registro. «Michael Shrieve despertó mi interés por Miles Davis y John Coltrane», dijo Carlos Santana en 2013. «Abrió una nueva dimensión a mi corazón». (Acertadamente, la colaboración continúa: Shrieve aparecerá en Santana IV, a la venta el 15 de abril, que reúne a casi toda la formación original que tocó en el LP homónimo de 1971).
73. Pete Thomas
En menos de un año, Elvis Costello pasó del pub-rock erizado de My Aim Is True al frenesí bilioso de This Year's Model , y no podría haber dado el salto sin Pete Thomas, fan de Mitch Mitchell, detrás de la batería. En aquellos primeros discos de Attractions, Thomas tocaba como cantaba Elvis, con una rabia contenida que explotaba, el tartamudeo vacilante del tom de piso o la caja sugería un intento fallido de sofocar esa inevitable explosión. (Véase la conmovedora introducción de "( I Don't Want to Go to ) Chelsea"). A medida que las composiciones de Costello comenzaron a exigir matices más ricos, Thomas siguió siendo su compañero rítmico ideal, tocando con una intuición forjada por una larga colaboración. "Pete Thomas es fácilmente el baterista de rock and roll de su generación", dijo Costello en un tuit el año pasado, "y el hecho de que nunca se haya mencionado en una encuesta te dice todo lo que necesitas saber sobre 'encuestas' y nada sobre bateristas".
72. James “Diamond” Williams.
Formado en jazz y ambidiestro, en su adolescencia, James Williams tocó con varias bandas en bares de Dayton. Cuando se unió a los Ohio Players en 1974, el grupo ya llevaba 15 años unido, pero su racha de éxitos bailables para Mercury Records apenas comenzaba. La forma de tocar de Williams, compuesta pero a veces explosiva, se convirtió en el motor de estos temas: su sólida base funk podía explotar inesperadamente en rellenos indomables, incluso en baladas como "I Want to Be Free". Si bien había ideado una buena cantidad de ritmos complejos, cuando llegaba el estribillo de una canción, Williams se lanzaba a la caja con un ritmo que, rara vez sutil o negociable, te daba ganas de bailar.
71. Los bateristas de Butch Trucks y Jaimoe
Allman Brothers Band, Butch Trucks y Jai Johanny “Jaimoe” Johanson, han sido inseparables desde los inicios del grupo, volcando su energía en todo, desde los intrincados ritmos del icónico “Whipping Post” hasta ejercicios sutiles como su versión de “Trouble No More” de Muddy Waters. El pedigrí de Jaimoe como baterista de soul de los 60 junto al gran Otis Redding se combina con los ritmos de Trucks con influencias de blues y rock para formar una lógica rítmica sincopada propia. Como Jaimoe le contó a Relix, él y Trucks intentaron tomar clases de batería con Elvin Jones en 1974, pero la leyenda del jazz les dijo: “¿Qué quieren? Sé quiénes son. ¿Qué se supone que debo enseñarles?”
Tommy Ramone le dio el pulso al punk rock
70. Tommy Ramone
“Él le dio el pulso al punk rock”, decía el titular del obituario del New York Times, en referencia a la muerte en 2014 de Tamás Erdélyi, más conocido por su nombre artístico, Tommy Ramone. Con sus corcheas furiosamente metronómicas y sus timbales tribales, marcó el ritmo vertiginoso de los tres primeros álbumes revolucionarios de los Ramones, acompasando su tempo con la guitarra abrasadora de Johnny Ramone. (“Como un taladro a toda máquina en una muela”, así definía Erdélyi su estilo). También contribuyó significativamente al catálogo perdurable de la banda, llegando incluso a escribir “Blitzkrieg Bop”, que Joey Ramone llamó “un llamado a las armas para que todos formaran su propia banda”. Esto incluiría a artistas como The Clash y Metallica, así como a todas las bandas que participaron en el Warped Tour; de hecho, el inconfundible latido de Erdélyi resuena hoy con la misma fuerza que siempre.
69. Dale Crover
"Un baterista como Dale Crover, sabes cuándo Dale está tocando con Nirvana porque es el mejor baterista del mundo", declaró nada menos que el propio baterista de Nirvana, Dave Grohl. "Siempre pensé que si las cosas no funcionaban [conmigo], siempre podrían funcionar con Dale". Si bien se le puede escuchar golpeando en nueve temas oficiales de Nirvana que abarcan Bleach y los lados B, la ocupación principal de Crover ha sido su permanencia de más de 30 años con la imparable institución del lodo artístico, los Melvins, a partes iguales terremoto, showman tenaz y maestro matemático rastreando los flujos y reflujos de los riffs Beefheartianos de Buzz Osborne. Impulsado por su amor por Kiss y Zeppelin, el sonido característico de Crover proviene de tom-toms que explotan como cañones, barras de metal en llamas, un bombo chisporroteante y un ataque de sangre y sudor que te golpea más fuerte que tu punk adolescente favorito.
68. Jerome “Bigfoot” Brailey
En 1975, cuando George Clinton escuchó por primera vez “Fame” de David Bowie en la radio, se volvió hacia su nuevo baterista y le dijo: “Recuérdame ese ritmo”. Entonces, el nuevo recluta de Parliament-Funkadelic, Jerome Brailey, filtró el estilo del baterista de James Brown, Jabo Starks, a través del brumoso jive cósmico de Bowie en “Give Up the Funk (Tear the Roof Off the Sucker)”. Brailey permanecería a bordo hasta 1978, impulsando muchos de los mayores éxitos de P-Funk con su persistente bombo, su evasivo trabajo de charles y sus intrincados e impredecibles patrones de caja, antes de que la desconfianza en las habilidades contables de Clinton lo llevara a formar Mutiny, un grupo cuyo funk era tan poderoso que inmediatamente entendías por qué lo llamaban. «El funk es muy simple», dijo Brailey a un periodista en 2010. «Se trata de la emoción del ritmo. El funk nace de dentro. … He hecho conciertos con Parliament donde estaba tan inmerso en el funk que lo sentía en los huesos, y ahí es cuando el público también lo siente».
67. Greg Errico.
Greg Errico tenía solo 17 años cuando Sylvester Stewart lo invitó a unirse a su nuevo grupo, Sly and the Family Stone. Errico ayudó a liderar uno de los conjuntos más importantes del funk, desde sus primeras grabaciones hasta el colosal " There's a Riot Goin' On" . En 2015, Errico declaró a la revista Rolling Stone que, en su apogeo, tocar con The Family Stone "me ponía los pelos de punta; el escenario se elevaba como un Boeing 787". En 1971, con The Family Stone sumiéndose en la desintegración, Errico fue el primero en separarse, trabajando con figuras como Lee Oskar, Betty Davis y Funkadelic, no solo como baterista, sino también como productor y arreglista.
66. Kenny Aronoff
John Mellencamp - Jack & Diane (Videoclip oficial)
Mejor conocido como el baterista inquebrantable de John Mellencamp de 1980 a 1996, Kenny Aronoff es absolutamente capaz de crear rellenos impactantes, sin olvidar el estruendo que da paso al puente de "Jack and Diane". Pero se siente igual de cómodo tocando en sincronía con la banda, manteniendo un ritmo sólido. "[Como baterista], soy un empleado", declaró a Esquire. "Mi trabajo es escuchar, aprender, liderar. Y entiendo que no soy el jefe". Con un sexto sentido para lo que realmente importa en la música pop y la paciencia para seguir instrucciones, se ha convertido en el percusionista de estudio predilecto de los Rolling Stones, Bob Dylan, Bruce Springsteen, Neil Diamond, Eric Clapton, John Fogerty, Sting, The Smashing Pumpkins, Lady Gaga y muchísimos otros.
65. Sly Dunbar
El casi omnipresente baterista de reggae Lowell Fillmore Dunbar ha tocado con todo el mundo, y dada la frecuencia con la que se samplean sus ritmos, es quizás el músico más grabado del mundo. Con un apodo derivado de su devoción por Sly Stone, Dunbar grabó su primera canción, "Night Doctor", con los Upsetters a los 15 años. Conocer al bajista Robbie Shakespeare en 1972 dio lugar a una relación laboral para toda la vida, especialmente en las bandas de Peter Tosh y Black Uhuru, pero también en la gira Some Girls de los Rolling Stones de 1978. Sly y Robbie llevaron el dub reggae al escenario mejor que nadie. "Robbie y yo no sabíamos lo que hacíamos hasta que la música jamaiquina se volvió dub y el bajo y la batería te daban en la cara", explicó. La brecha entre el swing relajado de Carlton Barrett y el estilo enérgico y metronómico de Dunbar marca el punto en el que el roots reggae se convirtió en su sucesor en la pista de baile.
64. Chad Smith
Will Ferrell y Chad Smith tocan la batería
Desde su debut con los Red Hot Chili Peppers en 1989, Chad Smith ha fusionado consistentemente la velocidad del funk clásico con la potencia y el volumen de un baterista que roba estadios. "Toca con fuerza, tío", dijo Sammy Hagar, quien reclutó a Smith para su banda Chickenfoot. "¡Es de Detroit, por Dios!". Tras trabajar inicialmente con los Red Hot Chili Peppers, Rick Rubin quedó tan impresionado con la versatilidad de Smith que comenzó a usar la "inmensa potencia y aura" del baterista en sus otras producciones. El exbaterista de los Chili Peppers, Cliff Martinez, lo llama "un virtuoso temible... con una intuición sólida y sofisticada para lo apropiado". Y Anthony Kiedis le atribuye a Smith la inspiración de sus movimientos característicos: "Todo lo que tengo que hacer es cerrar los ojos y escuchar a Chad. Si no, estaría fingiendo".
63. Dennis Chambers
Proveniente de la misma escuela Parliament-Funkadelic que produjo a Ramon “Tiki” Fulwood y Jerome Eugene “Bigfoot” Brailey, Dennis Chambers combinó la aptitud de estos músicos para el funk con la fusión de Tony Williams, inspirando a su vez a innumerables bateristas de gospel y hip-hop. Trabajando como baterista para el sello Sugar Hill (Chambers tocó en “Rapper’s Delight”) y junto al guitarrista de jazz-funk John Scofield, el nativo de Baltimore desarrolló un estilo basado en ritmos explosivos y rellenos abrasadores que recordaban a Buddy Rich y parecían desafiar el concepto mismo del tiempo. (El talentoso Travis Barker de Blink-182 resumió su influencia: “Siempre me ha gustado Dennis Chambers; es muy llamativo”). Desde la década de 1990, Chambers ha tocado frecuentemente con Carlos Santana, Steely Dan y John McLaughlin, además de ser director de banda. Los álbumes en solitario de Chambers, como Big City, Getting Even y Outbreak, son ejemplos lamentablemente pasados por alto de sus poderosas habilidades como batería y compositor.
62. Tony Thompson
Tony Thompson le aportó ritmos despiadados a Chic, una de las bandas más salvajes de la era disco. Su reputación se disparó en los 70, pero su influencia continuó en los 80, con éxitos pop imparables como "Addicted to Love" de Robert Palmer, "Let's Dance" de David Bowie y "Like a Virgin" de Madonna. Thompson incluso fue considerado como sustituto del fallecido John Bonham cuando surgieron rumores de un resurgimiento de Led Zeppelin. Y, por supuesto, aportó su ritmo a la versión original de "Good Times", la canción de Chic que incontables bateristas adoptaron como base para la primera ola de álbumes de rap e incorporaron a "The Adventures of Grandmaster Flash on the Wheels of Steel". "Durante todos estos años, la gente quería samplear mi música. Todos asumían que tenía algún truco especial", declaró Thompson a Modern Drummer. "Al final, no fue más que una batería Yamaha nueva en un estudio de ladrillos. Golpeé la batería con mucha fuerza. ¡Eso fue todo!"
61. Clem Burke
Blondie Atomic (Video Oficial).
Clem Burke, de Blondie, aportó un ritmo inesperado al punk crudo y la new wave que rugían en clubes neoyorquinos como el CBGB en los 70. Al fin y al cabo, la banda tituló su álbum revelación "Eat to the Beat", y la combinación de un ritmo nítido y una descarga de golpes dinámica, inspirada en Keith Moon, distinguió a Blondie del resto. Con Burke a la batería, Blondie incorporó ritmos disco, reggae y hip-hop a sus éxitos. Además, poseía una presencia y un carisma atípicos para un baterista. "Le gustaba ponerse al otro lado de la batería con frecuencia", declaró la cantante Deborah Harry al Chicago Tribune. "Clem aparecía y era una auténtica estrella. Tocaba, y sabías que esa era su vida".
60. Mick Fleetwood
Junto con su amigo y compañero de la sección rítmica, John McVie, Mick Fleetwood se ha mantenido como una constante a lo largo de las diversas transformaciones de la banda, desde el blues-rock de Peter Green de finales de los 60 hasta el pop adulto del actual conjunto Stevie Nicks-Lindsey Buckingham. La personalidad rítmica de Fleetwood brilla a lo largo del icónico éxito de ventas de la banda, Rumours: el elegante relleno que introduce "Dreams" es tan pegadizo como cualquier estribillo, y el vertiginoso contrapunto de tom-tom que proporciona a la guitarra rítmica de Buckingham es esencial en "Go Your Own Way". Buckingham ha elogiado el estilo "instintivo" de Fleetwood y cuenta una anécdota sobre el distintivo toque de cencerro que el batería añadió al primer sencillo de la banda, "Oh Well". "Mick lo hizo de improviso, y cuando intentó repetirlo, ¡no pudo! Le llevó una semana de ensayos aprender lo que había hecho en un instante". Como artista, el estilo instintivo de Fleetwood y su alegría casi infantil detrás de la batería permanecen intactos hasta el día de hoy.
59. Jim Gordon,
el protegido de Hal Blaine, fue uno de los músicos de sesión más solicitados de los años 60, tocando la batería en todo tipo de temas, desde Pet Sounds hasta “Classical Gas”. Durante una gira con Delaney & Bonnie, Gordon conoció a Eric Clapton, quien lo reclutó (y a muchos de sus compañeros de banda) para formar Derek and the Dominoes. La combinación de sensibilidad blues y delicadeza profesional de Gordon impulsó el clásico LP doble Layla and Other Assorted Love Songs. Gordon grabó posteriormente con figuras como Randy Newman y Steely Dan, y se convirtió en una figura improbable en el auge del hip-hop cuando DJ Kool Herc empezó a inspirar a los bailarines del Bronx con el break de Gordon en “Apache” de Incredible Bongo Band. “Todos empezaron a buscar el ritmo perfecto, intentando superarlo”, recuerda Herc. “A día de hoy, siguen sin encontrarlo”.
58. Sheila E.
Nacida como Sheila Escovedo, hija del percusionista Pete Escovedo, Sheila E. fue una prodigio de la batería que, de joven, tocó con figuras como Marvin Gaye y Herbie Hancock. Saltó a la fama al incorporar su estilo polirítmico, vívido e impecable, a la banda de Prince posterior a la Revolución a finales de los 80, contribuyendo a definir el rock, el pop y el R&B de esa década. Claro que también cantó como solista en éxitos como "The Glamorous Life" de 1984, pero es su eminencia como baterista, aún muy solicitada, la que ha consolidado su legado musical. "Es muy interesante que todos digan que [Prince] me influyó, cuando en realidad yo lo influencié a él primero", declaró a Fox News. Cuando fui a presentarme, él ya sabía quién era, lo cual me impactó, y me dijo: "Ya te conozco. Llevo mucho tiempo siguiendo tu carrera, eres increíble, y me encantaría que tocaras en mi banda".
57. Manu Katché
Manu Katché: Clubbing (Video en vivo) / Álbum: Manu Katché - En vivo en concierto
A finales de los 80 y principios de los 90, artistas como Peter Gabriel y Sting se negaron a quedarse estancados en el terreno rítmico; por eso, reclutaron al baterista hiperdinámico Manu Katché, nacido en Francia y originario de Costa de Marfil, para plasmar sus vastas visiones con tintes folk. Reconocible al instante por su complejo uso de platillos vibrantes y ritmos sincopados, Katché aporta ritmos de África Occidental a "In Your Eyes" de Gabriel y un groove trip-hop a "Digging in the Dirt" del cantautor. Para el esquizofrénico "Englishman in New York" de Sting, alterna entre reggae ligero, breaks de estilo jazz y la potencia del hip-hop de mediados de los 80 con la soltura de un DJ. “Cuando hicimos la gira de Amnistía [en 1986], le pregunté a Manu Katché si podía sentarme detrás de él y observarlo”, dijo Larry Mullen Jr. de U2. “Quedó impresionado y no sabía qué quería hacer, ¡pero yo solo quería ver cómo trabajan los bateristas de verdad!”.
56. Richie Hayward
Little Feat - El solo de batería de Richie
Como baterista de la banda de boogie surrealista Little Feat, Richie Hayward solía tocar por encima, por debajo y alrededor del ritmo. Tras responder al anuncio de Lowell George en el LA Free Press ("Se busca baterista; se requiere extravagancia"), Hayward aceptó tanto el éxito de crítica como el fracaso comercial de Feat. Como principal impulsor de la banda, transformó Little Feat en una versión colorida, vivaz y bailable de la música protoamericana, seria y con tonos sepia, de la banda. Según Jon Fishman, baterista de Phish, "la forma más fácil de predecir lo que iba a tocar en un momento dado era escuchar la enunciación de la letra". Hayward guió las estructuras caóticas y poco ortodoxas de la composición de prog-boogie de Feat con su batería, añadiendo armonías vocales estridentes. Añadió un slide con tintes blues de Luisiana a su sonido, siendo pionero del estilo funk de segunda línea que le haría muy querido por futuros empleadores como Robert Plant y Bob Dylan.
55. Max Weinberg
En la primavera de 1974, Max Weinberg vio un anuncio en el Village Voice que decía que Bruce Springsteen y la E Street Band buscaban un nuevo baterista, advirtiendo a los posibles candidatos que no querían un imitador de Ginger Bakers. Weinberg era un joven con una sólida formación musical y pulso firme, inmerso en las orquestas de Broadway; en otras palabras, el polo opuesto del imparable baterista de Cream. Impresionó a Springsteen en una audición y fue contratado justo cuando comenzaba el trabajo en Born to Run . Es imposible imaginar cómo habría sido ese álbum sin el ritmo incansable de Weinberg, más cercano en espíritu a los reyes del estudio de los 60 que a los gigantes de los estadios de los 70, y tras su éxito, el baterista se encontró trabajando con artistas de todos los tamaños, desde Meat Loaf hasta Bonnie Tyler. Cuando la E Street Band se disolvió en 1989, encontró trabajo como líder de la banda de Conan O'Brien, aunque cuando la banda se reformó en 1999, logró compaginar ambos roles con su apretada agenda. «Max encontró un punto de encuentro entre Bernard Purdie, Buddy Rich y Keith Moon, y lo hizo suyo», dijo Bruce Springsteen en su discurso de aceptación del Salón de la Fama del Rock and Roll en 1999. «Le pido, y nunca me decepciona, cada noche».
54. Ahmir “Questlove” Thompson
Solo de batería de QuestLove en vivo en el Festival de Jazz de Toronto
Ahmir Thompson ha desempeñado muchos roles: superproductor de neo-soul, compositor ecléctico, líder de banda en programas de entrevistas, superfan de otras celebridades. Pero estas oportunidades han surgido porque, ante todo, es un baterista versátil cuya actuación ha superado constantemente las expectativas. Quienes se habían encogido ante la idea de una "banda de hip-hop en vivo" se quedaron con la boca abierta cuando, en "You Got Me" de The Roots, el ritmo constante de Thompson se acelera hacia el breakbeat incesante que los productores de drum 'n' bass siempre han creado electrónicamente. El Tonight Show With Jimmy Fallon puede ser un negocio fácil, pero él lo aborda cada noche como un desafío, añadiendo nuevas páginas a su enciclopedia rítmica en constante expansión, integrándola a la perfección con el estilo del invitado. "Eso es lo que hace a Ahmir genial", declaró a The New Yorker el guitarrista Charlie Hunter, quien trabajó con él en el icónico LP de D'Angelo, Voodoo. "Puede tocar en perfecta armonía con los demás, tomar el control y ver el panorama general".
53. Jimmy Chamberlin
Zwan - Honestamente (Video)
Según Billy Corgan, líder de Smashing Pumpkins, Jimmy Chamberlin se presentó a su primer ensayo "con una camiseta rosa, vaqueros descoloridos y un mullet... Pensamos: 'Ese no es él'. [En cambio] se había aprendido todas nuestras canciones, y después de un ensayo, estábamos listos para tocar. Es así de bueno". A diferencia de los zeppelinistas de la era grunge como Dave Grohl de Nirvana y Matt Cameron de Soundgarden, Chamberlin sonaba como un músico sólido que había aprendido mucho del jazz, lo que sugiere una profunda familiaridad con cruces musicales como Dennis Chambers y Lenny White de Return to Forever. Llenando "Siamese Dream" de 1993 con redobles de batería ajustados y "Mellon Collie" e "Infinite Sadness" de 1995 con fervor orquestal, se volvió tan intrínseco al sonido de la banda como la pedalera de Billy Corgan. "No puedes simplemente llamar a alguien y decirle: 'Toca la batería en esta canción de Smashing Pumpkins'", declaró Corgan a USA Today. "Las partes de batería de Jimmy son tan refinadas técnicamente y tan matizadas que solo un grupo muy pequeño de personas podría tocar para él".
52. Matt Cameron
Pearl Jam - Even Flow - Matt Cameron - Batería - Batería
Más que ningún otro baterista, Matt Cameron sentó las bases rítmicas de la revolución del rock de los 90, reconciliando la tecnicidad del progresivo con una potencia abrumadora. Describió acertadamente sus ritmos vertiginosos en el tema "Jesus Christ Pose" de Soundgarden de 1991 como un "puro asalto a los sentidos", pero esa brutalidad eficiente no era necesariamente característica del trabajo de Cameron con la banda: su batería en Superunknown es tan reflexiva como robusta, desde la fluida asimetría de "Spoonman" hasta el firme ritmo de fondo de "Fell on Black Days". Veinte años después del lanzamiento del álbum, Dave Grohl seguía elogiándolo: "Nadie tocaba la batería como Matt". Cuando Soundgarden se disolvió repentinamente en 1997, Cameron no permaneció desempleado mucho tiempo: Pearl Jam lo invitó a su gira al año siguiente. "No intentaron limitarme en absoluto", declaró a un periodista al comienzo de su colaboración. “Soy conocido por tocar rellenos inusuales y alucinantes, y a veces por tocar cosas que no debería tocar, pero les encantó eso, al menos eso es lo que me dijeron”.
51. Alex Van Halen
La ambición colosal de Alex Van Halen y su agilidad jazzística hicieron de Van Halen una de las bandas de rock más vibrantes. Millones de jóvenes bateristas en todo Estados Unidos se volvieron locos en los 80 intentando replicar su rápido trabajo de tom-tom y su swing galopante en "Hot for Teacher" o el intrincado ritmo inicial de "Finish What You Start". Su devoción y perseverancia también fueron notables: un artículo de la revista Rolling Stone de 1984 describe una actuación de los Rolling Stones como teloneros en la que Alex tocó con una mano fracturada en cuatro partes. "Ni siquiera podía sostener una baqueta", escribió la periodista Debby Miller. "Así que se la ató a la muñeca con un cordón de zapato y siguió tocando". Van Halen atribuyó su elección de carrera a su infancia: "[Mi padre] era músico, y es difícil expresarlo con palabras, pero los músicos son diferentes a las personas con un trabajo estable", declaró a Kurt Loder de MTV en 1991. "La mentalidad es diferente... todo el planeta es tu hogar".
50. Cozy Powell.
Desde su irrupción en la escena con Jeff Beck Group en 1970, Colin Trevor “Cozy” Powell se ha labrado una reputación como baterista discreto y músico de sesión de referencia, una figura clave y poderosa para el desarrollo del hard rock y el heavy metal británicos. Aunque creaba regularmente sus propios proyectos, Powell es recordado principalmente como un valioso activo para bandas como Rainbow y Whitesnake; como un tercio de la efímera Emerson, Lake & Powell; y como la fuerza impulsora detrás de Black Sabbath, a la vez criticado por la crítica pero innegablemente importante, en tiempos más recientes. En una entrevista de 1999, Emerson recordó cómo Powell armó su enorme batería durante los ensayos, solo para darse cuenta de que había olvidado sus baquetas: «Había planeado usar algunas ramas caídas de mi jardín, hasta que un granjero local fue al pueblo a buscar unas baquetas de verdad. No tenían el peso adecuado, pero funcionaban cuando las sostenía boca abajo, usando el extremo más grueso. Entonces hizo su solo, y fue como si hubiera estallado la Segunda Guerra Mundial».
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