Foo Fighters, Dave Grohl, Bolonia, 13 de noviembre de 2015 - Foto de Massimiliano Donati
49. Vinnie Colaiuta
Vinnie Colaiuta Impresionante solo de batería
“Antes de verlo, podía entenderlo todo”, dijo el baterista de Devo, Josh Freese, a Drum! “Fue el primero que, incluso mirándolo de cerca, no tenía idea de lo que estaba haciendo”. Según el siempre exigente Frank Zappa, Vinnie Colaiuta obtuvo el primer lugar en la creación de polirritmos para acompañar sus solos de guitarra improvisados; basta con escuchar los intrincados intercambios entre guitarra y batería en Shut Up 'n Play Yer Guitar para comprobarlo. Pero Colaiuta también es un maestro de la delicadeza y la discreción, buscado por todos, desde Herbie Hancock hasta Joni Mitchell y Sting. “No estás ahí para presumir ni para ser el centro de atención”, dice sobre su profesión. “Estás ahí para acompañar [a los demás] y ser parte [del todo]”.
48. John “Drumbo” Francés
Capitán Beefheart y su banda mágica - Televisión alemana 1972
John “Drumbo” French se unió a la Magic Band de Captain Beefheart en 1966, trayendo consigo un estilo polirrítmico y cargado de toms que se volvería tan integral para el grupo como el blues áspero y modernista de Don Van Vliet. French fue el director musical de la obra maestra de vanguardia de Magic Band, Trout Mask Replica , pero la abandonó con amargura. “Nunca antes tanta gente había trabajado tan duro por tan poco”, dijo French sobre las sesiones que produjeron el álbum, y agregó: “Nunca recibí un centavo”. Durante la grabación de Replica , una visita grupal a una actuación de Dalí cambió su enfoque de la batería e inspiró la inclinación de French por la superposición rítmica. El estilo de Drumbo se perfeccionó aún más en Lick My Decals Off, Baby de 1970 , su siguiente álbum, y quizás el mejor ejemplo registrado de su estilo caótico, metálico pero ferozmente controlado. Más tarde, French se encontró liderando su propia Magic Band, proyectando el estilo de canto del Capitán en una extraña especie de represalia por su tumultuoso primer compromiso.
47. Dave Lombardo
Slayer - Angel Of Death (En vivo en el Centro Cívico de Augusta, Maine/2004)
Dave Lombardo, un cubano con una velocidad endiablada, se ganó el apodo de “ADDave” de sus compañeros de Slayer después de mantener sin esfuerzo el ritmo en pistas vertiginosas como Angel of Death , que alcanza los 210 bpm y presenta uno de los descansos de batería más asombrosos del metal, y “War Ensemble”, todo mientras insinúa el jazz latino. Las tensiones dentro de la banda lo llevaron a abandonarla y reincorporarse un par de veces (actualmente toca con Dead Cross), pero estas fluctuaciones le permitieron codearse con los vanguardistas del art-metal Fantômas, el famoso compositor/provocador John Zorn, el líder del trip-hop DJ Spooky y el artista visual Matthew Barney. "Es un adicto a la cafeína", dijo una vez Kerry King, ex colega de Lombardo en Slayer. ”Él siempre está en un estado de agitación. Él no puede quedarse quieto.”
46. Dave Garibaldi
David Garibaldi (solista completo)
Con Tower of Power, el elegante filtrado de David Garibaldi ayudó a ampliar la audiencia de los experimentos rítmicos de James Brown a finales de los años 70, y su ingenio rítmico fue un elemento clave en la creación del éxito What is Hip? del conjunto soul-funk del Área de la Bahía “Fue su idea que Rocko [Prestia] tocara esas semicorcheas en el bajo”, dijo el líder de Tower of Power, Emilio Castillo. “Eso es lo que le dio impulso a la canción”. La confirmación de que las partes de batería de Garibaldi eran tan pegadizas como los instrumentos de jazz y las voces de R&B característicos de Tower of Power llegó cuando el hip-hop comenzó a ampliar sus influencias en los años 80 (Garibaldi aparece repetidamente en "Paul's Boutique" de los Beastie Boys, para empezar). Garibaldi también fue una influencia formativa para el baterista de los Red Hot Chili Peppers, Chad Smith, quien dijo que “su batería… me llevó a otros niveles”. El “baterista funky” Clyde Stubblefield una vez llamó a Garibaldi “mi favorito” y exclamó: “¡Tenía funk!”.
45. Billy Cobham
BILLY COBHAM STRATUS II
A principios de la década de 1970, Billy Cobham estableció un nuevo estándar para la batería de fusión, combinando la increíble agilidad del jazz con la potencia aplastante del rock. El baterista nacido en Panamá apareció en el innovador Bitches Brew de Miles Davis y, más notablemente, en A Tribute to Jack Johnson , donde su interacción con el guitarrista John McLaughlin sentó las bases de lo que ambos construirían juntos en la Mahavishnu Orchestra. La influencia de Cobham llegó mucho más allá del jazz: contemporáneos del progresivo como Bill Bruford de King Crimson siguieron sus hazañas de cerca, bateristas más jóvenes como Danny Carey de Tool aprendieron de él, e incluso Prince versionó el Stratus de Cobham en concierto. Quizás no haya mayor fan que Phil Collins, quien ha llamado a Inner Mounting Flame de Mahavishnu una influencia clave en su estilo inicial. “En ese disco Billy Cobham interpretó una de las mejores percusiones que jamás haya escuchado”, dijo.
44. Jerry Allison
Buddy Holly - Peggy Sue en vivo
Jerry Allison fue el primer colaborador de Buddy Holly, uno de los hitos más perdurables que comenzó como un dúo de guitarra y percusión. El baterista de los Crickets no solo ayudó a escribir That'll Be the Day , sino que convenció a su amigo de cambiar el título de Cindy Lou a Peggy Sue , el nombre de una mujer a la que Allison esperaba impresionar en ese momento. Sin embargo, la contribución más importante del baterista a esta pieza fue a nivel rítmico: el ritmo cha-cha original no funcionaba, pero entre ensayos, el productor Norman Petty escuchó a Allison tocando un rudimento de percusión clásica conocido como paradiddle y le dijo al baterista que tocara eso en su lugar. Buddy Holly and the Crickets fue la primera banda de rock and roll en usar el estudio de grabación “como una combinación de laboratorio y patio de juegos”, como lo expresó el fan Marshall Crenshaw, y Allison estaba abierto a probar cualquier cosa: en “Everyday” no hace nada más que aplaudir en su regazo. En homenaje a ese inteligente golpe de genialidad, Ringo Starr tocó una maleta cuando los Beatles grabaron "Words of Love" de Holly.
43. Phil Collins
En el aire esta noche EN VIVO - Phil Collins
Antes de convertirse en uno de los cantantes pop más famosos de los 80, Phil Collins fue uno de los bateristas más aventureros de los 70, colaborando con figuras de vanguardia como Brian Eno, el colectivo de jazz fusión Brand X y, por supuesto, el virtuoso conjunto Genesis liderado por Peter Gabriel. Fue durante una sesión en solitario de Gabriel a finales de 1979 que Collins creó su característica técnica de “caja cerrada”, que pronto fue imitada en todo el universo pop y se convirtió en un elemento básico de innumerables canciones de los años 80. Lo volvió a utilizar en In the Air Tonight , una canción que culmina con lo que quizás sea el relleno más famoso de la década. Después de ese éxito, Robert Plant, Eric Clapton y muchos otros lo quisieron en el estudio para tocar la percusión en sus álbumes. Después de la gira Genesis en 2007, sufrió graves daños en los nervios de las manos, lo que le hizo casi imposible incluso agarrar baquetas: un destino cruel para un músico de gran influencia e innovación. “Me encanta su forma de tocar la batería y no tengo miedo de admitirlo”, dijo el baterista de Mastodon, Brann Dailor. “Creo que es un fenómeno como baterista de Genesis y también está subestimado. “Es un baterista fantástico y muy completo”.
42. Bill Ward
Solo de batería de Bill Ward
Dado su papel como baterista en la banda que posiblemente inventó el heavy metal, es sorprendente pensar en lo ágil músico que siempre ha sido Bill Ward. Formado por grandes del jazz como Joe Morello y Gene Krupa, el cofundador de Black Sabbath aportó un sentido de elegante elasticidad al oscuro y lento ritmo que caracterizó a la banda en sus inicios (“Black Sabbath”, “Iron Man”). En lugar de imitar los icónicos riffs del guitarrista Tony Iommi, bailó alrededor de ellos: basta con echar un vistazo al movimiento con tintes bebop que realiza a mitad de "Electric Funeral" o sus pausas intermitentes de tom-tom en "Rat Salad". Y cuando quería –como en el ritmo abrumador de “Hand of Doom”– Ward tenía todo el funk de cualquier baterista de R&B. “Se podían encontrar innumerables muestras de Bill en los discos de hip-hop”, observó el baterista de Rage Against the Machine, Brad Wilk, un fan de Ward que lo reemplazó a regañadientes para el álbum de regreso de la banda en 2013, 13. Los bateristas posteriores de Sabbath, como el más explosivo Vinny Appice y el más llamativo Cozy Powell, aportaron un profesionalismo de calibre de estadio a las actuaciones, pero nunca pudieron replicar del todo el baile genuino que Ward hacía detrás de la batería, una de las muchas razones por las que su pelea con los otros miembros originales de Sabbath lo convirtió en una gran decepción.
41. Carter Beauford
GoPro Music: Solo de batería de Carter Beauford de Dave Matthews Band
Carter Beauford, miembro fundador de Dave Matthews Band, es un baterista de jazz con mucho ritmo y fanático de Tony Williams con sensibilidad pop. Si bien su banda se centra en el groove, llena incluso los números más populares con riffs intrincados e increíblemente complejos; por ejemplo, le da a “Ants Marching” una secuencia de hi-hat inusual antes de acentuar orquestalmente los riffs vocales de Matthews, agrega un trabajo sofisticado de bombo a “So Much to Say”, trata “Dancing Nancies” como una segunda línea directa a la casa de Stewart Copeland o usa dos tambores en “Two Step”. Y, por supuesto, están los shows en vivo donde sus monstruosos solos de batería explotan en frenéticos bombos y las canciones evolucionan noche tras noche. “Cada público es diferente, por eso queremos intentar hablar directamente a ese público o dar un mensaje diferente cada vez que tocamos”, dijo Beauford a Guitar Center. “Si tocas siempre lo mismo, todo el mundo lo notará”.
40. Jack De Johnette
Pianista desde los cuatro años, Jack DeJohnette no empezó a tocar la batería hasta los 18. Ese comienzo tardío no lo puso en desventaja: una temprana temporada con la institución de vanguardia de Chicago, la Association for the Advancement of Creative Musicians, lo llevó a presentaciones en vivo con John Coltrane, un lugar en las listas con el cuarteto de Charles Lloyd y luego una colaboración con Miles Davis, cuando el trompetista se preparaba para el ícono de la fusión de los 70, Bitches Brew. “Tocar con Miles fue genial, porque a Miles le encantaba la percusión”, explicó DeJohnette a Jazz.com en 2009. “Todo surgió de la percusión. “Le encantaba el boxeo, era un gran aficionado al boxeo y creía que la percusión en el jazz tenía características similares”. Como director de banda y compositor, DeJohnette combina todo lo que ha aprendido (el experimentalismo perfeccionado en la AACM, la integridad de Coltrane, el ritmo boxeador de Davis) con su talento innato para crear piezas memorables.
39. Ramón “Tiki” Fullwood
“Hombre, ese es el baterista de pie más genial que he escuchado jamás”, dijo Grady Thomas, vocalista del grupo de doo-wop de George Clinton, los Parliaments, sobre Ramon “Tiki” Fulwood. Cuenta la leyenda que a la tierna edad de 17 años, Fulwood tuvo que colarse en los locales para tocar, y que más tarde Clinton tuvo que rogarle a su madre que lo llevara de gira. Su estilo poderoso, combinado con la guitarra salvaje de Eddie Hazel, marcó el final de los trajes en la banda, dando lugar a una mezcla psicodélica que cambiaría el mundo. Lo que se escucha en himnos alegres como “Maggot Brain” son sus tomas características y poderosas: una interpretación disruptiva y extrovertida que luego se convertiría en una fuente de muestreo para los productores de hip-hop. “Tiki era el epítome del mundo del espectáculo, tenía poder”, dijo la madre de Hazel Grace. “Quiero decir, eso sonó como si hubiera un montón de bombas explotando allí atrás”.
38. Jim Keltner
Jim Keltner en el Guitar Center
Jim Keltner es uno de los bateristas de estudio más reverenciados, habiendo sentado las bases para miles de grabaciones como Imagine de John Lennon, “Photograph” de Ringo Starr, gran parte de la producción en solitario de George Harrison, ambos LP de Traveling Wilburys, Full Moon Fever de Tom Petty, “Knockin' on Heaven's Door” de Bob Dylan y “Josie” de Steely Dan; Sin olvidar las colaboraciones con Harry Nilsson, Bee Gees, Pink Floyd, Randy Newman, Carly Simon, Joni Mitchell, The Pretenders, Fiona Apple y Oasis. Nació en Oklahoma, creció en Pasadena, California y comenzó a trabajar como músico de sesión en la década de 1960, iniciando una carrera que ha tocado prácticamente todas las iteraciones del pop y el rock. Keltner es conocido por sus acompañamientos sólidos, su atmósfera relajada, sus sutilezas jazzísticas y su versatilidad. “Él reacciona a todo lo que sucede en el negocio de la música”, dijo Leon Russell, quien ha trabajado con Keltner a menudo a lo largo de los años. Una característica del estilo de Keltner es su comportamiento tranquilo. “A lo largo de los años, mucha gente me ha dicho: 'No suena como si estuvieras tocando cuando estás tocando'”, dijo una vez, y agregó: “Al igual que la guitarra, hay muchas formas diferentes de tocar la batería”.
37. Jeff Porcaro
El baterista de Toto, Jeff Porcaro, fue una presencia pop constante durante los años 70, 80 y 90. Su ágil trabajo con el palo le dio a “Beat It” de Michael Jackson gran parte de su fuerza, ayudó a que “I Keep Forgettin'” de Michael McDonald sonara con nostalgia y creó el “Rosanna Shuffle” para el éxito homónimo de su banda. "Jeff siempre tuvo un papel importante a la hora de convertir una canción en una pieza grabada", dijo el colega y hermano de Porcaro, Steve, a Rhytm en 2013. "Fue como atrapar un rayo en el estudio. Nunca nos aburrimos. … Inmediatamente se le ocurrían las mejores partes, como si hubiera estado tocando esas canciones durante años”. Porcaro murió en 1992, poco después de completar el octavo álbum de Toto, Kingdom of Desire; También tocó en Human Touch de Bruce Springsteen, y se dice que rechazó una oferta de un millón de dólares para salir de gira con el Boss para poder tocar con su banda insignia.
36. Steve Smith
A pesar de haber pasado la mayor parte de los últimos 30 años vagando por el circuito de jazz fusión y encabezando clínicas de batería, de 1978 a 1985 las habilidades sobrehumanas de Steve Smith acompañaron a los rockeros tremendamente populares Journey en su mejor momento, con videojuego y todo. Su parte en el clásico inspirador “Don't Stop Believin'” es una intrincada secuencia de mano abierta en la que toca el hi-hat con su mano izquierda mientras su mano derecha se mueve por el resto del kit. Es tan sobresaliente como la voz ronca de Perry. “Recuerdo el último episodio de Los Soprano, cuando sonó ‘Don’t Stop Believin’ de Journey”, dijo el baterista Peter Erskine a Drum! “Smith es parte de un cambio importante en los medios estadounidenses… ¡Y luego aquí está Smith en un contexto diferente tocando a Jo Jones en el hi-hat! ¿Cuántos más podrían dirigir una banda así y además tocar el hi-hat?
35. Fred Below
Antes de los Funk Brothers de Motown o los MG's de Stax, grupos más sueltos de músicos de sesión reunidos por sellos dieron forma al sonido R&B de mediados del siglo XX; entre ellos había artistas como Fred Below de los Aces, cuyo trabajo elegante, fuerte pero delicado para Chess Records de Chicago fue esencial para impulsar la música de Little Walter, Muddy Waters, Bo Diddley, Chuck Berry y Howlin' Wolf hacia nuevos territorios. Después de comenzar como baterista de jazz, tuvo que encontrar su camino en el blues. “Lo que hacía que el blues fuera fascinante era que era un género desconocido para mí... ¡y no lo enseñaban en la escuela!” Él recordó. “Así que tuve que interpretarlo de una manera que tuviera sentido para mí”. Al escuchar “I'm Ready” de Muddy Waters o “School Days” de Chuck Berry, el talentoso alcance y el toque de Below son nítidos; Sin adornos de ningún tipo, alimentó el motor de blues eléctrico del ajedrez.
34. Mickey Hart y Bill Kreutzmann
Mickey Hart se unió al miembro fundador de Grateful Dead, Bill Kreutzmann, en 1967, convirtiendo a los Dead en uno de los primeros conjuntos de rock con dos bateristas. Ninguna otra banda de rock ha llevado la simbiosis de la percusión tan lejos. “El lenguaje que comparto con Bill no tiene palabras”, dijo Hart. “Es un lenguaje corporal, guiños y movimientos… un lenguaje secreto que no podemos describir”. O como dijo Kreutzmann: “Mickey se siente más en un staccato en semicorcheas rectas, mientras que yo tiendo más hacia los puntos de valor”. Hart también utiliza RAMU, su “Universo musical de acceso aleatorio” digital, y el infame “beam”, un “monocordio pitagórico” de ocho pies con 13 cuerdas. En 1979, los Dead habían reemplazado su pilar estelar “Dark Star” con lo que se denominó “Drums>Space”, un dueto de batería que evolucionó hasta convertirse en un boleto de forma libre a regiones musicales previamente inexploradas, llevando la vanguardia a legiones de fanáticos de todo el mundo.
33. Tony Allen
"Es increíble", dijo Tony Allen citando al inventor del afrobeat Fela Kuti. “Por la forma en que tocas, ni siquiera necesitarías un percusionista”. Una máquina de ritmo radicalmente polirrítmica, este innovador nigeriano-ghanés añadió jazz y funk a géneros locales de África occidental como el highlife, el apala y el mambo nigeriano. Allen estaba tocando jazz en Lagos cuando conoció a Fela, quien lo contrató como baterista y director de banda, primero en Koola Lobitos y luego en Africa 70, desde 1965 hasta 1979, cuando Allen se fue debido a las “ideologías dictatoriales” de Fela y sus políticas equivocadas. Fela admitió que no habría Afrobeat sin Allen, cuya influencia ha llegado a Talking Heads, Gorillaz e innumerables artistas de afrofusión. Después de dejar Fela, Allen continuó lanzando sobres en varias colaboraciones y síntesis solistas híbridas que él llama afrofunk. “Soy un tipo fuerte”, admite. “Me gusta tocar la batería de la misma manera que… me comporto en la vida”.
32. James Gadson
James Gadson: batería funk y R&B
Aunque es originario de Kansas City, es difícil imaginar un baterista más importante en la historia de Los Ángeles que James Gadson. Inicialmente alcanzó la fama a fines de la década de 1960 como miembro clave de la 103rd St. Rhythm Band de Watts (famosa por “Express Yourself”) y luego con la banda de Bill Withers, mientras se mantenía ocupado como uno de los músicos de sesión más prolíficos de la ciudad. Su mano firme ha acompañado todo, desde “Dancing Machine” de los Jackson 5 hasta “Happy People” de los Temptations y “I Want You” de Marvin Gaye. “Quiero decir, tocó en 'Let's Get It On'”. …Gadson encarna ese sonido”, dijo Jamie Lidell a Pitchfork. “Cada vez que toco con él, hay una telepatía increíble como nunca he experimentado con otros músicos. Él me mira con una sonrisa interpretando ese maldito ritmo a la perfección. Y cuando termina la pieza dice: '¡Te seguí!' “No tiene ni una pizca de egocentrismo”.
31. Roger Hawkins
ronee blakely - por favor VIVA con los Swampers
Jerry Wexler, el productor que acuñó el término “rhythm & blues”, llamó a Roger Hawkins “el mejor baterista del mundo”. Como todos los Swampers, como él y sus colegas de la Sección Rítmica de Muscle Shoals eran conocidos cariñosamente, Hawkins se destacó por adaptar su estilo personal a las necesidades de una sesión. Wilson Pickett ideó el ritmo que quería para “Land of 1000 Dances” golpeándose la pierna con las manos y Hawkins continuó desde allí; Paul Simon buscaba un ritmo particular para “Kodachrome” y el baterista lo cristalizó golpeando un paquete de cinta adhesiva. El intrincado motivo de platillos que Hawkins construye sobre “Chain of Fools” de Aretha, los punzantes ritmos funk que recorren “I’ll Take You There” de Staples Singers, el drama sutil que subyace a “When a Man Loves a Woman” de Percy Sledge… todo ello hace que sea difícil estar en desacuerdo con Wexler.
30. Clifton James
1969 - John Lee Hooker - Boom Boom (Video en vivo)
"Cuando participé en la grabación de 'Bo Diddley' en 1955, toda la escena musical cambió", dijo el guitarrista homónimo. “Los chicos blancos tiraron a Beethoven a la basura”. Si bien el anclaje basado en toms ha sido denominado "el ritmo de Bo Diddley", el baterista Clifton James merece el mismo crédito por crear ese trueno de proto-rock. Nacido en Chicago con 13 hermanos, James aprendió a jugar en sillas y latas. Tocó en grabaciones de leyendas del blues de Chicago –Muddy Waters, Howlin' Wolf, Koko Taylor, Buddy Guy, Willie Dixon, Sonny Boy Williamson–, pero su mayor contribución fue como baterista de Diddley entre 1954 y 1970. “En realidad, en ese momento la idea de ese ritmo fue más de Clifton James que de Bo Diddley”, dijo Dixon. “De todos los bateristas diferentes que tuvo Bo Diddley, ninguno lo satisfizo como Clifton James... Cuando trabajaron juntos, produjeron algo tan maravilloso que al final uno era inútil sin el otro”.
29. Carlton Barrett
Sesión de improvisación de Bob Marley con Tyrone y Carlton en el estudio Criteria 1980
Nada suena más auténticamente reggae que los retumbantes tam-toms seguidos por el chasquido del bombo de Carlton “Carlie” Barrett, que dio origen a miles de canciones. Posiblemente el músico más influyente de la música reggae, Barrett popularizó el ritmo distintivo del género, “one drop”, en la banda solista de Waiters y Bob Marley. “Field Marshal” y su hermano bajista Aston “Family Man” Barrett redujeron el ritmo del rocksteady hacia los ritmos lentos y concentrados que llegaron a definir las raíces clásicas del reggae. Su batería discreta (que se escucha en canciones como “Duppy Conqueror”, “Soul Rebel” y “Small Axe”) y su característico hi-hat de tresillos sirvieron como un rayo tractor para sus fanáticos rabiosos hasta su asesinato en 1987, cuando tenía 36 años. “Dado que la percusión se remonta a la época de la esclavitud y de África, [el género] proviene de una rica historia”, dijo a Modern Drummer. “Los talentosos bateristas de reggae hacen del acto de tocar una experiencia espiritual”.
28. Carmín Appice
Solo de batería de Carmine Appice
Carmine Appice, un colaborador valioso y una figura influyente con un estilo inconfundible, literalmente escribió el libro sobre batería de rock: su texto de 1972 The Realistic Rock Drum Method ha sido un hito desde su primera publicación. Appice se hizo un nombre a finales de los años 60 con el excéntrico conjunto psicodélico Vanilla Fudge, influyendo al joven John Bonham con sus ritmos funk disruptivos y agresivos, antes de pasar al blues-rock más pesado con Cactus y Beck, Bogert & Appice. Demostró su alcance en la Rod Stewart Band de finales de los años 70, aportando ritmos ingeniosos y una asistencia indispensable en la composición de éxitos como "Da Ya Think I'm Sexy". (Según se dice, Stewart llamaba a Appice “El dentista” porque usaba “demasiados rellenos”). Más recientemente, se ha mantenido ocupado tocando en shows de “Drum Wars” con su hermano menor, otro percusionista de hard rock de élite, Vinny (Dio, Black Sabbath). Según Appice, algunas de sus mayores innovaciones surgieron de las limitaciones que encontró al tocar rock en vivo en sus años de formación: "Todo lo que todos hicimos, lo que se me atribuye haber iniciado, lo hice por necesidad", dijo Appice a Drum Magazine en 2011. "Fui pionero en usar tambores más grandes y toqué con empuñaduras de baqueta desde el principio. “Hice estas cosas porque no había sistemas de megafonía”.
27. Dave Grohl
Dave Grohl - Batería - En vivo en el Paramount
La batería incansable y poderosa de Dave Grohl, forjada en la escena punk de Washington, D.C. en los años 80, fue la herramienta perfecta para transformar a Nirvana de Seattle de una banda de grunge indie a un ícono multiplatino. “Kurt me llamó y me dijo: 'Ahora tengo al mejor baterista del mundo'. "Toca más duro y con más fuerza que nadie que haya conocido", le dijo el productor de Nevermind , Butch Vig, al biógrafo de Grohl, Martin James. “Y yo dije: 'Sí, claro'”. Pero tenía toda la razón… No había micrófonos [en la batería] en esa sala y, sin embargo, acústicamente sonaba como si hubiera amplificadores”. Grohl perfeccionó su estilo único en los suburbios de D.C. tocando sobre almohadas con gruesas baquetas de banda de música: "Por eso golpeaba la batería tan fuerte", le dijo a Spin en 1997, "tocando sobre almohadas, subiendo y bajando con esos malditos golpes mientras escuchaba Violent Pacification de D.R.I., hice todo eso hasta que las ventanas de mi habitación se cubrieron de condensación por el sudor de la habitación. “Fue como un ejercicio físico”.
26. Danny Carey
Herramienta - Solo de batería de Danny Carey (lateral)
Recién salido de una desafortunada temporada a finales de los 80 con la innovadora banda Green Jellÿ (bajo el seudónimo de Danny Longlegs), Danny Carey se unió a la futura potencia del metal alternativo Tool en 1990. En los años transcurridos desde entonces, este nativo de Kansas de 1,96 m se ha establecido como el heredero natural de los gigantes del progresivo de los años 70 como Neil Peart y Bill Bruford, y uno de los bateristas de rock más admirados de su generación. El estilo de Carey combina una ambición cerebral –y un talento para los polirritmos y los ritmos inusuales– con una fuerza sin concesiones y una sensación fluida y sin esfuerzo. “No significa nada si sólo escuchas los tambores haciendo acrobacias”, dice. “No quiero que la gente diga: 'Esto está en llamas'”. Preferiría oírles decir: “Esto me recuerda a los moros cargando colina abajo, o a los escoceses cargando con sus cabezas en llamas, completamente desnudos en pleno invierno”.
25. Conde Palmer
Earl Palmer - Solo de batería de "Caravan"
Earl Palmer, uno de los bateristas más grabados de la historia, fue un artista que definió el papel del sideman. Palmer, de Nueva Orleans, un consumado lector, improvisador, músico de bolsillo y acompañante, tocó en canciones que definieron la región, como “Good Golly, Miss Molly” de Little Richard, “I'm Walkin'” de Fats Domino y “Tipitina” de Professor Longhair. Después de mudarse a California, rápidamente se convirtió en uno de los músicos de sesión más solicitados. Como dijo Carol Kaye, miembro de Wrecking Crew: “Earl superaba a todos... era el mejor baterista que jamás había escuchado”. El gran volumen de sus grabaciones significa que sus ritmos ayudaron a definir el beat estadounidense: “La Bamba” de Richie Valens, “Summertime Blues” de Eddie Cochran, “You've Lost That Lovin' Feeling” de Righteous Brothers y “You Send Me” de Sam Cooke son solo la punta de un iceberg que incluso incluye melodías populares como el tema de Los Picapiedra. “Cuando el pulso del rock & roll te atrapa y no te suelta, se convierte en Big Beat”, dijo Max Weinberg. “Fue entonces cuando Earl Palmer se apoderó de 'Lucille' de Little Richard como si estuviera blandiendo un bate de béisbol y pateando un bombo de 30 pies”.
24. Steve Gadd
Steve Gadd Band: "El camino de regreso a casa"
El baterista de jazz inglés Pete Fairclough dijo que Steve Gadd “no toca groove, cava una trinchera”. Dice que en el apogeo de su carrera en la escena de sesión de Nueva York de los años 70, tocaba tres sesiones al día, dándole a una década de rock un tono funk profundo y suave. Sus obras más conocidas son la compleja síncopa de “50 Ways to Leave Your Lover” de Paul Simon y los ruidosos hi-hats con rellenos monstruosos de “Aja” de Steely Dan, pero Gadd infundió un ritmo animado a cientos de grabaciones, incluido el fenómeno disco número uno de Van MacCoy, “The Hustle”. “Todos los bateristas quieren tocar como Gadd porque toca perfecto”, dijo Chick Corea. “Aportó a la batería una forma de pensar orquestal y compositiva, al tiempo que poseía una gran imaginación y un gran talento para el swing”.
Elvis Jones
Solo de batería de Elvin Jones
Nacido en 1927 en una familia de músicos en Pontiac, Michigan, Elvin Jones fue uno de los pocos artistas que cambiaron la definición de cómo debe trabajar un baterista durante su vertiginosa colaboración de cinco años con el John Coltrane Quartet. Impecable en el ritmo y de tremenda delicadeza, Jones es mejor recordado por llevar a Coltrane a la estratosfera con su poder elemental, dispersando y distribuyendo el ritmo entre sus cuatro extremidades. “No hay nada nuevo en llevar el ritmo, es solo que algunas personas lo hacen mejor que otras”, dijo Jones a Down Beat en 1977. “Algunas personas son más sensibles a los ritmos y, cuanto más sensible seas, más sutil serás”. Los primeros bateristas de hard rock a los que influyó –Ginger Baker, Mitch Mitchell, John Bonham– seguramente estarían de acuerdo.
22. Yelmo de Levon
La vida es un carnaval - Instrucciones de percusión de Levon Helm
En su libro de 1984, The Big Beat, Max Weinberg rindió un homenaje apropiado a Levon Helm, el legendario baterista cantante de la banda: “El suave ritmo de 'The Night They Drove Old Dixie Down', los tamms tambaleantes de 'Up on Cripple Creek' y el ritmo cansado pero decidido de 'The Weight' muestran que Levon pertenecía a la rara especie de baterista que podía marcar no solo el ritmo sino también la escena en la historia de una canción”. Nacido en la pequeña Marvell, Arkansas, Helm pasó los últimos años de la década de 1950 y principios de la de 1960 tocando en lugares de toda América del Norte como miembro de la banda de acompañamiento de Ronnie Hawkins. En 1965, Helm y los otros Hawks estaban tocando para Bob Dylan en su primera gira eléctrica; En 1968, cambiaron su nombre a Band y comenzaron a grabar canciones originales que giraban en torno al ritmo inimitable y el tono feroz de Helm. A pesar de la amargura por la decisión de Robbie Robertson de disolver el grupo después de la actuación de 1976 en San Francisco, “Last Waltz”, la película que Martin Scorsese hizo de la excelente actuación final es un monumento al carisma y la autoridad musical de Helm. En los últimos años del baterista, cuando su salud se deterioraba junto con sus finanzas, realizó conciertos en un granero de su propiedad en Woodstock. Noche tras noche, incluso cuando los tratamientos para el cáncer de garganta habían convertido su voz en un suave ronquido, tocaba con alegría canciones antiguas y nuevas, manteniendo vivo el espíritu de la banda en los llamados Midnight Rambles. “Fue un amigo fraternal hasta el final”, dijo Dylan sobre Helm después de su muerte, “uno de los últimos espíritus verdaderamente grandes de mi generación y de todas las demás”.
21. Ian Paice
Deep Purple - La Mula | Ian Paice - Solo de batería en vivo en Dinamarca 1972
Sin el único miembro constante de Deep Purple, Ian Paice, no tendríamos batería de heavy metal. Paice, una leyenda del rock épico que “nunca ha tocado con tapones para los oídos”, es un profesional de la vieja escuela que toca rápido, feroz y con todo. Fanático de Frank Sinatra, Ringo Starr y el baterista de Count Basie, Sonny Payne, Paice infundió éxitos como “Hush” y “Smoke on the Water” con un swing estudiado y contagioso. El guitarrista de Deep Purple, Steve Morse, le dijo a Drum!: “Su swing es perfecto. Y su dinámica es genial. El baterista de mi trío, Van Romaine, lo llama el "Steve Gadd del rock". …Es como una locomotora gigante que avanza a toda velocidad por las vías con todo sincronizado”.
20. Bernard Purdie
Aunque Bernard “Pretty” Purdie era conocido por el apodo de “Mississippi Bigfoot”, el prolífico músico de sesión creció en Maryland antes de mudarse a Nueva York a principios de la década de 1960, donde comenzó en sesiones con artistas de jazz como Nina Simone y Gabor Szabo. Conocido por sus “notas fantasma” en el hi-hat, Purdue pronto se convirtió en uno de los bateristas más solicitados en toda la industria musical, trabajando durante muchos años como director musical de Aretha Franklin cuando no estaba ocupado grabando con Steely Dan o Mongo Santamaria o Bob Marley. La pregunta no es con quién jugó Pretty Purdie; pero con quien no ha jugado. “Bernard siempre hacía algo estilísticamente único que nunca esperarías de nadie más”, recordó Walter Becker de Steely Dan.
19. Tony Williams
Clínica de batería de Tony Williams 1985, parte 1/3
El debut en 1963 de Tony Williams, con diecisiete años, junto a Miles Davis sigue siendo una de las entradas más impactantes de la música del siglo XX. “Chico, sólo escuchar a ese pequeño hijo de puta me hizo volver a emocionarme”, escribió el trompetista en su autobiografía, Miles. “Supe de inmediato y sin lugar a dudas que iba a ser uno de los mayores hijos de puta que jamás haya tocado una batería”. Cuando se unió a Miles, ya había hecho contribuciones importantes a la vanguardia del jazz junto con el saxofonista Jackie McLean y otros. Pero fue su papel en el llamado Segundo Gran Quinteto de Davis lo que lo convirtió en una leyenda. A Davis le encantaba trabajar con músicos de sesión que no se lo tomaban con calma, y Williams, con sus vertiginosas secuencias de platillos ride, acentos explosivos y distorsiones de tiempo radicales, estaba más que feliz de complacerlo. Es apropiado que cuando dejó Miles en 1969, le ganó al trompetista el ritmo del jazz-rock, formando el genial Lifetime con el futuro guitarrista de Mahavishnu Orchestra, John McLaughlin, y el organista Larry Young. En la década anterior a su prematura muerte en 1997, Williams regresó al jazz acústico, tocando, como siempre, con brutal intensidad. Su inspiración cruza géneros. “Para mí no sólo fue un maestro técnico, el innovador de su época, sino también un innovador del sonido”, dice Cindy Blackman sobre Williams. “Tenía tantas cosas que elevaban el nivel del sonido y la habilidad necesaria para tocar este tipo de música”.
18. Joseph “Zigaboo” Modelista
Modelos Zigaboo con sus amigas Cissy Strut en vivo en el Rockefeller
El periodista de Rolling Stone, Joe McEwen, describió una vez la batería de Zigaboo Modeliste como “lanzar la técnica al viento… produciendo ritmos despreocupados… en un feroz movimiento de brazos”. Ese estilo pugilístico, una característica poderosa del trabajo de Modeliste con los Meters a principios de los años 70, consolidó su estatus como uno de los bateristas de funk más líricos de todos los tiempos. El estilo de Modeliste estaba impregnado de la forma tradicional de tocar de segunda línea de Nueva Orleans, donde nació y donde generaciones de bateristas habían diseñado un flujo sincopado lineal, casi melódico. En cortes de Meters como “Cissy Strut” y “Just Kissed My Baby”, el trabajo de baqueta de Modeliste prácticamente hace que la percusión cante. Después de dejar los Meters a mediados de la década de 1970, continuó demostrando su talento para aportar un enfoque personal al mundo más amplio de la música al trabajar con luminarias del rock como Keith Richards y Ron Wood.
17. Terry Bozzio
Actuación solista de batería de Terry Bozzio: los cambios de Pat
“No me interesa en absoluto montar un espectáculo”, dijo Terry Bozzio a Rolling Stone en medio de una gira en solitario con lo que llamó “el set de percusión más grande del mundo”. La declaración puede parecer contradictoria viniendo de Bozzio, quien se hizo famoso trabajando con Frank Zappa a fines de los años 70, en un momento dominando la pieza endiabladamente difícil y con mucha percusión del compositor “The Black Page”, pero el veterano baterista siempre ha sido mucho más que un virtuoso técnicamente conocedor. Después de colaborar con Zappa, Bozzio se convirtió en parte integral del supergrupo de post-prog UK y luego, con su entonces esposa, en cocreador de la influyente banda de new wave de los 80 Missing Persons, en la que adaptó sus emocionantes habilidades a una estructura pop ligera. Aunque en los últimos años ha aparecido sobre todo en clínicas y actuaciones en solitario o con varios supergrupos selectos, sus colaboraciones con bandas que van desde Korn hasta Fantômas de Mike Patton, cantante de Faith No More, son prueba de una gama sorprendente.
16. Bill Bruford
Solo de batería de Bill Bruford.
Bill Bruford, un percusionista con la destreza técnica de un músico clásico, la sutileza y la espontaneidad de un improvisador de jazz y el empuje emocional de un baterista de rock, era un artista completo cuando llamó la atención del público por primera vez con los primeros cinco álbumes de Yes. En 1972, cuando la banda estaba al borde del estrellato mundial, Bruford se fue a King Crimson, demostrando durante los dos años siguientes cómo un baterista de rock podía encontrar nuevos enfoques para los temas básicos de una lista de canciones noche tras noche, al mismo tiempo que creaba música nueva de la nada. A lo largo de dos períodos más con King Crimson –“mi hogar espiritual, aunque sea un lecho de clavos, durante un cuarto de siglo”, escribió en su autobiografía de 2009– Bruford se reinventó como un sabio del funk polimétrico (1981-1984) y como el elemento caótico en una formación de dos tambores (1994-1996), dándole amplio espacio a su amado proyecto postbop, Earthworks. Tras retirarse de la actuación en 2009, completó su doctorado en febrero; ahora podemos llamarlo Doctor Bruford.
15. Amigo rico
BUDDY RICH SOLO DE BATERÍA IMPOSIBLE *HQ*
Rich, una estrella de vodevil autodidacta desde niño, con su técnica inigualable y su velocidad invicta pronto superó al actual campeón de batería de jazz Gene Krupa, quien lo llamó "el mejor baterista que jamás haya respirado", y hizo carrera tocando con Tommy Dorsey, donde conoció a su rival, amigo y benefactor Frank Sinatra, quien pronunció su panegírico 40 años después. Pero la influencia de Rich llegó mucho más allá de la era de las big bands o incluso del jazz mismo: fue el primer baterista estadounidense que muchos de los primeros rockeros británicos escucharon, enseñando a fans como John Bonham y Bill Ward a ir más allá de un simple backbeat y lanzarse a poderosas secuencias de improvisación, animando a Phil Collins a abandonar la configuración del doble bombo para concentrarse en el hi-hat y simplemente asombrando a Roger Taylor. “Diría que desde un punto de vista puramente técnico es el mejor que he visto jamás”, recordó el baterista de Queen. “Recuerdo que hizo una especie de presión que duró unos cinco minutos. Comenzó como un susurro, apenas se podía escuchar, luego creció y llenó toda la sala que tenía capacidad para unas 3.500 personas y fue como un trueno”.
14. Ringo Starr
Ringo Starr en el Ryman - 10. Niños
“Recuerdo el momento, estaba allí parado y miré a John y luego a George, y nuestras miradas eran como, 'Maldita sea. “¿Qué es esto?”, dijo Paul McCartney, recordando la primera vez que los Beatles tocaron con Ringo Starr. “Y ese fue el momento, ese fue realmente el comienzo de los Beatles”. Aunque a menudo se lo pasa por alto en los llamativos finales de los años 60 que produjeron a Keith Moon y Mitch Mitchell, Ringo no solo respaldó a la mejor banda de todos los tiempos, sino que ayudó a dar forma y centrar su música: escuche los redobles extáticos que abren "She Loves You", la exuberancia limpia de "Ticket to Ride", el elusivo trabajo de platillos y la lánguida brevedad de "Rain", o cómo insertó ganchos rítmicos tan encantadores como memorables en tantas otras canciones queridas de los Beatles. A nivel personal, su cordialidad amistosa lo convirtió en el miembro más accesible. “John tuvo sus altibajos”, dijo Yoko Ono, “pero Ringo siempre fue muy dulce. “Y él realmente creía en la paz y el amor”. Starr, un baterista zurdo que utiliza un kit para diestros, inventó su propio estilo de crear “fills especiales” nítidos y exuberantes, mientras que su sólida confiabilidad se convirtió en un estándar de referencia temprano para los músicos de rock serios, dándole a cada canción sensación, swing y una solidez inquebrantable. “Ringo era el rey de la atmósfera”, dijo Dave Grohl. Jim Keltner dice: “Él era el tipo al que todos intentábamos parecernos en el estudio”.
13. DJ Fontana
"Hound Dog" de Elvis Presley: lección de batería preliminar
En cientos de las primeras grabaciones de Elvis Presley, Dominic Joseph “DJ” Fontana fue la vanguardia de la batería del rock & roll, aportando ritmo a la música hillbilly en una época en la que las bandas de country y bluegrass evitaban por completo la percusión. Fue el primero en probar una sucesión de riffs frecuentemente imitados, desde los animados golpes de caja de “Blue Suede Shoes” hasta las aullantes cuerdas de ritmos que hicieron aullar a “Hound Dog”. “Tenía una técnica increíble y manos rápidas, por lo que podía hacer esos press rolls al estilo Buddy Rich cuando quería. “Tocaba como el baterista de una banda de jazz, sin restricciones”, dijo una vez Levon Helm. “Así que Elvis tenía una base real, un mínimo de estructura, y la explotó al máximo. DJ le había dado alas a Elvis”.
12. Charlie Watts
Charlie Watts / Jack Flash saltando
Keith Richards dijo una vez que cuando se formaron los Rolling Stones, “no podían permitirse” tener al baterista Charlie Watts, quien había sido el baterista de rocksteady del grupo más establecido Blues Incorporated de Alexis Korner. Más tarde, los Stones lo conquistaron y les pidieron que se unieran a la banda. “Ustedes son increíbles, hombre”, le dijo a Richards, “pero necesitan un baterista con agallas”. Aparte de la aparición ocasional en un proyecto de jazz paralelo, Watts complementó perfectamente a Jagger, Richards y el resto del grupo con sus ritmos vibrantes ("Brown Sugar"), sus ritmos inquietos de cuatro por cuatro ("Satisfaction") y su impresionismo velado ("Sympathy for the Devil"), del que rara vez hizo gala durante más de 50 años. “Cuando Charlie se unió a nosotros, realmente nos completó”, dijo Richards. “Charlie puede ser increíblemente rápido y aún así ser increíble. “Ese es su estilo”, le dijo Jim Keltner a Drum! “No puede explicarlo y a mí no me gusta entrar en detalles con él, simplemente estoy sorprendida”.
11. Benny Benjamin
Durante años, Berry Gordy se negó a grabar a menos que el dinámico Benny Benjamin estuviera en el estudio. “Tenía un talento especial que le permitía tocar diferentes ritmos al mismo tiempo”, dijo el fundador de Motown sobre su principal baterista de sesión. “Tenía un ritmo, una firmeza, que marcaba el compás mejor que un metrónomo”. Benjamin trabajó en innumerables éxitos de Motown, desde “Money (That’s What I Want)” de Barrett Strong hasta “My Girl” de Temptations, junto a otros músicos de sesión a quienes apodó Funk Brothers y que lo llamaban “Papa Zita”. Aunque a menudo se mantenía alejado del estudio por sus adicciones antes de morir de un ataque cardíaco en 1969, Benjamin fue sin embargo mentor de un joven Stevie Wonder, quien le atribuye al músico mayor su propio estilo de batería. “Solo escucharlo me enseñó mucho”, dijo Wonder en 1973. “Hombre, él era una de las grandes potencias detrás del sonido Motown. Benny fácilmente podría haber sido el mejor”.
10. Stewart Copeland
La policía - Reggatta De Blanc (Prueba de Old Grey Whistle '79)
Puede que las melodías de Sting se hayan hecho populares, pero el sonido de Police se debe a la forma de utilizar el espacio de Stewart Copeland, su sutileza y su agresividad. Sin duda, es el baterista influyente menos proclive a utilizar la caja (que sin embargo sigue siendo inusualmente brillante y cortante) y sus partes características a menudo implican intrincadas secuencias de hi-hat (como en “Red Rain” de Peter Gabriel). Su padre, Miles, era un diplomático que llevó a la familia a vivir a diversas partes de Oriente Medio, y esa peculiar infancia impregnó a The Police de acentos rítmicos lejos de su tierra natal, Inglaterra. A pesar del persistente antagonismo, Sting admitió que “el primer disco [de la banda] fue en todo sentido un tributo a la energía y concentración de Stewart”. “Pasé todos estos años tratando de conseguir un redoblante Stewart Copeland o un hi-hat Stewart Copeland”, dijo Les Claypool de Primus, quien comenzó a tocar con él en 2000, “y él se sienta detrás de esta [batería] con estos parches decrépitos que simplemente estaban ahí… Y de repente apareció este sonido de redoblante Stewart Copeland. Me hizo darme cuenta de que todo está en la forma en que ataca la batería, en la forma en que toca”.
9. Al Jackson Jr.
Al Jackson Jr., el baterista de sesión del legendario sello de soul Stax, fue conocido como "el cronómetro humano" hasta su muerte en 1975 a los 40 años. Durante ese período, los ritmos marcadamente swingeros pero a la vez asertivos de Jackson dieron lugar a canciones legendarias de Wilson Pickett, Otis Redding y Al Green (con quien Jackson escribió el éxito "Let's Stay Together"); Y a medida que su reputación crecía, superestrellas de fuera del mundo del R&B como Eric Clapton comenzaron a demandar el genio de la percusión de Jackson. Como cofundador y miembro clave de Booker T. & the MGs, Jackson ayudó a allanar el camino para el ritmo tanto en el funk como en el hip-hop. “Lo considero a la altura de Ray Charles o Billy Preston, en una clase aparte”, dijo Sam Moore de Sam & Dave, quien tocó en piezas como “Soul Man” y “Hold On, I’m Coming”. “Te lo digo sin rodeos: podía hacer que la mierda oliera bien”.
8. Mitch Mitchell
Mitch Mitchell - Solo de batería Estocolmo 1969
“Tocó la batería como si fuera una canción, fue simplemente maravilloso”, dijo Roger Taylor de Queen, elogiando la “fusión de técnicas de jazz y riffs fantásticos, pero con este feroz ataque de caja en todo el kit… Una integración completa en la canción. “No sólo llevar el ritmo”, de Mitch Mitchell. Y Stewart Copeland de The Police admitió: “Todo lo que hice y de lo que estaba muy orgulloso, pensé que lo había inventado yo mismo. Pero no, lo obtuve de Mitch”. Sin embargo, en 1966, cuando llegó el momento de elegir un baterista para la Jimi Hendrix Experience, la decisión quedó literalmente en manos del azar: se lanzó una moneda para decidir entre Mitch Mitchell y Aynsley Dunbar. Mitchell salió victorioso, y el enérgico discípulo de Elvin Jones aportó una improvisación distintiva al power trío de Hendrix, construyendo un ritmo inconfundible, ajustado y poderoso que luego se desvanece en una contraparte fluida pero estructurada de la guitarra de Jimi.
7. Gene Krupa
Batalla de tambores entre Buddy Rich y Gene Krupa - 1966 - en el Sammy Davis Jr. Show -
“Fue el primer baterista de rock en muchos sentidos”, dijo Neil Peart a NPR sobre Gene Krupa en 2015. “Fue el primer baterista en dominar el escenario y el primer baterista en ser celebrado por sus solos… Hacía cosas que eran básicamente fáciles, pero siempre las hacía sonar espectaculares”. El ataque desenfrenado de Krupa, su bombo de cuatro golpes por segundo y su trabajo de cencerro frenéticamente funky (influenciado por los bateristas de Nueva Orleans Baby Dodds y Zutty Singleton) llevaron a la innovadora orquesta de jazz de Benny Goodman a nuevas alturas en la década de 1930 e inspiraron a una generación de futuros gigantes del rock, incluidos Keith Moon y John Bonham. Junto con Buddy Rich, su adversario en las épicas batallas de tambores que inspiraron los vídeos de “Gospel Chops” de hoy, Krupa es el padrino del arte de la batería como deporte y espectáculo. La tradición viva de interpretaciones de percusión alucinantes, desde “Moby Dick” de Bonham hasta “The Rhythm Method” de Peart, sería impensable sin él.
6. Clyde Stubblefield y John “Jabo” Starks
En el apogeo de la evolución rítmica de su banda, la sección de percusión de Brown estaba en manos no de uno sino de dos maestros bateristas: el tristemente subestimado John “Jabo” Starks y el mismísimo Mr. Funky Drummer, Clyde Stubblefield. Starks comenzó su carrera acompañando a músicos de jazz y blues, Stubblefield venía del R&B y, coincidentemente, ambos se unieron a la banda de Brown con pocas semanas de diferencia. Cada uno aportó un estilo original que complementó el del otro. Ahmir “Questlove” Thompson dijo una vez a la revista Rolling Stone que “Starks era para Clyde lo que los Beatles eran para los Stones. Un baterista preciso que acompañaba el free jazz de la mano izquierda de Clyde”. Juntos, su asociación ayudó a dar forma a algunas de las mejores canciones de Brown, incluidas “Cold Sweat”, “Superbad” y, por supuesto, “Funky Drummer”. Sus innovaciones se sintieron nuevamente y determinaron por completo la atmósfera de la época dorada del hip-hop.
5. Hal Blaine
Hal Blaine interpretando un papel en la reserva india
“Si Hal Blaine hubiera tocado la batería en ‘Be My Baby’ de las Ronettes, su nombre aún se pronunciaría con reverencia”, dijo una vez Max Weinberg. Pero el baterista, nacido como Harold Simon Belsky, hizo mucho más: grabó con Sinatra, los Beach Boys, Elvis y las Supremes, por nombrar algunos. Líder de Wrecking Crew, el grupo de sesión de Los Ángeles que dominó el mundo de los estudios de grabación en los años 60 y 70, Blaine es el baterista más grabado de la historia. (Perdió la cuenta en 35.000, pero eso incluyó 150 éxitos Top 10 y 40 No. 1). Como percusionista detrás de "Wall of Sound" de Phil Spector, Blaine creó algunos de los ritmos más familiares del pop, pero el aspecto más memorable de Blaine es su capacidad camaleónica para adaptarse a cualquier sesión, y no solo detrás de un kit tradicional. Para “Caroline, No” de los Beach Boys, golpeó botellas de agua mineral, y para “Bridge Over Troubled Water” de Simon & Garfunkel, arrastró cadenas de neumáticos por un piso de concreto. “No soy un baterista llamativo”, reflexionó. “Quería ser una gran acompañante”. Misión cumplida.
4. Neil Peart
Solo de batería de Neil Peart - Rush en directo en Frankfurt
Cuando Neil Peart audicionó para Rush en 1974, sus compañeros de banda sintieron que tenía el potencial para capitalizar su fuerte admiración por The Who. “Quedamos absolutamente impresionados con la forma de tocar de Neil”, recordó el guitarrista Alex en una entrevista a principios de este año. “Era muy al estilo Keith Moon, muy enérgico y golpeaba la batería muy fuerte”. Irónicamente, la mayor contribución de Peart a la batería del rock terminó siendo exactamente lo opuesto a la de Moon: la batería más precisa y meticulosamente planificada que el género haya visto jamás. A medida que las ambiciones de alto progresivo de Rush maduraron en la segunda mitad de los años 70, Peart se reveló como un artesano meticuloso y un artista de ambición incontrolable, rasgos que también surgieron en sus letras fantásticas, utilizando implementaciones esotéricas como glockenspiel, temple blocks y timbales para enriquecer partes de canciones como "Xanadu" y "The Trees". Así como la música de la banda definió los años 80, a través de obras maestras de transición como Moving Pictures y adoptando un sonido más pop, la música de Peart hizo lo mismo; Comenzó incorporando sutilmente percusión electrónica, recurriendo a innovadores populares como Stewart Copeland en busca de inspiración. Los trabajos más recientes de Rush, como Clockwork Angels de 2012, presentan algunas de las mejores interpretaciones de Peart jamás grabadas: una sorprendente armonía de ingenio y poder. Mientras tanto, a pesar de haber dejado de hacer giras recientemente, Peart sigue siendo quizás el baterista en vivo más reverenciado –y más inspirador en la batería aérea– de todo el rock, conocido como el arquitecto de solos asombrosos e intrincados.
3. Panadero de jengibre
Panadero de jengibre; Solo de tambor de sapo
Dotado de un inmenso talento y maldecido con un temperamento no menor, Ginger Baker combinó una educación de jazz con un poderoso estilo polirrítmico en el primer y más grande power trío del mundo. En constante contraste con sus compañeros de Cream, Jack Bruce y Eric Clapton, el baterista nacido en Londres trajo el espectáculo al mundo del rock con su uso extravagante del bombo y sus largos solos. Tras la disolución de Blind Faith, una organización de corta duración, Baker se mudó a Nigeria durante muchos años en la década de 1970. “Él entiende el ritmo africano mejor que cualquier otro occidental”, dijo uno de los creadores del afrobeat, Tony Allen. En los años transcurridos desde entonces, Baker ha incursionado en una deslumbrante variedad de proyectos, mostrando su inconfundible destreza, desde los intrincados ritmos de la subestimada aventura de Baker Gurvitz Army a mediados de los años 70, hasta colaboraciones de jazz con brillantes solistas como Bill Frisell y otras intrigantes con Public Image Ltd y Masters of Reality.
2. Keith Moon
Keith Moon - Who Are You (pista de batería aislada)
El “mayor baterista de la escuela de Keith Moon”, como él mismo se describía, detestaba la batería repetitiva del rock, así como detestaba la monotonía en la vida en general. Moon, la inspiración para el personaje de los Muppets, Animal, destruyó baterías y habitaciones de hotel con una ferocidad que lo convirtió más en un showman que en un simple percusionista de rock”. Es famoso por negarse a tocar solos y, en su lugar, trató la batería como el instrumento principal de The Who. “Sus pausas eran melódicas”, dijo el bajista John Entwistle a Rolling Stone, “porque intentaba tocar con todos en la banda al mismo tiempo”. Moon the Loon metió redobles de batería donde no debían haber ido, y sólo las pistas de sintetizador utilizadas en Next de The Who estabilizaron su fluctuante sentido del tiempo. “Keith Moon es realmente un músico de orquesta, como un timbalero o un platillo en una orquesta”, dijo Stephen Perkins de Jane’s Addiction. “Te hace darte cuenta de que es una parte importante, incluso si no está al final de los cuatro compases. “Me encanta ese drama, esa teatralidad y me encanta la emoción”. Sin embargo, el truco favorito de Moon era arrojar poderosos explosivos en los baños de los hoteles, una broma que continuó haciendo hasta 1978, cuando murió de una sobredosis de drogas a los 31 años.
Cualquiera habría apostado a que Bonzo usaba dos bombos, pero sólo tenía uno.
1. John Bonham
John "Bonzo" Bonham - Solo de batería - 1977
En el primer corte del primer LP de Led Zeppelin, John Bonham cambió la batería del rock para siempre. Años después, Jimmy Page todavía se divertía con el sorprendente impacto que Good Times Bad Times , con su asombroso hipo en el bombo, tuvo en los oyentes: “Todos habrían apostado a que Bonzo usaba dos bombos, pero solo tenía uno”. Potente, vivaz, talentosa y reflexiva, esa interpretación allanó el camino para que la percusión refinada de Bonham conquistara antes de su prematura muerte en 1980. En su etapa más brutalmente paleolítica, nunca golpeó sin inspiración, en su etapa más desconcertante rítmicamente nunca se rebajó a adornos innecesarios, y cada noche de gira evitó estos errores en el glorioso torrente de Moby Dick. “Pasé años en mi habitación –años, en realidad– escuchando la batería de Bonham y tratando de imitar su swing o su magnífico empuje detrás del ritmo o su velocidad o su fuerza”, confesó una vez Dave Grohl a la revista Rolling Stone, “no solo memorizando su trabajo en esos álbumes sino tratando de llegar a un punto en el que tuviera la misma inclinación instintiva que él”. Casi todos los bateristas de rock posteriores a Bonham han intentado hacer lo mismo, por supuesto, en un viaje que ha permitido a los más grandes encontrar eventualmente su propio estilo.
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