49. Vinnie Colaiuta
Vinnie Colaiuta Increíble solo de batería
“Antes de verlo, podía entenderlo todo”, dijo el baterista de Devo, Josh Freese, a Drum! “Fue el primero que, incluso mirándolo de cerca, no tenía idea de lo que estaba haciendo”. Según el siempre exigente Frank Zappa, Vinnie Colaiuta obtuvo el primer lugar en la creación de polirritmos para acompañar sus solos de guitarra improvisados; basta con escuchar los intrincados intercambios entre guitarra y batería en Shut Up 'n Play Yer Guitar como prueba. Pero Colaiuta también es un maestro de la fineza y la discreción, buscado por todos, desde Herbie Hancock hasta Joni Mitchell y Sting. “No estás ahí para presumir ni para ser el centro de atención”, dice sobre su profesión. “Estás ahí para acompañar [a los demás] y ser parte [del todo]”.
48. John “Drumbo” French
Capitán Beefheart y su banda mágica - Televisión alemana 1972
John “Drumbo” French se unió a la Magic Band de Captain Beefheart en 1966, trayendo consigo un estilo polirrítmico y cargado de toms que se volvería tan integral al grupo como el blues áspero y modernista de Don Van Vliet. French fue el director musical de la obra maestra de vanguardia de Magic Band, Trout Mask Replica , pero la abandonó con amargura. “Nunca antes tanta gente trabajó tan duro por tan poco”, dijo French sobre las sesiones que produjeron el álbum, y agregó: “Nunca recibí un centavo”. Durante la grabación de Replica , una visita grupal a una actuación de Dalí cambió su enfoque de la batería e inspiró la inclinación de French por la superposición rítmica. El estilo de Drumbo se perfeccionó aún más en Lick My Decals Off, Baby de 1970 , su siguiente álbum, y quizás el mejor ejemplo registrado de su estilo estridente, caótico pero ferozmente controlado. Más tarde, French se encontró liderando su propia Magic Band, proyectando el estilo de canto del Capitán en una extraña especie de represalia por su tumultuoso primer compromiso.
47. Dave Lombardo
Slayer - Angel Of Death (En vivo en el Centro Cívico de Augusta, Maine, 2004)
Dave Lombardo, un cubano con una velocidad endiablada, se ganó el apodo de "ADDave" de sus compañeros de Slayer después de mantener sin esfuerzo el ritmo en temas vertiginosos como Angel of Death , que alcanza los 210 bpm y presenta uno de los descansos de batería más asombrosos del metal, y "War Ensemble", todo mientras insinúa un jazz latino con swing. Las tensiones dentro de la banda lo llevaron a salir y volver un par de veces (actualmente toca con Dead Cross), pero estas fluctuaciones le permitieron codearse con los vanguardistas del art-metal Fantômas, el famoso compositor/provocador John Zorn, el líder de trip-hop DJ Spooky y el artista visual Matthew Barney. "Es un adicto a la cafeína", dijo una vez Kerry King, ex colega de Lombardo en Slayer. Siempre está nervioso. No puede quedarse quieto.
46. Dave Garibaldi
David Garibaldi (Solo completo)
Con Tower of Power, el elegante filtrado de David Garibaldi ayudó a ampliar la audiencia de los experimentos rítmicos de James Brown a fines de los años 70, y su ingenio rítmico fue un elemento clave en la creación del éxito What is Hip? del conjunto soul-funk del Área de la Bahía “Fue su idea que Rocko [Prestia] tocara esas semicorcheas en el bajo”, dijo el líder de Tower of Power, Emilio Castillo. “Eso es lo que le dio impulso a la canción”. La confirmación de que las partes de batería de Garibaldi eran tan pegadizas como los instrumentos de jazz y las voces R&B característicos de Tower of Power llegó cuando el hip-hop empezó a ampliar sus ritmos en los años 80 (Garibaldi aparece repetidamente en "Paul's Boutique" de los Beastie Boys, para empezar). Garibaldi también fue una influencia formativa en el baterista de los Red Hot Chili Peppers, Chad Smith, quien dijo: "su batería... me llevó a otros niveles". El “baterista funk” Clyde Stubblefield una vez llamó a Garibaldi “mi favorito” y exclamó: “¡Tenía funk!”.
45. Billy Cobham
BILLY COBHAM STRATUS II
A principios de la década de 1970, Billy Cobham estableció un nuevo estándar para la batería de fusión, combinando la increíble agilidad del jazz con la potencia aplastante del rock. El baterista nacido en Panamá apareció en el innovador Bitches Brew de Miles Davis y, más notablemente, en A Tribute to Jack Johnson , donde su interacción con el guitarrista John McLaughlin sentó las bases de lo que ambos construirían juntos en la Mahavishnu Orchestra. La influencia de Cobham llegó mucho más allá del jazz: contemporáneos del progresivo como Bill Bruford de King Crimson siguieron sus hazañas de cerca, bateristas más jóvenes como Danny Carey de Tool aprendieron de él, e incluso Prince versionó el Stratus de Cobham en concierto. Quizás no haya mayor fan que Phil Collins, quien ha calificado a Inner Mounting Flame de Mahavishnu como una influencia clave en su estilo inicial. “En ese disco, Billy Cobham hizo una de las mejores percusiones que jamás haya escuchado”, dijo.
44. Jerry Allison
Buddy Holly - Peggy Sue en vivo
Jerry Allison fue el primer colaborador de Buddy Holly, uno de los hitos más perdurables que comenzó como un dúo de guitarra y percusión. El baterista de los Crickets no sólo ayudó a escribir That'll Be the Day , sino que convenció a su amigo de cambiar el título de Cindy Lou a Peggy Sue , el nombre de una mujer a la que Allison esperaba impresionar en ese momento. Sin embargo, la contribución más importante del baterista a esta pieza fue a nivel rítmico: el ritmo cha-cha original no funcionaba, pero entre ensayos, el productor Norman Petty escuchó a Allison tocando un rudimento de percusión clásica conocido como paradiddle y le dijo al baterista que tocara eso en su lugar. Buddy Holly and the Crickets fue la primera banda de rock and roll en usar el estudio de grabación “como una combinación de laboratorio y patio de recreo”, como lo expresó el fan Marshall Crenshaw, y Allison estaba abierto a probar cualquier cosa: en “Everyday” no hace nada más que aplaudir en su regazo. En homenaje a ese ingenioso golpe de genio, Ringo Starr tocó una maleta cuando los Beatles grabaron “Words of Love” de Holly.
43. Phil Collins
En el aire esta noche EN VIVO - Phil Collins
Antes de convertirse en uno de los cantantes pop más famosos de los años 80, Phil Collins fue uno de los bateristas más aventureros de los años 70, colaborando con figuras de vanguardia como Brian Eno, el colectivo de jazz fusión Brand X y, por supuesto, el virtuoso conjunto Genesis liderado por Peter Gabriel. Fue durante una sesión en solitario de Gabriel a finales de 1979 que Collins creó su característica técnica de “caja cerrada”, que pronto fue imitada en todo el universo pop y se convirtió en un elemento básico de innumerables canciones de los años 80. Lo usó nuevamente en In the Air Tonight , una canción que culmina con lo que quizás sea el relleno más famoso de la década. Después de ese éxito, Robert Plant, Eric Clapton y muchos otros lo quisieron en el estudio para tocar la percusión en sus álbumes. Después de la gira Genesis en 2007, sufrió graves daños en los nervios de las manos, lo que le hizo casi imposible incluso agarrar baquetas: un destino cruel para un músico de gran influencia e innovación. "Me encanta su forma de tocar la batería y no tengo miedo de admitirlo", dijo el baterista de Mastodon, Brann Dailor. Creo que es un fenómeno como baterista de Genesis, aunque también está infravalorado. Es un gran baterista y está absolutamente completo.
42. Bill Ward
Solo de batería de Bill Ward
Dado su papel como baterista en la banda que posiblemente inventó el heavy metal, es sorprendente pensar en lo ágil músico que siempre ha sido Bill Ward. Formado por grandes del jazz como Joe Morello y Gene Krupa, el cofundador de Black Sabbath aportó un sentido de elegante elasticidad al oscuro y pesado ritmo que caracterizó a la banda en sus inicios (“Black Sabbath”, “Iron Man”). En lugar de imitar los icónicos riffs del guitarrista Tony Iommi, bailó alrededor de ellos: observe el movimiento con tintes bebop que realiza a mitad de "Electric Funeral" o sus intermedios breaks de tom-tom en "Rat Salad". Y cuando quería –como en el ritmo abrumador de “Hand of Doom”– Ward tenía todo el funk de cualquier baterista de R&B. "Podrías encontrar innumerables muestras de Bill en los discos de hip-hop", observó el baterista de Rage Against the Machine, Brad Wilk, un fan de Ward que lo reemplazó a regañadientes para el álbum de regreso de la banda en 2013, 13. Los bateristas posteriores de Sabbath, como el más explosivo Vinny Appice y el más llamativo Cozy Powell, aportaron un profesionalismo de calibre de estadio a las actuaciones, pero nunca pudieron replicar del todo el baile genuino que Ward hacía detrás de la batería, una de las muchas razones por las que su pelea con los otros miembros originales de Sabbath lo convirtió en una gran decepción.
41. Carter Beauford
GoPro Music: Solo de batería de Carter Beauford de Dave Matthews Band
Carter Beauford, miembro fundador de la Dave Matthews Band, es un baterista de jazz con mucho ritmo y fan de Tony Williams con sensibilidad pop. Aunque su banda se centra en el groove, llena incluso los números más populares con riffs intrincados e increíblemente complejos; por ejemplo, le da a "Ants Marching" una secuencia de hi-hat inusual antes de acentuar orquestalmente los riffs vocales de Matthews, agrega un sofisticado trabajo de bombo a "So Much to Say", trata "Dancing Nancies" como una segunda línea directa a la casa de Stewart Copeland o usa dos cajas en "Two Step". Y, por supuesto, están los shows en vivo donde sus monstruosos solos de batería explotan en frenesíes de bombo y las canciones evolucionan noche tras noche. “Cada público es diferente, por lo que queremos intentar hablar directamente a ese público o dar un mensaje diferente cada vez que tocamos”, dijo Beauford a Guitar Center. “Si tocas lo mismo cada vez, todos lo notarán”.
40. Jack DeJohnette
Pianista desde los cuatro años, Jack DeJohnette no empezó a tocar la batería hasta los 18. Ese comienzo tardío no lo puso en desventaja: una etapa temprana en la institución de vanguardia de Chicago, la Asociación para el Avance de los Músicos Creativos, lo llevó a presentaciones en vivo con John Coltrane, un lugar en las listas de éxitos con el cuarteto de Charles Lloyd y luego a una colaboración con Miles Davis, cuando el trompetista se preparaba para el ícono de la fusión de los años 70, Bitches Brew. “Tocar con Miles fue genial, porque a Miles le encantaba la percusión”, explicó DeJohnette a Jazz.com en 2009. “Todo surgió de la percusión. Amaba el boxeo, era un gran aficionado al boxeo, y creía que la percusión en el jazz tenía características similares”. Como director de banda y compositor, DeJohnette combina todo lo que ha aprendido (el experimentalismo perfeccionado en la AACM, la integridad de Coltrane, el ritmo boxeador de Davis) con su talento innato para crear piezas memorables.
39. Ramón “Tiki” Fullwood
"Hombre, ese es el baterista de pie más rudo que he escuchado jamás", dijo Grady Thomas, vocalista del grupo de doo-wop de George Clinton, los Parliaments, refiriéndose a Ramon "Tiki" Fulwood. Cuenta la leyenda que, a la tierna edad de 17 años, Fulwood tuvo que colarse en los locales para tocar, y que más tarde Clinton tuvo que rogarle a su madre que lo llevara de gira. Su estilo poderoso, combinado con la guitarra salvaje de Eddie Hazel, marcó el final de los trajes en la banda, dando lugar a una mezcla psicodélica que cambiaría el mundo. Lo que se escucha en himnos animados como “Maggot Brain” son sus versiones características y poderosas: una interpretación disruptiva y extrovertida que luego se convertiría en una fuente de samples para los productores de hip-hop. “Tiki era el epítome del espectáculo, tenía poder”, dijo la madre de Hazel Grace. Quiero decir, eso sonó como si hubieran explotado un montón de bombas allí atrás.
38. Jim Keltner
Jim Keltner en Guitar Center
Jim Keltner es uno de los bateristas de estudio más reverenciados, habiendo sentado las bases para miles de grabaciones como Imagine de John Lennon, “Photograph” de Ringo Starr, gran parte de la producción en solitario de George Harrison, ambos LP de Traveling Wilburys, Full Moon Fever de Tom Petty, “Knockin' on Heaven's Door” de Bob Dylan y “Josie” de Steely Dan; Sin olvidar las colaboraciones con Harry Nilsson, Bee Gees, Pink Floyd, Randy Newman, Carly Simon, Joni Mitchell, The Pretenders, Fiona Apple y Oasis. Nació en Oklahoma, creció en Pasadena, California y comenzó a trabajar como músico de sesión en la década de 1960, iniciando una carrera que ha tocado prácticamente todas las iteraciones del pop y el rock. Keltner es conocido por sus acompañamientos sólidos, su atmósfera relajada, sus sutilezas jazzísticas y su versatilidad. "Él reacciona a todo lo que sucede en la industria musical", dijo Leon Russell, quien ha trabajado con Keltner a menudo a lo largo de los años. Una característica del estilo de Keltner es su comportamiento tranquilo. “A lo largo de los años, mucha gente me ha dicho: 'No suena como si estuvieras tocando cuando estás tocando'”, dijo una vez, y agregó: “Al igual que la guitarra, hay muchas formas diferentes de tocar la batería”.
37. Jeff Porcaro
El baterista de Toto, Jeff Porcaro, fue una presencia pop constante durante los años 70, 80 y 90. Su ágil trabajo con el palo le dio a “Beat It” de Michael Jackson gran parte de su impacto, ayudó a que “I Keep Forgettin'” de Michael McDonald sonara a fuego lento con nostalgia y creó el “Rosanna Shuffle” para el éxito homónimo de su banda. “Jeff siempre fue fundamental para convertir una canción en una pieza grabada”, declaró Steve, colega y hermano de Porcaro, a Rhytm en 2013. “Era como un rayo en el estudio. Nunca se aburría. … Se le ocurrían las mejores partes al instante, como si llevara años tocándolas”. Porcaro murió en 1992, poco después de la finalización del octavo álbum de Toto, Kingdom of Desire; También tocó en Human Touch de Bruce Springsteen, y se dice que rechazó una oferta de un millón de dólares para salir de gira con el Boss para poder tocar con su banda insignia.
36. Steve Smith
A pesar de haber pasado la mayor parte de los últimos 30 años vagando por el circuito de jazz fusión y encabezando clínicas de batería, de 1978 a 1985 las habilidades sobrehumanas de Steve Smith acompañaron a los rockeros increíblemente populares Journey en su mejor momento, con videojuego y todo. Su parte en el clásico inspirador “Don't Stop Believin'” es una intrincada secuencia de mano abierta en la que toca el hi-hat con su mano izquierda mientras su mano derecha se mueve por el resto del kit. Es tan sobresaliente como la voz ronca de Perry. “Recuerdo el último episodio de Los Soprano, cuando empezó a sonar ‘Don’t Stop Believin’ de Journey”, dijo el baterista Peter Erskine a Drum! Smith forma parte de un cambio importante en los medios estadounidenses... ¡Y aquí está Smith en un contexto diferente, tocando el hi-hat con Jo Jones! ¿Cuántos más podrían liderar una banda así y además tocar el hi-hat?
35. Fred Below
Antes de los Funk Brothers de Motown o los MG's de Stax, grupos más sueltos de músicos de sesión reunidos por sellos dieron forma al sonido R&B de mediados del siglo XX; entre ellos se encontraban artistas como Fred Below de los Aces, cuyo trabajo elegante, fuerte pero delicado para Chess Records de Chicago fue esencial para impulsar la música de Little Walter, Muddy Waters, Bo Diddley, Chuck Berry y Howlin' Wolf hacia nuevos territorios. Después de comenzar como baterista de jazz, tuvo que encontrar su camino en el blues. “Lo que hacía fascinante al blues era que era un género desconocido para mí, ¡y no lo enseñaban en la escuela!” Él recordó. “Así que tuve que interpretarlo de una manera que tuviera sentido para mí”. Al escuchar “I'm Ready” de Muddy Waters o “School Days” de Chuck Berry, el talentoso alcance y el toque de Below son nítidos; Sin florituras de ningún tipo, alimentó el motor de blues eléctrico del ajedrez.
34. Mickey Hart y Bill Kreutzmann
Mickey Hart se unió al miembro fundador de Grateful Dead, Bill Kreutzmann, en 1967, convirtiendo a los Dead en uno de los primeros conjuntos de rock con dos bateristas. Ninguna otra banda de rock ha llevado la simbiosis de la percusión tan lejos. “El lenguaje que comparto con Bill no tiene palabras”, dijo Hart. “Es un lenguaje corporal, guiños y movimientos… un lenguaje secreto que no podemos describir”. O como dijo Kreutzmann: “Mickey se siente más en un staccato en semicorcheas rectas, mientras que yo tiendo más hacia los puntos de valor”. Hart también utiliza RAMU, su “Universo Musical de Acceso Aleatorio” digital, y el infame “beam”, un “monocordio pitagórico” de ocho pies con 13 cuerdas. En 1979, los Dead habían reemplazado su pilar estelar "Dark Star" por lo que se denominó "Drums>Space", un dueto de batería que evolucionó hasta convertirse en un boleto de forma libre a regiones musicales previamente inexploradas, llevando la vanguardia a legiones de fanáticos de todo el mundo.
33.Tony Allen
"Es increíble", dijo Tony Allen citando al inventor del afrobeat Fela Kuti. “Por la forma en que tocas, ni siquiera necesitarías un percusionista”. Una máquina de ritmo radicalmente polirrítmica, este innovador nigeriano-ghanés añadió jazz y funk a géneros locales de África occidental como el highlife, el apala y el mambo nigeriano. Allen estaba tocando jazz en Lagos cuando conoció a Fela, quien lo contrató como baterista y director de banda, primero en Koola Lobitos y luego en Africa 70, desde 1965 hasta 1979, cuando Allen se fue debido a las “ideologías dictatoriales” de Fela y sus políticas equivocadas. Fela admitió que no habría Afrobeat sin Allen, cuya influencia ha llegado a Talking Heads, Gorillaz e innumerables artistas de afrofusión. Después de dejar Fela, Allen continuó lanzando sobre varias colaboraciones y síntesis solistas híbridas que él llama afrofunk. “Soy un tipo fuerte”, admite. “Me gusta tocar la batería de la misma manera que… me comporto en la vida”.
32. James Gadson
James Gadson: Batería Funk R&B
Aunque es originario de Kansas City, es difícil imaginar un baterista más importante en la historia de Los Ángeles que James Gadson. Inicialmente alcanzó la fama a fines de la década de 1960 como miembro clave de la 103rd St. Rhythm Band de Watts (famosa por “Express Yourself”) y luego con la banda de Bill Withers, mientras se mantenía ocupado como uno de los músicos de sesión más prolíficos de la ciudad. Su mano firme ha acompañado todo, desde “Dancing Machine” de los Jackson 5 hasta “Happy People” de los Temptations y “I Want You” de Marvin Gaye. Quiero decir, tocó en 'Let's Get It On'. …Gadson encarna ese sonido”, dijo Jamie Lidell a Pitchfork. Cada vez que toco con él, siento una telepatía increíble que nunca he experimentado con ningún otro músico. Me mira con una sonrisa y toca ese maldito ritmo a la perfección. Y cuando termina la canción, dice: "¡Te seguí!". “No tiene ni una pizca de egocentrismo”.
31. Roger Hawkins
ronee blakely - por favor VIVE con los Swampers
Jerry Wexler, el productor que acuñó el término “rhythm & blues”, llamó a Roger Hawkins “el mejor baterista del mundo”. Como todos los Swampers, como se les conocía cariñosamente a él y a sus colegas de la Sección Rítmica de Muscle Shoals, Hawkins se destacó por adaptar su estilo personal a las necesidades de una sesión. Wilson Pickett ideó el ritmo que quería para “Land of 1000 Dances” golpeándose la pierna con las manos y Hawkins continuó desde allí; Paul Simon buscaba un ritmo particular para “Kodachrome” y el baterista lo cristalizó golpeando un paquete de cinta adhesiva. El intrincado motivo de platillos que Hawkins construye sobre “Chain of Fools” de Aretha, los punzantes ritmos funk que recorren “I’ll Take You There” de Staple Singers, el drama sutil que subyace a “When a Man Loves a Woman” de Percy Sledge… todo ello hace que sea difícil estar en desacuerdo con Wexler.
30. Clifton James
1969 - John Lee Hooker - Boom Boom (Video en vivo)
"Cuando participé en la grabación de 'Bo Diddley' en 1955, toda la escena musical cambió", dijo el guitarrista homónimo. “Los chicos blancos tiraron a Beethoven a la basura”. Aunque el anclaje basado en toms ha sido denominado "el ritmo de Bo Diddley", el baterista Clifton James merece el mismo crédito por crear ese trueno de proto-rock. Nacido en Chicago con 13 hermanos, James aprendió a jugar con sillas y latas. Tocó en grabaciones de leyendas del blues de Chicago: Muddy Waters, Howlin' Wolf, Koko Taylor, Buddy Guy, Willie Dixon, Sonny Boy Williamson, pero su mayor contribución fue como baterista de Diddley de 1954 a 1970. "En realidad, fue más una idea de Clifton James para ese ritmo en ese momento que de Bo Diddley", dijo Dixon. De todos los bateristas que Bo Diddley tuvo, ninguno lo satisfizo tanto como Clifton James... Cuando trabajaron juntos, crearon algo tan maravilloso que, al final, uno no servía sin el otro.
29. Carlton Barrett
Sesión de improvisación de Bob Marley con Tyrone y Carlton en el estudio Criteria 1980
Nada suena más auténticamente reggae que los retumbantes tom-toms seguidos por el chasquido del bombo de Carlton “Carlie” Barrett, que dio origen a miles de canciones. Posiblemente el músico más influyente de la música reggae, Barrett popularizó el ritmo distintivo del género, “one drop”, en la banda solista de Waiters y Bob Marley. “Field Marshal” y su hermano bajista Aston “Family Man” Barrett redujeron el ritmo del rocksteady hacia los ritmos lentos y concentrados que llegaron a definir las raíces clásicas del reggae. Su batería discreta, que se escucha en temas como "Duppy Conqueror", "Soul Rebel" y "Small Axe", y sus hi-hats de tresillos sirvieron como un rayo tractor para sus fanáticos rabiosos hasta su asesinato en 1987, cuando tenía 36 años. "Debido a que la batería se remonta a los días de la esclavitud y África, [el género] proviene de una rica historia", le dijo a Modern Drummer. “Los talentosos bateristas de reggae hacen del acto de tocar una experiencia espiritual”.
28. Carmín Appice
Solo de batería de Carmine Appice
Carmine Appice, un colaborador valioso y una figura influyente con un estilo inconfundible, literalmente escribió el libro sobre batería de rock: su texto de 1972 The Realistic Rock Drum Method ha sido un hito desde su primera publicación. Appice se hizo un nombre a finales de los años 60 con el excéntrico ensamble psicodélico Vanilla Fudge (influyendo en un joven John Bonham con sus ritmos funk disruptivos y agresivos) antes de pasar al blues-rock más pesado con Cactus y Beck, Bogert & Appice. Demostró su alcance en la Rod Stewart Band de finales de los años 70, aportando ritmos ingeniosos y una asistencia indispensable en la composición de éxitos como "Da Ya Think I'm Sexy". (Según se dice, Stewart llamaba a Appice “El dentista” porque usaba “demasiados rellenos”). Más recientemente, se ha mantenido ocupado tocando en shows de “Drum Wars” con su hermano menor, otro percusionista de hard rock de élite, Vinny (Dio, Black Sabbath). Según Appice, algunas de sus mayores innovaciones surgieron de las limitaciones que encontró al tocar rock en vivo durante sus años de formación: «Todo lo que hacíamos —lo que se me atribuye haber iniciado— lo hice por necesidad», declaró Appice a la revista Drum en 2011. «Fui pionero en el uso de tambores más grandes y toqué con empuñaduras de baquetas en mis inicios. Lo hacía porque no había sistemas de sonido».
27. Dave Grohl
Dave Grohl - Batería - En vivo en el Paramount
La batería incansable y poderosa de Dave Grohl, forjada en la escena punk de los años 80 en Washington, D.C., fue la herramienta perfecta para transformar a Nirvana de Seattle de una banda de grunge indie en un ícono multiplatino. Kurt me llamó y me dijo: "Tengo al mejor baterista del mundo ahora. Toca cada vez más fuerte que nadie que haya conocido", le contó Butch Vig, productor de Nevermind , al biógrafo de Grohl, Martin James. “Y yo dije: 'Sí, claro'”. Pero tenía toda la razón… No había micrófonos [en la batería] en esa sala y, sin embargo, acústicamente sonaba como si hubiera amplificadores”. Grohl perfeccionó su estilo único en los suburbios de Washington D. C. tocando sobre almohadas con gruesas baquetas de banda de música: «Por eso golpeaba la batería con tanta fuerza», declaró a Spin en 1997, «tocando sobre almohadas, subiendo y bajando con esos malditos éxitos mientras escuchaba Violent Pacification de D.R.I. Hice todo eso hasta que las ventanas de mi habitación se empañaron por el sudor. Era como hacer ejercicio».
26. Danny Carey
Herramienta - Solo de batería de Danny Carey (Lateralus)
Recién salido de una desafortunada temporada a finales de los 80 con la innovadora banda Green Jellÿ (bajo el seudónimo de Danny Longlegs), Danny Carey se unió a la futura potencia del metal alternativo Tool en 1990. En los años transcurridos desde entonces, el nativo de Kansas de 1,96 m se ha establecido como el heredero natural de los gigantes del progresivo de los 70 como Neil Peart y Bill Bruford, y uno de los bateristas de rock más admirados de su generación. El estilo de Carey combina una ambición cerebral, un talento para los polirritmos y la métrica inusual, con una fuerza absoluta y una sensación fluida y sin esfuerzo. “No significa nada si sólo escuchas los tambores haciendo acrobacias”, dice. “No quiero que la gente diga: 'Esto está que arde'”. Preferiría oírles decir: “Esto me recuerda a los moros bajando las colinas, o a los escoceses cargando con la cabeza en llamas, completamente desnudos en pleno invierno”.
25. Earl Palmer
Earl Palmer - Solo de batería de "Caravan"
Earl Palmer, uno de los bateristas más grabados de la historia, fue un artista que definió el papel del sideman. Palmer, un consumado lector, improvisador, músico de bolsillo y acompañante, de Nueva Orleans, tocó en canciones que definieron la región como “Good Golly, Miss Molly” de Little Richard, “I'm Walkin'” de Fats Domino y “Tipitina” de Professor Longhair. Después de mudarse a California, rápidamente se convirtió en uno de los músicos de sesión más solicitados. Como dijo Carol Kaye, miembro de Wrecking Crew: “Earl era más alto que todos… era el mejor baterista que jamás había escuchado”. El gran volumen de sus grabaciones significa que sus ritmos ayudaron a definir el beat estadounidense: “La Bamba” de Richie Valens, “Summertime Blues” de Eddie Cochran, “You've Lost That Lovin' Feeling” de Righteous Brothers y “You Send Me” de Sam Cooke son solo la punta de un iceberg que incluso incluye melodías populares como el tema de Los Picapiedra. “Cuando el pulso del rock & roll te atrapa y no te suelta, se convierte en el Big Beat”, dijo Max Weinberg. “Fue entonces cuando Earl Palmer se apoderó de 'Lucille' de Little Richard como si estuviera blandiendo bates de béisbol y pateando un bombo de 30 pies”.
24. Steve Gadd
Steve Gadd Band: "Camino de regreso a casa"
El baterista de jazz inglés Pete Fairclough dijo que Steve Gadd “no toca groove, cava una trinchera”. Dice que en el apogeo de su carrera en la escena de sesiones de Nueva York de los años 70, tocaba tres sesiones al día, dándole a una década de rock un tono funk profundo y suave. Sus obras más conocidas son la compleja síncopa de “50 Ways to Leave Your Lover” de Paul Simon y los ruidosos hi-hats con rellenos monstruosos de “Aja” de Steely Dan, pero Gadd infundió un ritmo animado en cientos de grabaciones, incluido el fenómeno disco número uno de Van MacCoy, “The Hustle”. “Todos los bateristas quieren tocar como Gadd porque toca perfecto”, dijo Chick Corea. “Aportó a la batería una mentalidad orquestal y compositiva, además de poseer una gran imaginación y un gran talento para el swing”.
Elvin Jones
Solo de batería de Elvin Jones
Nacido en 1927 en una familia de músicos en Pontiac, Michigan, Elvin Jones fue uno de los pocos artistas que cambiaron la definición de cómo debería trabajar un baterista durante su vertiginosa colaboración de cinco años con el Cuarteto John Coltrane. Impecable en el ritmo y de tremenda delicadeza, Jones es mejor recordado por llevar a Coltrane a la estratosfera con su poder elemental, dispersando y distribuyendo el ritmo entre sus cuatro extremidades. “No hay nada nuevo en llevar el ritmo, es solo que algunas personas lo hacen mejor que otras”, declaró Jones a Down Beat en 1977. “Algunas personas son más sensibles a los ritmos, y cuanto más sensible seas, más sutil serás”. Los primeros bateristas de hard rock a los que influyó –Ginger Baker, Mitch Mitchell, John Bonham– seguramente estarían de acuerdo.
22. Levon Helm
La vida es un carnaval - Percusión instructiva de Levon Helm
En su libro de 1984, The Big Beat, Max Weinberg rindió un merecido homenaje a Levon Helm, el legendario baterista cantante de la banda: "El tono apagado de 'The Night They Drove Old Dixie Down', los toms atronadores de 'Up on Cripple Creek' y el ritmo cansado pero decidido de 'The Weight' muestran que Levon pertenecía a la rara especie de baterista que podía marcar no solo el tempo sino también la escena en la historia de una canción". Nacido en la pequeña Marvell, Arkansas, Helm pasó los últimos años de la década de 1950 y principios de la de 1960 tocando en lugares de América del Norte como miembro de la banda de acompañamiento de Ronnie Hawkins. En 1965, Helm y los otros Hawks estaban tocando para Bob Dylan en su primera gira eléctrica; En 1968, cambiaron su nombre a The Band y comenzaron a grabar canciones originales que giraban en torno al ritmo inimitable de Helm y su tono feroz. A pesar de la amargura por la decisión de Robbie Robertson de disolver el grupo después de la actuación de 1976 en San Francisco, “Last Waltz”, la película que Martin Scorsese hizo de la excelente actuación final es un monumento al carisma y la autoridad musical de Helm. En los últimos años del baterista, cuando su salud se deterioraba junto con sus finanzas, ofreció conciertos en un granero de su propiedad en Woodstock. Noche tras noche, incluso cuando los tratamientos para el cáncer de garganta habían convertido su voz en un suave ronquido, tocaba con alegría canciones antiguas y nuevas, manteniendo vivo el espíritu de la Banda en los llamados Midnight Rambles. “Fue un amigo fraternal hasta el final”, dijo Dylan sobre Helm después de su muerte, “uno de los últimos espíritus verdaderamente grandes de mi generación y de todas las demás”.
21. Ian Paice
Deep Purple - La Mula | Ian Paice - Solo de batería en vivo en Dinamarca, 1972
Sin el único miembro constante de Deep Purple, Ian Paice, no tendríamos batería de heavy metal. Paice, una leyenda del rock épico que “nunca ha tocado con tapones para los oídos”, es un profesional de la vieja escuela que toca rápido, feroz y con todo. Fanático de Frank Sinatra, Ringo Starr y el baterista de Count Basie, Sonny Payne, Paice infundió éxitos como “Hush” y “Smoke on the Water” con un swing estudiado y contagioso. El guitarrista de Deep Purple, Steve Morse, comentó a Drum!: «Su swing es perfecto. Y su dinámica es genial. El baterista de mi trío, Van Romaine, lo llama el «Steve Gadd del rock». …Es como una locomotora gigante que avanza a toda velocidad por las vías, con todo sincronizado”.
20. Bernard Purdie
Aunque Bernard “Pretty” Purdie era conocido por el apodo de “Mississippi Bigfoot”, el prolífico músico de sesión creció en Maryland antes de mudarse a Nueva York a principios de la década de 1960, donde comenzó en sesiones con artistas de jazz como Nina Simone y Gabor Szabo. Conocido por sus "notas fantasma" en el hi-hat, Purdue pronto se convirtió en uno de los bateristas más solicitados en toda la industria musical, trabajando durante muchos años como director musical de Aretha Franklin cuando no estaba ocupado grabando con Steely Dan o Mongo Santamaria o Bob Marley. La pregunta no es con quién jugó Pretty Purdie; pero con quien no ha jugado. "Bernard siempre hacía algo estilísticamente único que nunca esperarías de nadie más", recordó Walter Becker de Steely Dan.
19. Tony Williams
Clínica de batería de Tony Williams 1985 pt.1/3
El debut en 1963 de Tony Williams, con diecisiete años, junto a Miles Davis sigue siendo una de las entradas más impactantes de la música del siglo XX. “Chico, sólo escuchar a ese pequeño hijo de puta me hizo animarme otra vez”, escribió el trompetista en su autobiografía, Miles. “Supe de inmediato y sin lugar a dudas que iba a ser uno de los mayores hijos de puta que jamás haya tocado una batería”. Cuando se unió a Miles, ya había hecho importantes contribuciones a la vanguardia del jazz junto con el saxofonista Jackie McLean y otros. Pero fue su papel en el llamado Segundo Gran Quinteto de Davis lo que lo convirtió en una leyenda. A Davis le encantaba trabajar con músicos de sesión que no se lo tomaban con calma, y Williams, con sus vertiginosas secuencias de platillos ride, acentos explosivos y distorsiones de tiempo radicales, estaba más que feliz de complacerlo. Es apropiado que cuando dejó a Miles en 1969, le ganó al trompetista el ritmo del jazz-rock y formó la genial banda Lifetime con el futuro guitarrista de Mahavishnu Orchestra, John McLaughlin, y el organista Larry Young. En la década anterior a su prematura muerte en 1997, Williams regresó al jazz acústico, tocando, como siempre, con brutal intensidad. Su inspiración cruza géneros. “Para mí no sólo fue un maestro técnico, el innovador de su época, sino también un innovador del sonido”, dice Cindy Blackman sobre Williams. “Tenía tantas cosas que elevaron el nivel del sonido y la habilidad necesaria para tocar este tipo de música”.
18. Joseph “Zigaboo” Modeliste
Zigaboo Modeliste con sus amigos Cissy Strut en vivo en el Rockefeller
El periodista de Rolling Stone, Joe McEwen, describió una vez la batería de Zigaboo Modeliste como “lanzar la técnica al viento… producir ritmos despreocupados… en un feroz movimiento de brazos”. Ese estilo pugilístico, una característica poderosa del trabajo de Modeliste con los Meters a principios de los años 70, consolidó su estatus como uno de los bateristas de funk más líricos de todos los tiempos. El estilo de Modeliste estaba impregnado de la interpretación tradicional de segunda línea de Nueva Orleans, donde nació y generaciones de bateristas habían diseñado un flujo sincopado lineal, casi melódico. En cortes de Meters como “Cissy Strut” y “Just Kissed My Baby”, el trabajo de baquetas de Modeliste prácticamente hace que la percusión cante. Después de dejar los Meters a mediados de la década de 1970, continuó demostrando su talento para aportar un enfoque personal al mundo más amplio de la música al trabajar con luminarias del rock como Keith Richards y Ron Wood.
17. Terry Bozzio
Actuación solista de batería de Terry Bozzio: los cambios de Pat
“No me interesa en absoluto dar un espectáculo”, dijo Terry Bozzio a Rolling Stone en medio de una gira en solitario con lo que llamó “el set de percusión más grande del mundo”. La declaración puede parecer contradictoria viniendo de Bozzio, quien se hizo famoso trabajando con Frank Zappa a fines de los años 70, en un momento dominando la pieza endiabladamente difícil y con mucha percusión del compositor "The Black Page", pero el veterano baterista siempre ha sido mucho más que un virtuoso técnicamente conocedor. Después de colaborar con Zappa, Bozzio se convirtió en parte integral del supergrupo de post-prog UK y luego, con su entonces esposa, en cocreador de la influyente banda de new wave de los 80 Missing Persons, en la que adaptó sus emocionantes habilidades a una estructura pop ligera. Aunque en los últimos años ha aparecido sobre todo en clínicas y actuaciones en solitario o con varios supergrupos selectos, sus colaboraciones con bandas que van desde Korn hasta Fantômas de Mike Patton, cantante de Faith No More, son prueba de una gama sorprendente.
16. Bill Bruford
Bill Bruford Solo de batería.
Un percusionista con la destreza técnica de un músico clásico, la sutileza y espontaneidad de un improvisador de jazz y el impulso emocional de un baterista de rock, Bill Bruford era un artista completo cuando llamó la atención del público por primera vez en los primeros cinco álbumes de Yes. En 1972, con la banda al borde del estrellato mundial, Bruford se fue a King Crimson, demostrando durante los dos años siguientes cómo un baterista de rock podía encontrar nuevos enfoques para los temas básicos de una lista de canciones noche tras noche, mientras simultáneamente creaba música nueva de la nada. A lo largo de dos períodos más con King Crimson –“mi hogar espiritual, aunque sea una cama de clavos, durante un cuarto de siglo”, escribió en su autobiografía de 2009– Bruford se reinventó como un sabio del funk polimétrico (1981-1984), y como el elemento caótico en una formación de dos tambores (1994-1996), dándole amplio espacio a su amado proyecto postbop, Earthworks. Tras retirarse de la actuación en 2009, completó su doctorado en febrero; ahora podemos llamarlo Doctor Bruford.
15. Buddy Rich
BUDDY RICH IMPOSIBLE BATERÍA SOLAMENTE *HQ*
Rich, una estrella de vodevil autodidacta cuando era niño, su técnica inigualable y su velocidad invicta pronto le permitieron superar al actual campeón de batería de jazz Gene Krupa, quien lo llamó "el mejor baterista que jamás haya respirado", y hacer carrera tocando con Tommy Dorsey, donde conoció a su rival, amigo y benefactor Frank Sinatra, quien pronunció su panegírico 40 años después. Pero la influencia de Rich llegó mucho más allá de la era de las big bands o incluso del jazz en sí: fue el primer baterista estadounidense al que muchos de los primeros rockeros británicos escucharon, enseñó a fans como John Bonham y Bill Ward a ir más allá de un simple backbeat y lanzarse a poderosas secuencias de improvisación, alentando a Phil Collins a abandonar la configuración del doble bombo para concentrarse en el hi-hat y simplemente asombrando a Roger Taylor. “Diría que desde un punto de vista puramente técnico es el mejor que he visto”, recordó el baterista de Queen. Recuerdo que hizo una especie de rueda de prensa que duró unos cinco minutos. Empezó como un susurro, apenas se oía, y luego fue creciendo y llenó toda la sala, con capacidad para unas 3500 personas, y fue como un trueno.
14. Ringo Starr
Ringo Starr en el Ryman - 10. Niños
“Recuerdo el momento. Estaba allí parado y miré a John y luego a George, y dijimos: '¡Rayos! ¿Qué es esto?'”, dijo Paul McCartney, recordando la primera vez que los Beatles tocaron con Ringo Starr. “Y ese fue el momento, ese fue realmente el comienzo de los Beatles”. Aunque a menudo se lo pasa por alto en los llamativos finales de los años 60 que produjeron a Keith Moon y Mitch Mitchell, Ringo no solo respaldó a la mejor banda de todos los tiempos, sino que ayudó a dar forma y centrar su música: escuche los redobles extáticos que abren "She Loves You", la exuberancia limpia de "Ticket to Ride", el elusivo trabajo de platillos y la lánguida brevedad de "Rain", o cómo insertó ganchos rítmicos tan hermosos como memorables en tantas otras canciones queridas de los Beatles. A nivel personal, su amistosa cordialidad lo convirtió en el miembro más accesible. “John tuvo sus altibajos”, dijo Yoko Ono, “pero Ringo siempre fue muy dulce. Y creía firmemente en la paz y el amor”. Starr, un baterista zurdo que utiliza un kit para diestros, inventó su propio estilo de crear "rellenos especiales" nítidos y exuberantes, mientras que su sólida confiabilidad se convirtió en un estándar de referencia temprano para los músicos de rock sensatos, dándole a cada canción sensación, swing y una solidez inquebrantable. “Ringo era el rey de la atmósfera”, dijo Dave Grohl. Jim Keltner dice: “Él era el tipo al que todos intentábamos imitar en el estudio”.
13. DJ Fontana
"Hound Dog" de Elvis Presley: lección de batería
En cientos de las primeras grabaciones de Elvis Presley, Dominic Joseph “DJ” Fontana fue la vanguardia de la batería del rock & roll, aportando ritmo a la música hillbilly en una época en la que las bandas de country y bluegrass evitaban por completo la percusión. Fue el primero en probar una sucesión de riffs frecuentemente imitados, desde los animados golpes de caja de “Blue Suede Shoes” hasta las aullantes cuerdas de ritmos que hicieron aullar a “Hound Dog”. «Tenía una técnica increíble y manos rápidas, así que podía tocar esos redobles a lo Buddy Rich cuando quería. Tocaba como un baterista de jazz, todo el tiempo», dijo Levon Helm. Así que Elvis tenía una base sólida, una pequeña estructura, y la aprovechó al máximo. DJ le había dado alas a Elvis.
12. Charlie Watts
Charlie Watts / Jumpin' Jack Flash
Keith Richards dijo una vez que cuando se formaron los Rolling Stones, "no podían permitirse" tener al baterista Charlie Watts, quien había sido el baterista de rocksteady del más establecido Blues Incorporated de Alexis Korner. Más tarde, los Stones lo conquistaron y le pidieron que se uniera a la banda. "Ustedes son increíbles, hombre", le dijo a Richards, "pero necesitan un baterista con agallas". Aparte de alguna aparición ocasional en un proyecto de jazz paralelo, Watts complementó perfectamente a Jagger, Richards y el resto del grupo con sus ritmos vibrantes ("Brown Sugar"), sus ritmos inquietos de cuatro por cuatro ("Satisfaction") y su impresionismo velado ("Sympathy for the Devil"), del que rara vez hizo gala durante más de 50 años. “Cuando Charlie se unió a nosotros, realmente nos completó”, dijo Richards. "Charlie puede ser rapidísimo y aun así ser increíble. Ese es su estilo", dijo Jim Keltner a Drum! “No puede explicarlo y no me gusta entrar en detalles con él, simplemente me sorprende”.
11. Benny Benjamin
Durante años, Berry Gordy se negó a grabar a menos que el dinámico Benny Benjamin estuviera en el estudio. "Tenía un talento especial que le permitía tocar diferentes ritmos al mismo tiempo", dijo el fundador de Motown sobre su baterista de sesión principal. “Tenía un ritmo, una firmeza, que marcaba el ritmo mejor que un metrónomo”. Benjamin trabajó en innumerables éxitos de Motown, desde “Money (That’s What I Want)” de Barrett Strong hasta “My Girl” de Temptations, junto a otros músicos de sesión a quienes apodó Funk Brothers y que lo llamaban “Papa Zita”. Aunque a menudo se mantenía alejado del estudio por sus adicciones antes de morir de un ataque cardíaco en 1969, Benjamin fue sin embargo mentor de un joven Stevie Wonder, quien le atribuye al músico mayor su propio estilo de batería. “Solo escucharlo me enseñó muchísimo”, dijo Wonder en 1973. “Hombre, era uno de los grandes impulsores del sonido Motown. Benny podría haber sido el mejor”.
10. Stewart Copeland
La Policía - Reggatta De Blanc (Old Gray Whistle Test '79)
Puede que las melodías de Sting se hayan hecho populares, pero el sonido de Police se debe a la forma de utilizar el espacio de Stewart Copeland, su sutileza y su agresividad. Sin duda, es el baterista influyente menos inclinado a utilizar la caja (que, sin embargo, sigue siendo inusualmente brillante y cortante) y sus partes características a menudo implican intrincadas secuencias de hi-hat (como en “Red Rain” de Peter Gabriel). Su padre, Miles, era un diplomático que llevó a la familia a vivir a varios lugares de Oriente Medio, y esa peculiar infancia impregnó a The Police de acentos rítmicos lejos de su tierra natal, Inglaterra. A pesar del persistente antagonismo, Sting admitió que "el primer disco [de la banda] fue en todo sentido un tributo a la energía y concentración de Stewart". “Pasé todos estos años intentando conseguir una caja o un hi-hat Stewart Copeland”, dijo Les Claypool de Primus, quien empezó a tocar con él en el año 2000, “y se sienta detrás de esta [batería] con esos parches decrépitos que simplemente estaban ahí… Y de repente apareció este sonido de caja Stewart Copeland. Me hizo darme cuenta de que todo se reduce a cómo ataca la batería, a cómo toca”.
9. Al Jackson Jr.
Al Jackson Jr., el baterista de sesión del legendario sello de soul Stax, fue conocido como "el cronómetro humano" hasta su muerte en 1975 a los 40 años. Durante ese período, los ritmos marcadamente swing pero asertivos de Jackson dieron lugar a canciones legendarias de Wilson Pickett, Otis Redding y Al Green (con quien Jackson escribió el éxito "Let's Stay Together"); Y a medida que su reputación crecía, superestrellas de fuera del mundo del R&B como Eric Clapton comenzaron a demandar el genio de la percusión de Jackson. Como cofundador y miembro clave de Booker T. & the MGs, Jackson ayudó a allanar el camino para el ritmo tanto en el funk como en el hip-hop. "Lo considero a la altura de Ray Charles o Billy Preston, en una clase aparte", dijo Sam Moore de Sam & Dave, quien tocó en piezas como "Soul Man" y "Hold On, I'm Coming". “Te lo diré directamente: podía hacer que la mierda oliera bien”.
8. Mitch Mitchell
Mitch Mitchell - Solo de batería Estocolmo 1969
"Tocaba la batería como si fuera una canción; era simplemente maravilloso", dijo Roger Taylor de Queen, elogiando la "fusión de técnicas de jazz y riffs fantásticos de Mitch Mitchell, pero con ese feroz ataque de caja por toda la batería... Integración total en la canción. No solo marcaba el ritmo". Y Stewart Copeland, de The Police, admitió: "Todo lo que hice y de lo que estaba tan orgulloso, creía que lo había inventado yo mismo. Pero no, lo heredé de Mitch". Sin embargo, en 1966, cuando llegó el momento de elegir un baterista para Jimi Hendrix Experience, la decisión quedó literalmente al azar: se lanzó una moneda para decidir entre Mitch Mitchell y Aynsley Dunbar. Mitchell salió victorioso, y el enérgico discípulo de Elvin Jones aportó una improvisación distintiva al power trío de Hendrix, construyendo un ritmo inconfundiblemente ajustado y poderoso que luego se desvanece en una contraparte fluida pero estructurada de la guitarra de Jimi.
7. Gene Krupa
Batalla de tambores entre Buddy Rich y Gene Krupa - 1966 - en el Sammy Davis Jr. Show -
“Fue el primer baterista de rock en muchos sentidos”, declaró Neil Peart a NPR sobre Gene Krupa en 2015. “Fue el primer baterista en dominar el escenario y el primer baterista en ser reconocido por sus solos… Hacía cosas que eran básicamente fáciles, pero siempre las hacía sonar espectaculares”. El ataque desenfrenado de Krupa, su bombo de cuatro por cuatro y su trabajo de cencerro frenéticamente funky (influenciado por los bateristas de Nueva Orleans Baby Dodds y Zutty Singleton) llevaron a la innovadora orquesta de jazz de Benny Goodman a nuevas alturas en la década de 1930 e inspiraron a una generación de futuros gigantes del rock, entre ellos Keith Moon y John Bonham. Junto con Buddy Rich, su adversario en las épicas batallas de tambores que inspiraron los vídeos “Gospel Chops” de hoy, Krupa es el padrino del arte de la batería como deporte y espectáculo. La tradición viva de las interpretaciones de percusión alucinantes, desde “Moby Dick” de Bonham hasta “The Rhythm Method” de Peart, sería impensable sin él.
6. Clyde Stubblefield y John “Jabo” Starks
En el apogeo de la evolución rítmica de su banda, la sección de percusión de Brown estaba en manos no de uno sino de dos maestros bateristas: el tristemente subestimado John “Jabo” Starks y el mismísimo Mr. Funky Drummer, Clyde Stubblefield. Starks comenzó su carrera acompañando a músicos de jazz y blues, Stubblefield venía del R&B y, coincidentemente, ambos se unieron a la banda de Brown con pocas semanas de diferencia. Cada uno aportó un estilo original que complementó el del otro. Ahmir “Questlove” Thompson declaró una vez a la revista Rolling Stone: «Starks era para Clyde lo que los Beatles para los Stones. Un baterista preciso que armonizaba con el free jazz zurdo de Clyde». Juntos, su asociación ayudó a dar forma a algunas de las mejores canciones de Brown, incluidas “Cold Sweat”, “Superbad” y, por supuesto, “Funky Drummer”. Sus innovaciones se sintieron nuevamente y determinaron por completo la atmósfera de la época dorada del hip-hop.
5. Hal Blaine
Hal Blaine interpretando un papel en la reserva india
“Si Hal Blaine hubiera tocado la batería en ‘Be My Baby’ de las Ronettes, su nombre aún se pronunciaría con reverencia”, dijo una vez Max Weinberg. Pero el baterista, nacido como Harold Simon Belsky, hizo mucho más: grabó con Sinatra, los Beach Boys, Elvis y las Supremes, sólo por nombrar algunos. Líder de Wrecking Crew, el grupo de sesión de Los Ángeles que dominó el mundo de los estudios de grabación en los años 60 y 70, Blaine es el baterista más grabado de la historia. (Perdió la cuenta en 35.000, pero eso incluía 150 éxitos Top 10 y 40 números 1). Como percusionista detrás de "Wall of Sound" de Phil Spector, Blaine creó algunos de los ritmos más familiares del pop, pero el aspecto más memorable de Blaine es su capacidad camaleónica para adaptarse a cualquier sesión, y no solo detrás de un kit tradicional. Para “Caroline, No” de los Beach Boys, golpeó botellas de agua mineral, y para “Bridge Over Troubled Water” de Simon & Garfunkel, arrastró cadenas de neumáticos por un piso de concreto. “No soy un baterista llamativo”, reflexionó. “Quería ser una gran acompañante”. Misión cumplida.
4. Neil Peart
Solo de batería de Neil Peart - Rush en directo en Frankfurt
Cuando Neil Peart audicionó para Rush en 1974, sus compañeros de banda sintieron que tenía el potencial de capitalizar su fuerte admiración por The Who. "Quedamos absolutamente impresionados por la forma de tocar de Neil", recordó el guitarrista Alex en una entrevista a principios de este año. “Era muy al estilo Keith Moon, muy enérgico y golpeaba la batería muy fuerte”. Irónicamente, la mayor contribución de Peart a la batería de rock terminó siendo exactamente lo opuesto a la de Moon: la batería más precisa y meticulosamente planificada que el género haya visto jamás. A medida que las ambiciones de alto progreso de Rush maduraron en la segunda mitad de los años 70, Peart se reveló como un artesano meticuloso y un artista de ambición incontrolable (rasgos que también surgieron en sus letras fantásticas), utilizando implementaciones esotéricas como glockenspiel, temple Blocks y timbales para enriquecer partes de canciones como "Xanadu" y "The Trees". Así como la música de la banda definió los años 80, a través de obras maestras de transición como Moving Pictures y adoptando un sonido más pop, la música de Peart hizo lo mismo; Comenzó incorporando sutilmente percusión electrónica, recurriendo a innovadores populares como Stewart Copeland en busca de inspiración. Los trabajos más recientes de Rush, como Clockwork Angels de 2012, presentan algunas de las mejores interpretaciones de Peart jamás grabadas: una sorprendente armonía de ingenio y poder. Mientras tanto, a pesar de haber dejado de hacer giras recientemente, Peart sigue siendo quizás el baterista en vivo más reverenciado –y más inspirador en la batería aérea– de todo el rock, conocido como el arquitecto de solos asombrosos e intrincados.
3. Panadero de jengibre
Panadero de jengibre; Solo de batería de sapo
Dotado de un inmenso talento y maldecido con un temperamento no menor, Ginger Baker combinó una educación de jazz con un poderoso estilo polirrítmico en el primer y más grande power trío del mundo. En constante contraste con sus compañeros de Cream, Jack Bruce y Eric Clapton, el baterista nacido en Londres trajo el sentido del espectáculo al mundo del rock con su uso extravagante del bombo y sus largos solos. Tras la disolución de Blind Faith, una organización de corta duración, Baker se mudó a Nigeria durante muchos años en la década de 1970. “Él entiende el ritmo africano mejor que cualquier otro occidental”, dijo uno de los creadores del afrobeat, Tony Allen. En los años transcurridos desde entonces, Baker ha incursionado en una deslumbrante variedad de proyectos, mostrando su inconfundible destreza, desde los intrincados ritmos de la subestimada aventura de Baker Gurvitz Army a mediados de los años 70, hasta colaboraciones de jazz con brillantes solistas como Bill Frisell y otras intrigantes con Public Image Ltd y Masters of Reality.
2. Keith Moon
Keith Moon - Who Are You (pista de batería aislada)
El “mayor baterista de la escuela de Keith Moon”, como él mismo se describía, detestaba la batería repetitiva del rock, así como detestaba la monotonía en la vida en general. Moon, la inspiración para el personaje de los Muppets, Animal, destruyó baterías y habitaciones de hotel con una ferocidad que lo convirtió más en un showman que en un baterista de rock. Es famoso que se negaba a tocar solos, y en su lugar consideraba la batería el instrumento principal de The Who. «Sus breaks eran melódicos», declaró el bajista John Entwistle a Rolling Stone, «porque intentaba tocar con todos los miembros de la banda a la vez». Moon the Loon metió redobles de batería donde no debían, y solo las pistas de sintetizador utilizadas en Who's Next estabilizaron su fluctuante sentido del tiempo. "Keith Moon es un auténtico músico de orquesta, como un timbalero o un platillo en una orquesta", dijo Stephen Perkins de Jane's Addiction. "Te hace sentir que es una parte importante, incluso si no está al final de cuatro compases". “Me encanta ese drama, esa teatralidad y me encanta la emoción”. Sin embargo, el truco favorito de Moon era arrojar poderosos explosivos en los baños de los hoteles, una broma que continuó haciendo hasta 1978, cuando murió de una sobredosis de drogas a los 31 años.
Cualquiera hubiera apostado a que Bonzo usaba dos bombos, pero sólo tenía uno.
1. John Bonham
John "Bonzo" Bonham - Solo de batería - 1977
En el primer corte del primer LP de Led Zeppelin, John Bonham cambió la batería del rock para siempre. Años después, Jimmy Page todavía se divertía con el sorprendente impacto que Good Times Bad Times , con su asombroso hipo en el bombo, tuvo en los oyentes: “Todos habrían apostado a que Bonzo usaba dos bombos, pero solo tenía uno”. Potente, vivaz, talentosa y reflexiva, esa interpretación allanó el camino para que la percusión refinada de Bonham conquistara antes de su prematura muerte en 1980. En su forma más brutalmente paleolítica, nunca golpeó sin inspiración, en su forma más desconcertante rítmica nunca se rebajó a adornos innecesarios y cada noche de gira evitó estos errores en la gloriosa ráfaga de Moby Dick. “Pasé años en mi habitación —años, en realidad— escuchando la batería de Bonham e intentando imitar su swing, su soberbio empuje tras el ritmo, su velocidad o su fuerza”, confesó una vez Dave Grohl a Rolling Stone, “no solo memorizando su trabajo en esos álbumes, sino intentando llegar a un punto en el que tuviera la misma inclinación instintiva que él”. Casi todos los bateristas de rock posteriores a Bonham han intentado hacer lo mismo, por supuesto, en un viaje que ha permitido a los más grandes encontrar finalmente su propio estilo.
49. Vinnie Colaiuta
Vinnie Colaiuta Increíble solo de batería
“Antes de verlo, podía entenderlo todo”, dijo el baterista de Devo, Josh Freese, a Drum! “Fue el primero que, incluso mirándolo de cerca, no tenía idea de lo que estaba haciendo”. Según el siempre exigente Frank Zappa, Vinnie Colaiuta obtuvo el primer lugar en la creación de polirritmos para acompañar sus solos de guitarra improvisados; basta con escuchar los intrincados intercambios entre guitarra y batería en Shut Up 'n Play Yer Guitar como prueba. Pero Colaiuta también es un maestro de la fineza y la discreción, buscado por todos, desde Herbie Hancock hasta Joni Mitchell y Sting. “No estás ahí para presumir ni para ser el centro de atención”, dice sobre su profesión. “Estás ahí para acompañar [a los demás] y ser parte [del todo]”.
48. John “Drumbo” French
Capitán Beefheart y su banda mágica - Televisión alemana 1972
John “Drumbo” French se unió a la Magic Band de Captain Beefheart en 1966, trayendo consigo un estilo polirrítmico y cargado de toms que se volvería tan integral al grupo como el blues áspero y modernista de Don Van Vliet. French fue el director musical de la obra maestra de vanguardia de Magic Band, Trout Mask Replica , pero la abandonó con amargura. “Nunca antes tanta gente trabajó tan duro por tan poco”, dijo French sobre las sesiones que produjeron el álbum, y agregó: “Nunca recibí un centavo”. Durante la grabación de Replica , una visita grupal a una actuación de Dalí cambió su enfoque de la batería e inspiró la inclinación de French por la superposición rítmica. El estilo de Drumbo se perfeccionó aún más en Lick My Decals Off, Baby de 1970 , su siguiente álbum, y quizás el mejor ejemplo registrado de su estilo estridente, caótico pero ferozmente controlado. Más tarde, French se encontró liderando su propia Magic Band, proyectando el estilo de canto del Capitán en una extraña especie de represalia por su tumultuoso primer compromiso.
47. Dave Lombardo
Slayer - Angel Of Death (En vivo en el Centro Cívico de Augusta, Maine, 2004)
Dave Lombardo, un cubano con una velocidad endiablada, se ganó el apodo de "ADDave" de sus compañeros de Slayer después de mantener sin esfuerzo el ritmo en temas vertiginosos como Angel of Death , que alcanza los 210 bpm y presenta uno de los descansos de batería más asombrosos del metal, y "War Ensemble", todo mientras insinúa un jazz latino con swing. Las tensiones dentro de la banda lo llevaron a salir y volver un par de veces (actualmente toca con Dead Cross), pero estas fluctuaciones le permitieron codearse con los vanguardistas del art-metal Fantômas, el famoso compositor/provocador John Zorn, el líder de trip-hop DJ Spooky y el artista visual Matthew Barney. "Es un adicto a la cafeína", dijo una vez Kerry King, ex colega de Lombardo en Slayer. Siempre está nervioso. No puede quedarse quieto.
46. Dave Garibaldi
David Garibaldi (Solo completo)
Con Tower of Power, el elegante filtrado de David Garibaldi ayudó a ampliar la audiencia de los experimentos rítmicos de James Brown a fines de los años 70, y su ingenio rítmico fue un elemento clave en la creación del éxito What is Hip? del conjunto soul-funk del Área de la Bahía “Fue su idea que Rocko [Prestia] tocara esas semicorcheas en el bajo”, dijo el líder de Tower of Power, Emilio Castillo. “Eso es lo que le dio impulso a la canción”. La confirmación de que las partes de batería de Garibaldi eran tan pegadizas como los instrumentos de jazz y las voces R&B característicos de Tower of Power llegó cuando el hip-hop empezó a ampliar sus ritmos en los años 80 (Garibaldi aparece repetidamente en "Paul's Boutique" de los Beastie Boys, para empezar). Garibaldi también fue una influencia formativa en el baterista de los Red Hot Chili Peppers, Chad Smith, quien dijo: "su batería... me llevó a otros niveles". El “baterista funk” Clyde Stubblefield una vez llamó a Garibaldi “mi favorito” y exclamó: “¡Tenía funk!”.
45. Billy Cobham
BILLY COBHAM STRATUS II
A principios de la década de 1970, Billy Cobham estableció un nuevo estándar para la batería de fusión, combinando la increíble agilidad del jazz con la potencia aplastante del rock. El baterista nacido en Panamá apareció en el innovador Bitches Brew de Miles Davis y, más notablemente, en A Tribute to Jack Johnson , donde su interacción con el guitarrista John McLaughlin sentó las bases de lo que ambos construirían juntos en la Mahavishnu Orchestra. La influencia de Cobham llegó mucho más allá del jazz: contemporáneos del progresivo como Bill Bruford de King Crimson siguieron sus hazañas de cerca, bateristas más jóvenes como Danny Carey de Tool aprendieron de él, e incluso Prince versionó el Stratus de Cobham en concierto. Quizás no haya mayor fan que Phil Collins, quien ha calificado a Inner Mounting Flame de Mahavishnu como una influencia clave en su estilo inicial. “En ese disco, Billy Cobham hizo una de las mejores percusiones que jamás haya escuchado”, dijo.
44. Jerry Allison
Buddy Holly - Peggy Sue en vivo
Jerry Allison fue el primer colaborador de Buddy Holly, uno de los hitos más perdurables que comenzó como un dúo de guitarra y percusión. El baterista de los Crickets no sólo ayudó a escribir That'll Be the Day , sino que convenció a su amigo de cambiar el título de Cindy Lou a Peggy Sue , el nombre de una mujer a la que Allison esperaba impresionar en ese momento. Sin embargo, la contribución más importante del baterista a esta pieza fue a nivel rítmico: el ritmo cha-cha original no funcionaba, pero entre ensayos, el productor Norman Petty escuchó a Allison tocando un rudimento de percusión clásica conocido como paradiddle y le dijo al baterista que tocara eso en su lugar. Buddy Holly and the Crickets fue la primera banda de rock and roll en usar el estudio de grabación “como una combinación de laboratorio y patio de recreo”, como lo expresó el fan Marshall Crenshaw, y Allison estaba abierto a probar cualquier cosa: en “Everyday” no hace nada más que aplaudir en su regazo. En homenaje a ese ingenioso golpe de genio, Ringo Starr tocó una maleta cuando los Beatles grabaron “Words of Love” de Holly.
43. Phil Collins
En el aire esta noche EN VIVO - Phil Collins
Antes de convertirse en uno de los cantantes pop más famosos de los años 80, Phil Collins fue uno de los bateristas más aventureros de los años 70, colaborando con figuras de vanguardia como Brian Eno, el colectivo de jazz fusión Brand X y, por supuesto, el virtuoso conjunto Genesis liderado por Peter Gabriel. Fue durante una sesión en solitario de Gabriel a finales de 1979 que Collins creó su característica técnica de “caja cerrada”, que pronto fue imitada en todo el universo pop y se convirtió en un elemento básico de innumerables canciones de los años 80. Lo usó nuevamente en In the Air Tonight , una canción que culmina con lo que quizás sea el relleno más famoso de la década. Después de ese éxito, Robert Plant, Eric Clapton y muchos otros lo quisieron en el estudio para tocar la percusión en sus álbumes. Después de la gira Genesis en 2007, sufrió graves daños en los nervios de las manos, lo que le hizo casi imposible incluso agarrar baquetas: un destino cruel para un músico de gran influencia e innovación. "Me encanta su forma de tocar la batería y no tengo miedo de admitirlo", dijo el baterista de Mastodon, Brann Dailor. Creo que es un fenómeno como baterista de Genesis, aunque también está infravalorado. Es un gran baterista y está absolutamente completo.
42. Bill Ward
Solo de batería de Bill Ward
Dado su papel como baterista en la banda que posiblemente inventó el heavy metal, es sorprendente pensar en lo ágil músico que siempre ha sido Bill Ward. Formado por grandes del jazz como Joe Morello y Gene Krupa, el cofundador de Black Sabbath aportó un sentido de elegante elasticidad al oscuro y pesado ritmo que caracterizó a la banda en sus inicios (“Black Sabbath”, “Iron Man”). En lugar de imitar los icónicos riffs del guitarrista Tony Iommi, bailó alrededor de ellos: observe el movimiento con tintes bebop que realiza a mitad de "Electric Funeral" o sus intermedios breaks de tom-tom en "Rat Salad". Y cuando quería –como en el ritmo abrumador de “Hand of Doom”– Ward tenía todo el funk de cualquier baterista de R&B. "Podrías encontrar innumerables muestras de Bill en los discos de hip-hop", observó el baterista de Rage Against the Machine, Brad Wilk, un fan de Ward que lo reemplazó a regañadientes para el álbum de regreso de la banda en 2013, 13. Los bateristas posteriores de Sabbath, como el más explosivo Vinny Appice y el más llamativo Cozy Powell, aportaron un profesionalismo de calibre de estadio a las actuaciones, pero nunca pudieron replicar del todo el baile genuino que Ward hacía detrás de la batería, una de las muchas razones por las que su pelea con los otros miembros originales de Sabbath lo convirtió en una gran decepción.
41. Carter Beauford
GoPro Music: Solo de batería de Carter Beauford de Dave Matthews Band
Carter Beauford, miembro fundador de la Dave Matthews Band, es un baterista de jazz con mucho ritmo y fan de Tony Williams con sensibilidad pop. Aunque su banda se centra en el groove, llena incluso los números más populares con riffs intrincados e increíblemente complejos; por ejemplo, le da a "Ants Marching" una secuencia de hi-hat inusual antes de acentuar orquestalmente los riffs vocales de Matthews, agrega un sofisticado trabajo de bombo a "So Much to Say", trata "Dancing Nancies" como una segunda línea directa a la casa de Stewart Copeland o usa dos cajas en "Two Step". Y, por supuesto, están los shows en vivo donde sus monstruosos solos de batería explotan en frenesíes de bombo y las canciones evolucionan noche tras noche. “Cada público es diferente, por lo que queremos intentar hablar directamente a ese público o dar un mensaje diferente cada vez que tocamos”, dijo Beauford a Guitar Center. “Si tocas lo mismo cada vez, todos lo notarán”.
40. Jack DeJohnette
Pianista desde los cuatro años, Jack DeJohnette no empezó a tocar la batería hasta los 18. Ese comienzo tardío no lo puso en desventaja: una etapa temprana en la institución de vanguardia de Chicago, la Asociación para el Avance de los Músicos Creativos, lo llevó a presentaciones en vivo con John Coltrane, un lugar en las listas de éxitos con el cuarteto de Charles Lloyd y luego a una colaboración con Miles Davis, cuando el trompetista se preparaba para el ícono de la fusión de los años 70, Bitches Brew. “Tocar con Miles fue genial, porque a Miles le encantaba la percusión”, explicó DeJohnette a Jazz.com en 2009. “Todo surgió de la percusión. Amaba el boxeo, era un gran aficionado al boxeo, y creía que la percusión en el jazz tenía características similares”. Como director de banda y compositor, DeJohnette combina todo lo que ha aprendido (el experimentalismo perfeccionado en la AACM, la integridad de Coltrane, el ritmo boxeador de Davis) con su talento innato para crear piezas memorables.
39. Ramón “Tiki” Fullwood
"Hombre, ese es el baterista de pie más rudo que he escuchado jamás", dijo Grady Thomas, vocalista del grupo de doo-wop de George Clinton, los Parliaments, refiriéndose a Ramon "Tiki" Fulwood. Cuenta la leyenda que, a la tierna edad de 17 años, Fulwood tuvo que colarse en los locales para tocar, y que más tarde Clinton tuvo que rogarle a su madre que lo llevara de gira. Su estilo poderoso, combinado con la guitarra salvaje de Eddie Hazel, marcó el final de los trajes en la banda, dando lugar a una mezcla psicodélica que cambiaría el mundo. Lo que se escucha en himnos animados como “Maggot Brain” son sus versiones características y poderosas: una interpretación disruptiva y extrovertida que luego se convertiría en una fuente de samples para los productores de hip-hop. “Tiki era el epítome del espectáculo, tenía poder”, dijo la madre de Hazel Grace. Quiero decir, eso sonó como si hubieran explotado un montón de bombas allí atrás.
38. Jim Keltner
Jim Keltner en Guitar Center
Jim Keltner es uno de los bateristas de estudio más reverenciados, habiendo sentado las bases para miles de grabaciones como Imagine de John Lennon, “Photograph” de Ringo Starr, gran parte de la producción en solitario de George Harrison, ambos LP de Traveling Wilburys, Full Moon Fever de Tom Petty, “Knockin' on Heaven's Door” de Bob Dylan y “Josie” de Steely Dan; Sin olvidar las colaboraciones con Harry Nilsson, Bee Gees, Pink Floyd, Randy Newman, Carly Simon, Joni Mitchell, The Pretenders, Fiona Apple y Oasis. Nació en Oklahoma, creció en Pasadena, California y comenzó a trabajar como músico de sesión en la década de 1960, iniciando una carrera que ha tocado prácticamente todas las iteraciones del pop y el rock. Keltner es conocido por sus acompañamientos sólidos, su atmósfera relajada, sus sutilezas jazzísticas y su versatilidad. "Él reacciona a todo lo que sucede en la industria musical", dijo Leon Russell, quien ha trabajado con Keltner a menudo a lo largo de los años. Una característica del estilo de Keltner es su comportamiento tranquilo. “A lo largo de los años, mucha gente me ha dicho: 'No suena como si estuvieras tocando cuando estás tocando'”, dijo una vez, y agregó: “Al igual que la guitarra, hay muchas formas diferentes de tocar la batería”.
37. Jeff Porcaro
El baterista de Toto, Jeff Porcaro, fue una presencia pop constante durante los años 70, 80 y 90. Su ágil trabajo con el palo le dio a “Beat It” de Michael Jackson gran parte de su impacto, ayudó a que “I Keep Forgettin'” de Michael McDonald sonara a fuego lento con nostalgia y creó el “Rosanna Shuffle” para el éxito homónimo de su banda. “Jeff siempre fue fundamental para convertir una canción en una pieza grabada”, declaró Steve, colega y hermano de Porcaro, a Rhytm en 2013. “Era como un rayo en el estudio. Nunca se aburría. … Se le ocurrían las mejores partes al instante, como si llevara años tocándolas”. Porcaro murió en 1992, poco después de la finalización del octavo álbum de Toto, Kingdom of Desire; También tocó en Human Touch de Bruce Springsteen, y se dice que rechazó una oferta de un millón de dólares para salir de gira con el Boss para poder tocar con su banda insignia.
36. Steve Smith
A pesar de haber pasado la mayor parte de los últimos 30 años vagando por el circuito de jazz fusión y encabezando clínicas de batería, de 1978 a 1985 las habilidades sobrehumanas de Steve Smith acompañaron a los rockeros increíblemente populares Journey en su mejor momento, con videojuego y todo. Su parte en el clásico inspirador “Don't Stop Believin'” es una intrincada secuencia de mano abierta en la que toca el hi-hat con su mano izquierda mientras su mano derecha se mueve por el resto del kit. Es tan sobresaliente como la voz ronca de Perry. “Recuerdo el último episodio de Los Soprano, cuando empezó a sonar ‘Don’t Stop Believin’ de Journey”, dijo el baterista Peter Erskine a Drum! Smith forma parte de un cambio importante en los medios estadounidenses... ¡Y aquí está Smith en un contexto diferente, tocando el hi-hat con Jo Jones! ¿Cuántos más podrían liderar una banda así y además tocar el hi-hat?
35. Fred Below
Antes de los Funk Brothers de Motown o los MG's de Stax, grupos más sueltos de músicos de sesión reunidos por sellos dieron forma al sonido R&B de mediados del siglo XX; entre ellos se encontraban artistas como Fred Below de los Aces, cuyo trabajo elegante, fuerte pero delicado para Chess Records de Chicago fue esencial para impulsar la música de Little Walter, Muddy Waters, Bo Diddley, Chuck Berry y Howlin' Wolf hacia nuevos territorios. Después de comenzar como baterista de jazz, tuvo que encontrar su camino en el blues. “Lo que hacía fascinante al blues era que era un género desconocido para mí, ¡y no lo enseñaban en la escuela!” Él recordó. “Así que tuve que interpretarlo de una manera que tuviera sentido para mí”. Al escuchar “I'm Ready” de Muddy Waters o “School Days” de Chuck Berry, el talentoso alcance y el toque de Below son nítidos; Sin florituras de ningún tipo, alimentó el motor de blues eléctrico del ajedrez.
34. Mickey Hart y Bill Kreutzmann
Mickey Hart se unió al miembro fundador de Grateful Dead, Bill Kreutzmann, en 1967, convirtiendo a los Dead en uno de los primeros conjuntos de rock con dos bateristas. Ninguna otra banda de rock ha llevado la simbiosis de la percusión tan lejos. “El lenguaje que comparto con Bill no tiene palabras”, dijo Hart. “Es un lenguaje corporal, guiños y movimientos… un lenguaje secreto que no podemos describir”. O como dijo Kreutzmann: “Mickey se siente más en un staccato en semicorcheas rectas, mientras que yo tiendo más hacia los puntos de valor”. Hart también utiliza RAMU, su “Universo Musical de Acceso Aleatorio” digital, y el infame “beam”, un “monocordio pitagórico” de ocho pies con 13 cuerdas. En 1979, los Dead habían reemplazado su pilar estelar "Dark Star" por lo que se denominó "Drums>Space", un dueto de batería que evolucionó hasta convertirse en un boleto de forma libre a regiones musicales previamente inexploradas, llevando la vanguardia a legiones de fanáticos de todo el mundo.
33.Tony Allen
"Es increíble", dijo Tony Allen citando al inventor del afrobeat Fela Kuti. “Por la forma en que tocas, ni siquiera necesitarías un percusionista”. Una máquina de ritmo radicalmente polirrítmica, este innovador nigeriano-ghanés añadió jazz y funk a géneros locales de África occidental como el highlife, el apala y el mambo nigeriano. Allen estaba tocando jazz en Lagos cuando conoció a Fela, quien lo contrató como baterista y director de banda, primero en Koola Lobitos y luego en Africa 70, desde 1965 hasta 1979, cuando Allen se fue debido a las “ideologías dictatoriales” de Fela y sus políticas equivocadas. Fela admitió que no habría Afrobeat sin Allen, cuya influencia ha llegado a Talking Heads, Gorillaz e innumerables artistas de afrofusión. Después de dejar Fela, Allen continuó lanzando sobre varias colaboraciones y síntesis solistas híbridas que él llama afrofunk. “Soy un tipo fuerte”, admite. “Me gusta tocar la batería de la misma manera que… me comporto en la vida”.
32. James Gadson
James Gadson: Batería Funk R&B
Aunque es originario de Kansas City, es difícil imaginar un baterista más importante en la historia de Los Ángeles que James Gadson. Inicialmente alcanzó la fama a fines de la década de 1960 como miembro clave de la 103rd St. Rhythm Band de Watts (famosa por “Express Yourself”) y luego con la banda de Bill Withers, mientras se mantenía ocupado como uno de los músicos de sesión más prolíficos de la ciudad. Su mano firme ha acompañado todo, desde “Dancing Machine” de los Jackson 5 hasta “Happy People” de los Temptations y “I Want You” de Marvin Gaye. Quiero decir, tocó en 'Let's Get It On'. …Gadson encarna ese sonido”, dijo Jamie Lidell a Pitchfork. Cada vez que toco con él, siento una telepatía increíble que nunca he experimentado con ningún otro músico. Me mira con una sonrisa y toca ese maldito ritmo a la perfección. Y cuando termina la canción, dice: "¡Te seguí!". “No tiene ni una pizca de egocentrismo”.
31. Roger Hawkins
ronee blakely - por favor VIVE con los Swampers
Jerry Wexler, el productor que acuñó el término “rhythm & blues”, llamó a Roger Hawkins “el mejor baterista del mundo”. Como todos los Swampers, como se les conocía cariñosamente a él y a sus colegas de la Sección Rítmica de Muscle Shoals, Hawkins se destacó por adaptar su estilo personal a las necesidades de una sesión. Wilson Pickett ideó el ritmo que quería para “Land of 1000 Dances” golpeándose la pierna con las manos y Hawkins continuó desde allí; Paul Simon buscaba un ritmo particular para “Kodachrome” y el baterista lo cristalizó golpeando un paquete de cinta adhesiva. El intrincado motivo de platillos que Hawkins construye sobre “Chain of Fools” de Aretha, los punzantes ritmos funk que recorren “I’ll Take You There” de Staple Singers, el drama sutil que subyace a “When a Man Loves a Woman” de Percy Sledge… todo ello hace que sea difícil estar en desacuerdo con Wexler.
30. Clifton James
1969 - John Lee Hooker - Boom Boom (Video en vivo)
"Cuando participé en la grabación de 'Bo Diddley' en 1955, toda la escena musical cambió", dijo el guitarrista homónimo. “Los chicos blancos tiraron a Beethoven a la basura”. Aunque el anclaje basado en toms ha sido denominado "el ritmo de Bo Diddley", el baterista Clifton James merece el mismo crédito por crear ese trueno de proto-rock. Nacido en Chicago con 13 hermanos, James aprendió a jugar con sillas y latas. Tocó en grabaciones de leyendas del blues de Chicago: Muddy Waters, Howlin' Wolf, Koko Taylor, Buddy Guy, Willie Dixon, Sonny Boy Williamson, pero su mayor contribución fue como baterista de Diddley de 1954 a 1970. "En realidad, fue más una idea de Clifton James para ese ritmo en ese momento que de Bo Diddley", dijo Dixon. De todos los bateristas que Bo Diddley tuvo, ninguno lo satisfizo tanto como Clifton James... Cuando trabajaron juntos, crearon algo tan maravilloso que, al final, uno no servía sin el otro.
29. Carlton Barrett
Sesión de improvisación de Bob Marley con Tyrone y Carlton en el estudio Criteria 1980
Nada suena más auténticamente reggae que los retumbantes tom-toms seguidos por el chasquido del bombo de Carlton “Carlie” Barrett, que dio origen a miles de canciones. Posiblemente el músico más influyente de la música reggae, Barrett popularizó el ritmo distintivo del género, “one drop”, en la banda solista de Waiters y Bob Marley. “Field Marshal” y su hermano bajista Aston “Family Man” Barrett redujeron el ritmo del rocksteady hacia los ritmos lentos y concentrados que llegaron a definir las raíces clásicas del reggae. Su batería discreta, que se escucha en temas como "Duppy Conqueror", "Soul Rebel" y "Small Axe", y sus hi-hats de tresillos sirvieron como un rayo tractor para sus fanáticos rabiosos hasta su asesinato en 1987, cuando tenía 36 años. "Debido a que la batería se remonta a los días de la esclavitud y África, [el género] proviene de una rica historia", le dijo a Modern Drummer. “Los talentosos bateristas de reggae hacen del acto de tocar una experiencia espiritual”.
28. Carmín Appice
Solo de batería de Carmine Appice
Carmine Appice, un colaborador valioso y una figura influyente con un estilo inconfundible, literalmente escribió el libro sobre batería de rock: su texto de 1972 The Realistic Rock Drum Method ha sido un hito desde su primera publicación. Appice se hizo un nombre a finales de los años 60 con el excéntrico ensamble psicodélico Vanilla Fudge (influyendo en un joven John Bonham con sus ritmos funk disruptivos y agresivos) antes de pasar al blues-rock más pesado con Cactus y Beck, Bogert & Appice. Demostró su alcance en la Rod Stewart Band de finales de los años 70, aportando ritmos ingeniosos y una asistencia indispensable en la composición de éxitos como "Da Ya Think I'm Sexy". (Según se dice, Stewart llamaba a Appice “El dentista” porque usaba “demasiados rellenos”). Más recientemente, se ha mantenido ocupado tocando en shows de “Drum Wars” con su hermano menor, otro percusionista de hard rock de élite, Vinny (Dio, Black Sabbath). Según Appice, algunas de sus mayores innovaciones surgieron de las limitaciones que encontró al tocar rock en vivo durante sus años de formación: «Todo lo que hacíamos —lo que se me atribuye haber iniciado— lo hice por necesidad», declaró Appice a la revista Drum en 2011. «Fui pionero en el uso de tambores más grandes y toqué con empuñaduras de baquetas en mis inicios. Lo hacía porque no había sistemas de sonido».
27. Dave Grohl
Dave Grohl - Batería - En vivo en el Paramount
La batería incansable y poderosa de Dave Grohl, forjada en la escena punk de los años 80 en Washington, D.C., fue la herramienta perfecta para transformar a Nirvana de Seattle de una banda de grunge indie en un ícono multiplatino. Kurt me llamó y me dijo: "Tengo al mejor baterista del mundo ahora. Toca cada vez más fuerte que nadie que haya conocido", le contó Butch Vig, productor de Nevermind , al biógrafo de Grohl, Martin James. “Y yo dije: 'Sí, claro'”. Pero tenía toda la razón… No había micrófonos [en la batería] en esa sala y, sin embargo, acústicamente sonaba como si hubiera amplificadores”. Grohl perfeccionó su estilo único en los suburbios de Washington D. C. tocando sobre almohadas con gruesas baquetas de banda de música: «Por eso golpeaba la batería con tanta fuerza», declaró a Spin en 1997, «tocando sobre almohadas, subiendo y bajando con esos malditos éxitos mientras escuchaba Violent Pacification de D.R.I. Hice todo eso hasta que las ventanas de mi habitación se empañaron por el sudor. Era como hacer ejercicio».
26. Danny Carey
Herramienta - Solo de batería de Danny Carey (Lateralus)
Recién salido de una desafortunada temporada a finales de los 80 con la innovadora banda Green Jellÿ (bajo el seudónimo de Danny Longlegs), Danny Carey se unió a la futura potencia del metal alternativo Tool en 1990. En los años transcurridos desde entonces, el nativo de Kansas de 1,96 m se ha establecido como el heredero natural de los gigantes del progresivo de los 70 como Neil Peart y Bill Bruford, y uno de los bateristas de rock más admirados de su generación. El estilo de Carey combina una ambición cerebral, un talento para los polirritmos y la métrica inusual, con una fuerza absoluta y una sensación fluida y sin esfuerzo. “No significa nada si sólo escuchas los tambores haciendo acrobacias”, dice. “No quiero que la gente diga: 'Esto está que arde'”. Preferiría oírles decir: “Esto me recuerda a los moros bajando las colinas, o a los escoceses cargando con la cabeza en llamas, completamente desnudos en pleno invierno”.
25. Earl Palmer
Earl Palmer - Solo de batería de "Caravan"
Earl Palmer, uno de los bateristas más grabados de la historia, fue un artista que definió el papel del sideman. Palmer, un consumado lector, improvisador, músico de bolsillo y acompañante, de Nueva Orleans, tocó en canciones que definieron la región como “Good Golly, Miss Molly” de Little Richard, “I'm Walkin'” de Fats Domino y “Tipitina” de Professor Longhair. Después de mudarse a California, rápidamente se convirtió en uno de los músicos de sesión más solicitados. Como dijo Carol Kaye, miembro de Wrecking Crew: “Earl era más alto que todos… era el mejor baterista que jamás había escuchado”. El gran volumen de sus grabaciones significa que sus ritmos ayudaron a definir el beat estadounidense: “La Bamba” de Richie Valens, “Summertime Blues” de Eddie Cochran, “You've Lost That Lovin' Feeling” de Righteous Brothers y “You Send Me” de Sam Cooke son solo la punta de un iceberg que incluso incluye melodías populares como el tema de Los Picapiedra. “Cuando el pulso del rock & roll te atrapa y no te suelta, se convierte en el Big Beat”, dijo Max Weinberg. “Fue entonces cuando Earl Palmer se apoderó de 'Lucille' de Little Richard como si estuviera blandiendo bates de béisbol y pateando un bombo de 30 pies”.
24. Steve Gadd
Steve Gadd Band: "Camino de regreso a casa"
El baterista de jazz inglés Pete Fairclough dijo que Steve Gadd “no toca groove, cava una trinchera”. Dice que en el apogeo de su carrera en la escena de sesiones de Nueva York de los años 70, tocaba tres sesiones al día, dándole a una década de rock un tono funk profundo y suave. Sus obras más conocidas son la compleja síncopa de “50 Ways to Leave Your Lover” de Paul Simon y los ruidosos hi-hats con rellenos monstruosos de “Aja” de Steely Dan, pero Gadd infundió un ritmo animado en cientos de grabaciones, incluido el fenómeno disco número uno de Van MacCoy, “The Hustle”. “Todos los bateristas quieren tocar como Gadd porque toca perfecto”, dijo Chick Corea. “Aportó a la batería una mentalidad orquestal y compositiva, además de poseer una gran imaginación y un gran talento para el swing”.
Elvin Jones
Solo de batería de Elvin Jones
Nacido en 1927 en una familia de músicos en Pontiac, Michigan, Elvin Jones fue uno de los pocos artistas que cambiaron la definición de cómo debería trabajar un baterista durante su vertiginosa colaboración de cinco años con el Cuarteto John Coltrane. Impecable en el ritmo y de tremenda delicadeza, Jones es mejor recordado por llevar a Coltrane a la estratosfera con su poder elemental, dispersando y distribuyendo el ritmo entre sus cuatro extremidades. “No hay nada nuevo en llevar el ritmo, es solo que algunas personas lo hacen mejor que otras”, declaró Jones a Down Beat en 1977. “Algunas personas son más sensibles a los ritmos, y cuanto más sensible seas, más sutil serás”. Los primeros bateristas de hard rock a los que influyó –Ginger Baker, Mitch Mitchell, John Bonham– seguramente estarían de acuerdo.
22. Levon Helm
La vida es un carnaval - Percusión instructiva de Levon Helm
En su libro de 1984, The Big Beat, Max Weinberg rindió un merecido homenaje a Levon Helm, el legendario baterista cantante de la banda: "El tono apagado de 'The Night They Drove Old Dixie Down', los toms atronadores de 'Up on Cripple Creek' y el ritmo cansado pero decidido de 'The Weight' muestran que Levon pertenecía a la rara especie de baterista que podía marcar no solo el tempo sino también la escena en la historia de una canción". Nacido en la pequeña Marvell, Arkansas, Helm pasó los últimos años de la década de 1950 y principios de la de 1960 tocando en lugares de América del Norte como miembro de la banda de acompañamiento de Ronnie Hawkins. En 1965, Helm y los otros Hawks estaban tocando para Bob Dylan en su primera gira eléctrica; En 1968, cambiaron su nombre a The Band y comenzaron a grabar canciones originales que giraban en torno al ritmo inimitable de Helm y su tono feroz. A pesar de la amargura por la decisión de Robbie Robertson de disolver el grupo después de la actuación de 1976 en San Francisco, “Last Waltz”, la película que Martin Scorsese hizo de la excelente actuación final es un monumento al carisma y la autoridad musical de Helm. En los últimos años del baterista, cuando su salud se deterioraba junto con sus finanzas, ofreció conciertos en un granero de su propiedad en Woodstock. Noche tras noche, incluso cuando los tratamientos para el cáncer de garganta habían convertido su voz en un suave ronquido, tocaba con alegría canciones antiguas y nuevas, manteniendo vivo el espíritu de la Banda en los llamados Midnight Rambles. “Fue un amigo fraternal hasta el final”, dijo Dylan sobre Helm después de su muerte, “uno de los últimos espíritus verdaderamente grandes de mi generación y de todas las demás”.
21. Ian Paice
Deep Purple - La Mula | Ian Paice - Solo de batería en vivo en Dinamarca, 1972
Sin el único miembro constante de Deep Purple, Ian Paice, no tendríamos batería de heavy metal. Paice, una leyenda del rock épico que “nunca ha tocado con tapones para los oídos”, es un profesional de la vieja escuela que toca rápido, feroz y con todo. Fanático de Frank Sinatra, Ringo Starr y el baterista de Count Basie, Sonny Payne, Paice infundió éxitos como “Hush” y “Smoke on the Water” con un swing estudiado y contagioso. El guitarrista de Deep Purple, Steve Morse, comentó a Drum!: «Su swing es perfecto. Y su dinámica es genial. El baterista de mi trío, Van Romaine, lo llama el «Steve Gadd del rock». …Es como una locomotora gigante que avanza a toda velocidad por las vías, con todo sincronizado”.
20. Bernard Purdie
Aunque Bernard “Pretty” Purdie era conocido por el apodo de “Mississippi Bigfoot”, el prolífico músico de sesión creció en Maryland antes de mudarse a Nueva York a principios de la década de 1960, donde comenzó en sesiones con artistas de jazz como Nina Simone y Gabor Szabo. Conocido por sus "notas fantasma" en el hi-hat, Purdue pronto se convirtió en uno de los bateristas más solicitados en toda la industria musical, trabajando durante muchos años como director musical de Aretha Franklin cuando no estaba ocupado grabando con Steely Dan o Mongo Santamaria o Bob Marley. La pregunta no es con quién jugó Pretty Purdie; pero con quien no ha jugado. "Bernard siempre hacía algo estilísticamente único que nunca esperarías de nadie más", recordó Walter Becker de Steely Dan.
19. Tony Williams
Clínica de batería de Tony Williams 1985 pt.1/3
El debut en 1963 de Tony Williams, con diecisiete años, junto a Miles Davis sigue siendo una de las entradas más impactantes de la música del siglo XX. “Chico, sólo escuchar a ese pequeño hijo de puta me hizo animarme otra vez”, escribió el trompetista en su autobiografía, Miles. “Supe de inmediato y sin lugar a dudas que iba a ser uno de los mayores hijos de puta que jamás haya tocado una batería”. Cuando se unió a Miles, ya había hecho importantes contribuciones a la vanguardia del jazz junto con el saxofonista Jackie McLean y otros. Pero fue su papel en el llamado Segundo Gran Quinteto de Davis lo que lo convirtió en una leyenda. A Davis le encantaba trabajar con músicos de sesión que no se lo tomaban con calma, y Williams, con sus vertiginosas secuencias de platillos ride, acentos explosivos y distorsiones de tiempo radicales, estaba más que feliz de complacerlo. Es apropiado que cuando dejó a Miles en 1969, le ganó al trompetista el ritmo del jazz-rock y formó la genial banda Lifetime con el futuro guitarrista de Mahavishnu Orchestra, John McLaughlin, y el organista Larry Young. En la década anterior a su prematura muerte en 1997, Williams regresó al jazz acústico, tocando, como siempre, con brutal intensidad. Su inspiración cruza géneros. “Para mí no sólo fue un maestro técnico, el innovador de su época, sino también un innovador del sonido”, dice Cindy Blackman sobre Williams. “Tenía tantas cosas que elevaron el nivel del sonido y la habilidad necesaria para tocar este tipo de música”.
18. Joseph “Zigaboo” Modeliste
Zigaboo Modeliste con sus amigos Cissy Strut en vivo en el Rockefeller
El periodista de Rolling Stone, Joe McEwen, describió una vez la batería de Zigaboo Modeliste como “lanzar la técnica al viento… producir ritmos despreocupados… en un feroz movimiento de brazos”. Ese estilo pugilístico, una característica poderosa del trabajo de Modeliste con los Meters a principios de los años 70, consolidó su estatus como uno de los bateristas de funk más líricos de todos los tiempos. El estilo de Modeliste estaba impregnado de la interpretación tradicional de segunda línea de Nueva Orleans, donde nació y generaciones de bateristas habían diseñado un flujo sincopado lineal, casi melódico. En cortes de Meters como “Cissy Strut” y “Just Kissed My Baby”, el trabajo de baquetas de Modeliste prácticamente hace que la percusión cante. Después de dejar los Meters a mediados de la década de 1970, continuó demostrando su talento para aportar un enfoque personal al mundo más amplio de la música al trabajar con luminarias del rock como Keith Richards y Ron Wood.
17. Terry Bozzio
Actuación solista de batería de Terry Bozzio: los cambios de Pat
“No me interesa en absoluto dar un espectáculo”, dijo Terry Bozzio a Rolling Stone en medio de una gira en solitario con lo que llamó “el set de percusión más grande del mundo”. La declaración puede parecer contradictoria viniendo de Bozzio, quien se hizo famoso trabajando con Frank Zappa a fines de los años 70, en un momento dominando la pieza endiabladamente difícil y con mucha percusión del compositor "The Black Page", pero el veterano baterista siempre ha sido mucho más que un virtuoso técnicamente conocedor. Después de colaborar con Zappa, Bozzio se convirtió en parte integral del supergrupo de post-prog UK y luego, con su entonces esposa, en cocreador de la influyente banda de new wave de los 80 Missing Persons, en la que adaptó sus emocionantes habilidades a una estructura pop ligera. Aunque en los últimos años ha aparecido sobre todo en clínicas y actuaciones en solitario o con varios supergrupos selectos, sus colaboraciones con bandas que van desde Korn hasta Fantômas de Mike Patton, cantante de Faith No More, son prueba de una gama sorprendente.
16. Bill Bruford
Bill Bruford Solo de batería.
Un percusionista con la destreza técnica de un músico clásico, la sutileza y espontaneidad de un improvisador de jazz y el impulso emocional de un baterista de rock, Bill Bruford era un artista completo cuando llamó la atención del público por primera vez en los primeros cinco álbumes de Yes. En 1972, con la banda al borde del estrellato mundial, Bruford se fue a King Crimson, demostrando durante los dos años siguientes cómo un baterista de rock podía encontrar nuevos enfoques para los temas básicos de una lista de canciones noche tras noche, mientras simultáneamente creaba música nueva de la nada. A lo largo de dos períodos más con King Crimson –“mi hogar espiritual, aunque sea una cama de clavos, durante un cuarto de siglo”, escribió en su autobiografía de 2009– Bruford se reinventó como un sabio del funk polimétrico (1981-1984), y como el elemento caótico en una formación de dos tambores (1994-1996), dándole amplio espacio a su amado proyecto postbop, Earthworks. Tras retirarse de la actuación en 2009, completó su doctorado en febrero; ahora podemos llamarlo Doctor Bruford.
15. Buddy Rich
BUDDY RICH IMPOSIBLE BATERÍA SOLAMENTE *HQ*
Rich, una estrella de vodevil autodidacta cuando era niño, su técnica inigualable y su velocidad invicta pronto le permitieron superar al actual campeón de batería de jazz Gene Krupa, quien lo llamó "el mejor baterista que jamás haya respirado", y hacer carrera tocando con Tommy Dorsey, donde conoció a su rival, amigo y benefactor Frank Sinatra, quien pronunció su panegírico 40 años después. Pero la influencia de Rich llegó mucho más allá de la era de las big bands o incluso del jazz en sí: fue el primer baterista estadounidense al que muchos de los primeros rockeros británicos escucharon, enseñó a fans como John Bonham y Bill Ward a ir más allá de un simple backbeat y lanzarse a poderosas secuencias de improvisación, alentando a Phil Collins a abandonar la configuración del doble bombo para concentrarse en el hi-hat y simplemente asombrando a Roger Taylor. “Diría que desde un punto de vista puramente técnico es el mejor que he visto”, recordó el baterista de Queen. Recuerdo que hizo una especie de rueda de prensa que duró unos cinco minutos. Empezó como un susurro, apenas se oía, y luego fue creciendo y llenó toda la sala, con capacidad para unas 3500 personas, y fue como un trueno.
14. Ringo Starr
Ringo Starr en el Ryman - 10. Niños
“Recuerdo el momento. Estaba allí parado y miré a John y luego a George, y dijimos: '¡Rayos! ¿Qué es esto?'”, dijo Paul McCartney, recordando la primera vez que los Beatles tocaron con Ringo Starr. “Y ese fue el momento, ese fue realmente el comienzo de los Beatles”. Aunque a menudo se lo pasa por alto en los llamativos finales de los años 60 que produjeron a Keith Moon y Mitch Mitchell, Ringo no solo respaldó a la mejor banda de todos los tiempos, sino que ayudó a dar forma y centrar su música: escuche los redobles extáticos que abren "She Loves You", la exuberancia limpia de "Ticket to Ride", el elusivo trabajo de platillos y la lánguida brevedad de "Rain", o cómo insertó ganchos rítmicos tan hermosos como memorables en tantas otras canciones queridas de los Beatles. A nivel personal, su amistosa cordialidad lo convirtió en el miembro más accesible. “John tuvo sus altibajos”, dijo Yoko Ono, “pero Ringo siempre fue muy dulce. Y creía firmemente en la paz y el amor”. Starr, un baterista zurdo que utiliza un kit para diestros, inventó su propio estilo de crear "rellenos especiales" nítidos y exuberantes, mientras que su sólida confiabilidad se convirtió en un estándar de referencia temprano para los músicos de rock sensatos, dándole a cada canción sensación, swing y una solidez inquebrantable. “Ringo era el rey de la atmósfera”, dijo Dave Grohl. Jim Keltner dice: “Él era el tipo al que todos intentábamos imitar en el estudio”.
13. DJ Fontana
"Hound Dog" de Elvis Presley: lección de batería
En cientos de las primeras grabaciones de Elvis Presley, Dominic Joseph “DJ” Fontana fue la vanguardia de la batería del rock & roll, aportando ritmo a la música hillbilly en una época en la que las bandas de country y bluegrass evitaban por completo la percusión. Fue el primero en probar una sucesión de riffs frecuentemente imitados, desde los animados golpes de caja de “Blue Suede Shoes” hasta las aullantes cuerdas de ritmos que hicieron aullar a “Hound Dog”. «Tenía una técnica increíble y manos rápidas, así que podía tocar esos redobles a lo Buddy Rich cuando quería. Tocaba como un baterista de jazz, todo el tiempo», dijo Levon Helm. Así que Elvis tenía una base sólida, una pequeña estructura, y la aprovechó al máximo. DJ le había dado alas a Elvis.
12. Charlie Watts
Charlie Watts / Jumpin' Jack Flash
Keith Richards dijo una vez que cuando se formaron los Rolling Stones, "no podían permitirse" tener al baterista Charlie Watts, quien había sido el baterista de rocksteady del más establecido Blues Incorporated de Alexis Korner. Más tarde, los Stones lo conquistaron y le pidieron que se uniera a la banda. "Ustedes son increíbles, hombre", le dijo a Richards, "pero necesitan un baterista con agallas". Aparte de alguna aparición ocasional en un proyecto de jazz paralelo, Watts complementó perfectamente a Jagger, Richards y el resto del grupo con sus ritmos vibrantes ("Brown Sugar"), sus ritmos inquietos de cuatro por cuatro ("Satisfaction") y su impresionismo velado ("Sympathy for the Devil"), del que rara vez hizo gala durante más de 50 años. “Cuando Charlie se unió a nosotros, realmente nos completó”, dijo Richards. "Charlie puede ser rapidísimo y aun así ser increíble. Ese es su estilo", dijo Jim Keltner a Drum! “No puede explicarlo y no me gusta entrar en detalles con él, simplemente me sorprende”.
11. Benny Benjamin
Durante años, Berry Gordy se negó a grabar a menos que el dinámico Benny Benjamin estuviera en el estudio. "Tenía un talento especial que le permitía tocar diferentes ritmos al mismo tiempo", dijo el fundador de Motown sobre su baterista de sesión principal. “Tenía un ritmo, una firmeza, que marcaba el ritmo mejor que un metrónomo”. Benjamin trabajó en innumerables éxitos de Motown, desde “Money (That’s What I Want)” de Barrett Strong hasta “My Girl” de Temptations, junto a otros músicos de sesión a quienes apodó Funk Brothers y que lo llamaban “Papa Zita”. Aunque a menudo se mantenía alejado del estudio por sus adicciones antes de morir de un ataque cardíaco en 1969, Benjamin fue sin embargo mentor de un joven Stevie Wonder, quien le atribuye al músico mayor su propio estilo de batería. “Solo escucharlo me enseñó muchísimo”, dijo Wonder en 1973. “Hombre, era uno de los grandes impulsores del sonido Motown. Benny podría haber sido el mejor”.
10. Stewart Copeland
La Policía - Reggatta De Blanc (Old Gray Whistle Test '79)
Puede que las melodías de Sting se hayan hecho populares, pero el sonido de Police se debe a la forma de utilizar el espacio de Stewart Copeland, su sutileza y su agresividad. Sin duda, es el baterista influyente menos inclinado a utilizar la caja (que, sin embargo, sigue siendo inusualmente brillante y cortante) y sus partes características a menudo implican intrincadas secuencias de hi-hat (como en “Red Rain” de Peter Gabriel). Su padre, Miles, era un diplomático que llevó a la familia a vivir a varios lugares de Oriente Medio, y esa peculiar infancia impregnó a The Police de acentos rítmicos lejos de su tierra natal, Inglaterra. A pesar del persistente antagonismo, Sting admitió que "el primer disco [de la banda] fue en todo sentido un tributo a la energía y concentración de Stewart". “Pasé todos estos años intentando conseguir una caja o un hi-hat Stewart Copeland”, dijo Les Claypool de Primus, quien empezó a tocar con él en el año 2000, “y se sienta detrás de esta [batería] con esos parches decrépitos que simplemente estaban ahí… Y de repente apareció este sonido de caja Stewart Copeland. Me hizo darme cuenta de que todo se reduce a cómo ataca la batería, a cómo toca”.
9. Al Jackson Jr.
Al Jackson Jr., el baterista de sesión del legendario sello de soul Stax, fue conocido como "el cronómetro humano" hasta su muerte en 1975 a los 40 años. Durante ese período, los ritmos marcadamente swing pero asertivos de Jackson dieron lugar a canciones legendarias de Wilson Pickett, Otis Redding y Al Green (con quien Jackson escribió el éxito "Let's Stay Together"); Y a medida que su reputación crecía, superestrellas de fuera del mundo del R&B como Eric Clapton comenzaron a demandar el genio de la percusión de Jackson. Como cofundador y miembro clave de Booker T. & the MGs, Jackson ayudó a allanar el camino para el ritmo tanto en el funk como en el hip-hop. "Lo considero a la altura de Ray Charles o Billy Preston, en una clase aparte", dijo Sam Moore de Sam & Dave, quien tocó en piezas como "Soul Man" y "Hold On, I'm Coming". “Te lo diré directamente: podía hacer que la mierda oliera bien”.
8. Mitch Mitchell
Mitch Mitchell - Solo de batería Estocolmo 1969
"Tocaba la batería como si fuera una canción; era simplemente maravilloso", dijo Roger Taylor de Queen, elogiando la "fusión de técnicas de jazz y riffs fantásticos de Mitch Mitchell, pero con ese feroz ataque de caja por toda la batería... Integración total en la canción. No solo marcaba el ritmo". Y Stewart Copeland, de The Police, admitió: "Todo lo que hice y de lo que estaba tan orgulloso, creía que lo había inventado yo mismo. Pero no, lo heredé de Mitch". Sin embargo, en 1966, cuando llegó el momento de elegir un baterista para Jimi Hendrix Experience, la decisión quedó literalmente al azar: se lanzó una moneda para decidir entre Mitch Mitchell y Aynsley Dunbar. Mitchell salió victorioso, y el enérgico discípulo de Elvin Jones aportó una improvisación distintiva al power trío de Hendrix, construyendo un ritmo inconfundiblemente ajustado y poderoso que luego se desvanece en una contraparte fluida pero estructurada de la guitarra de Jimi.
7. Gene Krupa
Batalla de tambores entre Buddy Rich y Gene Krupa - 1966 - en el Sammy Davis Jr. Show -
“Fue el primer baterista de rock en muchos sentidos”, declaró Neil Peart a NPR sobre Gene Krupa en 2015. “Fue el primer baterista en dominar el escenario y el primer baterista en ser reconocido por sus solos… Hacía cosas que eran básicamente fáciles, pero siempre las hacía sonar espectaculares”. El ataque desenfrenado de Krupa, su bombo de cuatro por cuatro y su trabajo de cencerro frenéticamente funky (influenciado por los bateristas de Nueva Orleans Baby Dodds y Zutty Singleton) llevaron a la innovadora orquesta de jazz de Benny Goodman a nuevas alturas en la década de 1930 e inspiraron a una generación de futuros gigantes del rock, entre ellos Keith Moon y John Bonham. Junto con Buddy Rich, su adversario en las épicas batallas de tambores que inspiraron los vídeos “Gospel Chops” de hoy, Krupa es el padrino del arte de la batería como deporte y espectáculo. La tradición viva de las interpretaciones de percusión alucinantes, desde “Moby Dick” de Bonham hasta “The Rhythm Method” de Peart, sería impensable sin él.
6. Clyde Stubblefield y John “Jabo” Starks
En el apogeo de la evolución rítmica de su banda, la sección de percusión de Brown estaba en manos no de uno sino de dos maestros bateristas: el tristemente subestimado John “Jabo” Starks y el mismísimo Mr. Funky Drummer, Clyde Stubblefield. Starks comenzó su carrera acompañando a músicos de jazz y blues, Stubblefield venía del R&B y, coincidentemente, ambos se unieron a la banda de Brown con pocas semanas de diferencia. Cada uno aportó un estilo original que complementó el del otro. Ahmir “Questlove” Thompson declaró una vez a la revista Rolling Stone: «Starks era para Clyde lo que los Beatles para los Stones. Un baterista preciso que armonizaba con el free jazz zurdo de Clyde». Juntos, su asociación ayudó a dar forma a algunas de las mejores canciones de Brown, incluidas “Cold Sweat”, “Superbad” y, por supuesto, “Funky Drummer”. Sus innovaciones se sintieron nuevamente y determinaron por completo la atmósfera de la época dorada del hip-hop.
5. Hal Blaine
Hal Blaine interpretando un papel en la reserva india
“Si Hal Blaine hubiera tocado la batería en ‘Be My Baby’ de las Ronettes, su nombre aún se pronunciaría con reverencia”, dijo una vez Max Weinberg. Pero el baterista, nacido como Harold Simon Belsky, hizo mucho más: grabó con Sinatra, los Beach Boys, Elvis y las Supremes, sólo por nombrar algunos. Líder de Wrecking Crew, el grupo de sesión de Los Ángeles que dominó el mundo de los estudios de grabación en los años 60 y 70, Blaine es el baterista más grabado de la historia. (Perdió la cuenta en 35.000, pero eso incluía 150 éxitos Top 10 y 40 números 1). Como percusionista detrás de "Wall of Sound" de Phil Spector, Blaine creó algunos de los ritmos más familiares del pop, pero el aspecto más memorable de Blaine es su capacidad camaleónica para adaptarse a cualquier sesión, y no solo detrás de un kit tradicional. Para “Caroline, No” de los Beach Boys, golpeó botellas de agua mineral, y para “Bridge Over Troubled Water” de Simon & Garfunkel, arrastró cadenas de neumáticos por un piso de concreto. “No soy un baterista llamativo”, reflexionó. “Quería ser una gran acompañante”. Misión cumplida.
4. Neil Peart
Solo de batería de Neil Peart - Rush en directo en Frankfurt
Cuando Neil Peart audicionó para Rush en 1974, sus compañeros de banda sintieron que tenía el potencial de capitalizar su fuerte admiración por The Who. "Quedamos absolutamente impresionados por la forma de tocar de Neil", recordó el guitarrista Alex en una entrevista a principios de este año. “Era muy al estilo Keith Moon, muy enérgico y golpeaba la batería muy fuerte”. Irónicamente, la mayor contribución de Peart a la batería de rock terminó siendo exactamente lo opuesto a la de Moon: la batería más precisa y meticulosamente planificada que el género haya visto jamás. A medida que las ambiciones de alto progreso de Rush maduraron en la segunda mitad de los años 70, Peart se reveló como un artesano meticuloso y un artista de ambición incontrolable (rasgos que también surgieron en sus letras fantásticas), utilizando implementaciones esotéricas como glockenspiel, temple Blocks y timbales para enriquecer partes de canciones como "Xanadu" y "The Trees". Así como la música de la banda definió los años 80, a través de obras maestras de transición como Moving Pictures y adoptando un sonido más pop, la música de Peart hizo lo mismo; Comenzó incorporando sutilmente percusión electrónica, recurriendo a innovadores populares como Stewart Copeland en busca de inspiración. Los trabajos más recientes de Rush, como Clockwork Angels de 2012, presentan algunas de las mejores interpretaciones de Peart jamás grabadas: una sorprendente armonía de ingenio y poder. Mientras tanto, a pesar de haber dejado de hacer giras recientemente, Peart sigue siendo quizás el baterista en vivo más reverenciado –y más inspirador en la batería aérea– de todo el rock, conocido como el arquitecto de solos asombrosos e intrincados.
3. Ginger Baker.
Panadero de jengibre; Solo de batería de sapo
Dotado de un inmenso talento y maldecido con un temperamento no menor, Ginger Baker combinó una educación de jazz con un poderoso estilo polirrítmico en el primer y más grande power trío del mundo. En constante contraste con sus compañeros de Cream, Jack Bruce y Eric Clapton, el baterista nacido en Londres trajo el sentido del espectáculo al mundo del rock con su uso extravagante del bombo y sus largos solos. Tras la disolución de Blind Faith, una organización de corta duración, Baker se mudó a Nigeria durante muchos años en la década de 1970. “Él entiende el ritmo africano mejor que cualquier otro occidental”, dijo uno de los creadores del afrobeat, Tony Allen. En los años transcurridos desde entonces, Baker ha incursionado en una deslumbrante variedad de proyectos, mostrando su inconfundible destreza, desde los intrincados ritmos de la subestimada aventura de Baker Gurvitz Army a mediados de los años 70, hasta colaboraciones de jazz con brillantes solistas como Bill Frisell y otras intrigantes con Public Image Ltd y Masters of Reality.
2. Keith Moon
Keith Moon - Who Are You (pista de batería aislada)
El “mayor baterista de la escuela de Keith Moon”, como él mismo se describía, detestaba la batería repetitiva del rock, así como detestaba la monotonía en la vida en general. Moon, la inspiración para el personaje de los Muppets, Animal, destruyó baterías y habitaciones de hotel con una ferocidad que lo convirtió más en un showman que en un baterista de rock. Es famoso que se negaba a tocar solos, y en su lugar consideraba la batería el instrumento principal de The Who. «Sus breaks eran melódicos», declaró el bajista John Entwistle a Rolling Stone, «porque intentaba tocar con todos los miembros de la banda a la vez». Moon the Loon metió redobles de batería donde no debían, y solo las pistas de sintetizador utilizadas en Who's Next estabilizaron su fluctuante sentido del tiempo. "Keith Moon es un auténtico músico de orquesta, como un timbalero o un platillo en una orquesta", dijo Stephen Perkins de Jane's Addiction. "Te hace sentir que es una parte importante, incluso si no está al final de cuatro compases". “Me encanta ese drama, esa teatralidad y me encanta la emoción”. Sin embargo, el truco favorito de Moon era arrojar poderosos explosivos en los baños de los hoteles, una broma que continuó haciendo hasta 1978, cuando murió de una sobredosis de drogas a los 31 años.
Cualquiera hubiera apostado a que Bonzo usaba dos bombos, pero sólo tenía uno.
1. John Bonham
John "Bonzo" Bonham - Solo de batería - 1977
En el primer corte del primer LP de Led Zeppelin, John Bonham cambió la batería del rock para siempre. Años después, Jimmy Page todavía se divertía con el sorprendente impacto que Good Times Bad Times , con su asombroso hipo en el bombo, tuvo en los oyentes: “Todos habrían apostado a que Bonzo usaba dos bombos, pero solo tenía uno”. Potente, vivaz, talentosa y reflexiva, esa interpretación allanó el camino para que la percusión refinada de Bonham conquistara antes de su prematura muerte en 1980. En su forma más brutalmente paleolítica, nunca golpeó sin inspiración, en su forma más desconcertante rítmica nunca se rebajó a adornos innecesarios y cada noche de gira evitó estos errores en la gloriosa ráfaga de Moby Dick. “Pasé años en mi habitación —años, en realidad— escuchando la batería de Bonham e intentando imitar su swing, su soberbio empuje tras el ritmo, su velocidad o su fuerza”, confesó una vez Dave Grohl a Rolling Stone, “no solo memorizando su trabajo en esos álbumes, sino intentando llegar a un punto en el que tuviera la misma inclinación instintiva que él”. Casi todos los bateristas de rock posteriores a Bonham han intentado hacer lo mismo, por supuesto, en un viaje que ha permitido a los más grandes encontrar finalmente su propio estilo.
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