Travis Barker, foto de Facebook
Bruce Springsteen dijo una vez de Max Weinberg, su baterista de confianza durante más de cuarenta años: "Le pido y nunca me decepciona, todas las noches". Como era de esperar, Bruce nos ha empujado a elaborar un homenaje apropiado a los verdaderos e incansables guerreros de la música, aquellos que están en el fondo de todo, detrás de todo lo demás, y dan a la música su base e impulso, su cohesión, forma y gran parte de su carácter, a menudo sin ver el crédito que se les debe. ¿Alguna vez escuchaste chistes sobre guitarristas sin cerebro? Aquí tiene.
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Así que esta es nuestra gran oportunidad de dar algún reconocimiento a los bateristas. Al compilar nuestra lista de los 100 mejores bateristas de todos los tiempos, enfatizamos los matices y la musicalidad en lugar de los números llamativos, celebrando a los músicos que entendieron la importancia de respaldar una gran canción en lugar de monopolizar la atención con solos ridículos. Es decir, junto a pesos pesados como John Bonham, Ginger Baker, Keith Moon y Neil Peart, y artistas sonoros atléticos como Stewart Copeland y Bill Bruford, encontrarás tipos de "sesión sin lujos" como Jim Keltner y Steve Gadd, piedras de toque del beat temprano y el rock 'n' roll como Jerry Allison y Fred Below, genios esquivos del funk y gigantescos titanes del disco como Clyde Stubblefield y Earl Young, y minimalistas punk poco ortodoxos como Maureen Tucker y Tommy Ramone. Bill Berry de R.E.M. le dijo una vez a la revista Modern Drummer : "Supongo que simplemente no soy un baterista de Modern Drummer ". Sin embargo, la contribución que silenciosamente dio a la banda en la que tocó vale mucho más que un curso de batería guardado en una pila de polvorientas cintas VHS (eso no quiere decir que no seríamos capaces de ver ese video de YouTube donde Jeff Porcaro explica cómo inventó el groove en Rosanna hasta que se nos quemen los ojos).
Una salvedad importante: utilizamos el rock y el pop como categorías de referencia, por lo que para ser incluido en la lista, el trabajo de un baterista debe haber tenido un impacto directo en esa esfera (según nuestras definiciones, por supuesto). Esto significó la exclusión de docenas de artistas de jazz seminales como Max Roach y Roy Haynes, cuyas innovaciones inspiraron a muchos de los músicos sobre los que leerá a continuación. Esta lista constituye un monumento aparte que esperamos construir en un futuro próximo. Por ahora, que comiencen los debates. Si quieres tirarnos un plato, hazlo en la sección de comentarios.
100. Christian Vander
Se puede decir que el líder francés Christian Vander es uno de los mejores bateristas que no son conocidos principalmente por sus habilidades con la batería. Tal vez sea de esperarse cuando eres el fundador de una banda de progresivo absurdamente cósmico, activa intermitentemente desde 1969, que toca en un lenguaje de jazz-rock influenciado por Zappa llamado "zeuhl", que significa "celestial" en Kobaïan, el idioma inventado en el que actúa Magma. Pero en la energía feroz de Vander, su ritmo rodante y su tempo vago pero claro, definitivamente puedes sentir que es un acólito del titán del jazz Elvin Jones -y por extensión, su empleador más famoso: "La música de Magma nació un día de primavera de mi amor por John Coltrane y mi profunda tristeza por la incapacidad de los hombres para entenderse entre sí", dijo Vander en una entrevista de 2015.
99. Travis Barker
blink-182 - Todas las pequeñas cosas (video musical oficial)
Travis Barker de Blink-182 es uno de los bateristas más populares del nuevo milenio, gracias a su talento rudo, su estética de skater, su energía hip-hop, su encanto pop y su rostro listo para los reality shows, sin mencionar su facilidad para trabajar con superestrellas de la EDM, raperos y como DJ en su tiempo libre. Es un enfoque completo del ritmo que da mayor profundidad a todo lo que hace. “Puedo jugar todo el día y eso es algo que me emociona. “Nunca había oído hablar de un baterista que tocara así para otras personas, para mis amigos que hacen hip-hop”, dijo Barker a Drum! Revista. Es un artista brutal que actúa con ferocidad y no tiene miedo de ser dramático.
98. Steven Adler
Guns N' Roses - Bienvenidos a la jungla
El histórico debut de Guns N' Roses, Appetite for Destruction , debe gran parte de su exuberancia al ritmo inquieto pero emocionante de Steven Adler, el excéntrico baterista de la banda. “Para ser justos con Steven, y aunque la mayoría lo desconozca, la onda y la energía de Appetite se deben en gran medida a él”, escribió Slash en su autobiografía. “Tenía una forma inimitable de tocar la batería que nadie más podía reemplazar, una ligereza casi adolescente que le daba a la banda su toque distintivo”. El bajista Duff McKagan estuvo de acuerdo: "Sin su ritmo, no habríamos podido crear muchos de esos riffs", le dijo al Onion AV Club en 2011. Adler, quien fue expulsado de la banda en 1990, fue reemplazado por bateristas altamente calificados como Matt Sorum y Frank Ferrer, pero ninguno capturó su ritmo exuberante, empapado en whisky y su juventud temeraria.
97. Cindy Blackman
En 1993, Blackman cambió el curso de su carrera, pasando de ser un fenómeno de jazz al estilo de Tony Williams a una estrella de rock que actuaba en estadios como parte de la banda en vivo de Lenny Kravitz. Después de que el cantautor la sorprendiera con una audición, ella fue catapultada a su esfera, apareciendo en su video musical " Are You Gonna Go My Way" y ocasionalmente siguiéndolo en sus giras. “Mi papel [con Lenny] es tocar un ritmo durante horas, lograr que suene bien y agregarle detalles y matices interesantes cuando sea apropiado”, le dijo a The Villager, al comentar sobre sus muchas habilidades. “Mi trabajo en la banda y mi trabajo en un contexto creativo son cosas completamente diferentes. “Podemos empezar con un groove que sea realmente bueno, puedo tocarlo durante horas, pero luego tengo que explorarlo, expandirlo y cambiarlo, jugar con el ritmo e intervenir con los solistas”. Los agudos instintos de Blackman para la improvisación, junto con sus formidables habilidades para mezclar géneros, ambos exhibidos en proyectos como el tributo a Williams, Spectrum Road, le serán útiles en Mega Nova, un nuevo proyecto que presenta a su esposo Carlos Santana y los grandes del jazz Herbie Hancock y Wayne Shorter.
96. Larry Mullen Jr.
Domingo Sangriento Domingo (En Vivo Desde el Anfiteatro Red Rocks, Colorado, EE.UU. / 1983 / Rema...
El único miembro de U2 que realmente se parece a una estrella de rock comenzó a fines de los años 70 como un novato del post-punk con un trabajo inestable: en un momento, los otros miembros de la banda consideraron abandonarlo, una decisión alentada durante la grabación del primer demo de U2 por un ejecutivo discográfico horrorizado por la pobre habilidad de Mullen para mantener el ritmo. Sin embargo, cambió la situación y se convirtió en uno de los percusionistas más influyentes del rock. Tecnológicamente avanzado y sorprendentemente original, Mullen mantiene los ritmos de U2 mirando siempre hacia el futuro, desde los tambores marciales que anuncian Sunday Bloody Sunday , hasta el descubrimiento del latido del corazón humano en medio de los sonidos electrónicos disco de Achtung Baby . Se quejó con el productor de que una pista de clic no estaba completamente afinada con el resto de la banda; después de que el baterista dejó el estudio, Eno descubrió que estaba desafinado por seis milisegundos. "El problema es", dijo Eno a The New Yorker, "que mientras lo estábamos preparando, en un momento dado tenía [la pista de clic] desfasada dos milisegundos, y él dijo: 'No, tienes que retroceder un segundo'". “Lo cual me parece absolutamente asombroso”.
95. Chris Dave
“Mi peor pesadilla con Chris Dave es su baterista”, le dijo Questlove a un reportero anticipando el regreso en vivo de D'Angelo en 2012. “Necesitas al baterista más peligroso en esa gira”. Aunque su nombre no es muy conocido, el modesto músico de R&B de 42 años conocido como Daddy es una leyenda entre los de la industria. Al igual que el adorno en el morro de un Cadillac o el logo de Tiffany, tener a Chris Dave entre los nombres de una sesión es una señal de pura clase; aparece en algunos de los álbumes pop más populares de la actualidad, incluidos 21 de Adele y Black Messiah de D'Angelo. Aunque comenzó admirando a grandes del jazz como Tony Williams (y luego canalizando esa inspiración en su propio y asombroso trabajo con ases de la improvisación como Robert Glasper), su mayor impacto fue como baterista profundamente en sintonía con los tartamudeos y los hipo del hip hop cargado de samples. El gran talento de Dave está en crear ritmos que te atrapan, a menudo creados con una batería enriquecida con hasta cinco cajas, que sin embargo aún se combinan maravillosamente con la textura del conjunto.
94. Meg Blanca
The White Stripes - Orquídea azul (vídeo musical oficial)
El enfoque distintivo de Meg White para tocar la batería fue fundamental para el atractivo de los White Stripes, ya que sus atuendos extravagantes y su blues despojado los impulsaron a la cima del rock a principios de la década de 2000. Temas como " Dead Leaves and the Dirty Ground" y "Blue Orchid" cobraron vida gracias a su engañosamente simple ritmo de fondo que ayudó a definir el ritmo rápido de los Stripes. “A menudo la veía en el escenario y me decía: 'No puedo creer que esté ahí'”. "No creo que entendiera lo importante que era para la banda, para mí y para la música", dijo Jack White a Rolling Stone en 2014. "Era la antítesis del baterista moderno. Tan sincero, increíble e inspirador. El silencio entre nosotros no importaba, ¿por qué en el escenario? Nada de lo que haga jamás superará lo que ella hizo”.
93. Thomas Haake
MESHUGGAH - Demiurge (Video musical oficial)
Un pilar sofisticado del retumbante sonido experimental de la banda de metal sueca Meshuggah, Tomas Haake crea una sensación de desorden al tocar un ritmo típico de 4/4 con su mano derecha y polirritmos atronadores con todo lo demás. Los sonidos de percusión resultantes a menudo recuerdan a la aceleración mecanizada de un Lamborghini Diablo SV. Desde el primer álbum de Meshuggah, Contradictions Collapse de 1991 , Haake ha evolucionado su enfoque agregando ritmos electrónicos y secuencias de batería cada vez más sofisticadas, cortesía de los guitarristas Fredrik Thordendal y Mårten Hagström. “Todos los niños escriben en la computadora y yo imito lo que escriben”, dijo Haake. “A veces esto hace que tocar la batería sea difícil, pero al mismo tiempo es un gran desafío y un obstáculo a superar. “Realmente me mantiene al borde del asiento”.
92. Ralph Molina
Buffalo Springfield - Por lo que vale 1967
Neil Young ha tocado con muchos bateristas durante los últimos 50 años, pero siempre regresa a Ralph Molina, a quien conoció por primera vez en sus días en Buffalo Springfield, cuando Molina era miembro de los Rockets. Al igual que sus amigos de Crazy Horse, Molina no encaja en el estereotipo de virtuoso musical. “A veces empiezo a tocar la guitarra y Ralph entra en el momento equivocado y toca la pieza al revés”, le dijo Young al biógrafo Jimmy McDonough. “Siempre pasa. Eso nunca pasa en los grupos profesionales”. No es un insulto. Es esa forma de tocar cruda y visceral -y una inclinación por los ritmos crudos que fluyen con gracia elemental debajo de los vuelos distorsionados característicos de Young- lo que ayudó a Molina a sentar las bases para Down by the River, Cinnamon Girl y otros clásicos atemporales. “No conocemos las canciones; “No tenemos partituras”, dijo Molina en 2011 sobre su trabajo con Young. “Empecemos a jugar. La magia parece ocurrir por sí sola…” La evidencia de esto es clara en cada disco de Crazy Horse, desde Everybody Knows This Is Nowhere de 1969 hasta Psychedelic Pill de 2012.
91. Brian Chippendale
“Todo nuestro material es una forma de llegar a algo que tal vez sea una nueva parte de algo musical”, dijo el trillador humano Brian Chippendale. “O tal vez es solo esta sensación de que no voy a parar, simplemente voy a seguir tocando la batería mientras pueda”. El dúo de larga trayectoria de Chippendale, Lightning Bolt, trata el noise rock como música corporal, con su bombo pulsando junto al bajo distorsionado de Brian Gibson y sus golpes de caja en rápida secuencia en una neblina de color brillante. Absolutamente ensordecedor con un sencillo kit de cuatro piezas, y totalmente comprometido cuando los fans se dejan llevar por sus instrumentos, [Chipperdale] es un estudio de extremos bailables y el embajador no oficial de una generación de percusionistas pioneros del rock de vanguardia del siglo XXI que incluye a Zach Hill (Death Grips, Hella) y Greg Saunier (Deerhoof). “Hace unos años, Lightning Bolt tocó en All Tomorrow’s Parties en Inglaterra y había un pequeño fragmento que creo que me enviaron todos mis amigos”, le dijo Björk a Pitchfork sobre su colaboración con Chippendale en Volta, de 2007. “Lo he visto tantas veces que nunca pensé que trabajaría con alguien así”.
90. Janet Weiss
Sleater-Kinney - Saltadores [VÍDEO OFICIAL]
“Janet había creado una parte de batería que era tan brutal y sólida que prácticamente podíamos golpearnos la cabeza contra ella”, dijo Corin Tucker a Drum! de cómo Janet Weiss se unió a Sleater-Kinney. “Así que éramos tres.” Desde que se asoció con Tucker y Carrie Brownstein en 1996, Janet Weiss ha sido un pilar feroz del establishment del rock alternativo y al mismo tiempo ha prestado su duro talento a Bright Eyes, Jicks, Shins y más. Pero es su trabajo con Sleater-Kinney el que ha demostrado ser más influyente, ofreciendo un equilibrio consistente entre la composición de canciones y la agresión primaria. “La música, para mí, es la forma de arte más inmediata. Quizás porque prefiero la fisicalidad. …golpeé cosas. Hay fisicalidad en nuestra música. “Usamos cada parte de nuestro cuerpo”, le dijo a Paper en una entrevista sobre su supergrupo Wild Flag. “A las mujeres rara vez se les permite ser animales. Y lo somos."
89. Bill Stevenson
Descendientes - "Cuando sea viejo"
Bill Stevenson proporcionó un ritmo furioso a dos vertientes del punk innovador del sur de California. En 1977, cuando tenía 14 años y estaba lleno de granos, Stevenson cofundó los Descendents, cuyos desgarradores himnos emo precursores (tatuados con los característicos golpes de caja de Stevenson y a menudo escritos y producidos por él) sentaron las bases para bandas como Green Day, Blink-182, Fall Out Boy y Weezer. Y a partir de principios de los 80, colaboró como baterista con los brutalistas punk de Los Ángeles Black Flag, en lo que podría llamarse la fase más creativa de la banda; Como lo evidencian álbumes como My War y Slip It In , su ritmo constante pero versátil ayudó al guitarrista Greg Ginn a explorar todo, desde el metal artístico monolítico hasta el punk espástico con inflexiones de jazz. Stevenson, quien continúa realizando giras extensas con Descendents y su banda tributo a All and Black Flag, Flag, atribuye la energía irreprimible de su forma de tocar a una influencia cotidiana: la cafeína. “En nuestra banda bebíamos mucho café, o incluso comía 50 Snickers, antes de un concierto”, dijo en 2014.
88. Jon Theodore
The Mars Volta - The Widow (Versión del álbum (Editada))
Jon Theodore es el superbaterista más destacado del rock contemporáneo, un músico que ha tomado los estilos de los grandes exponentes de los años 70 (el extraordinario talento de Billy Cobham, la majestuosa arrogancia de John Bonham) y los ha actualizado para adaptarlos a las exigencias de las actuaciones en vivo actuales. Theodore saltó a la fama a principios de la década de 2000, tocando un rock progresivo alucinante con influencia latina con Mars Volta. “Vi algunas de sus primeras actuaciones con Mars Volta”, dijo Zack de la Rocha de Rage Against the Machine, quien más tarde tocaría con el robusto conjunto de guerrilla-funk One Day as a Lion. “Estaba claro que la música en Los Ángeles nunca volvería a ser la misma sin él”. Pero fue una recomendación de Dave Grohl lo que llevó a Theodore a su papel más destacado. “Dave dice, ‘Sabes, el que realmente me sorprende es Jon Theodore’”, recuerda el líder de Queens of the Stone Age, Josh Homme, quien trajo a Theodore a QOTSA en 2013. Resulta que la colaboración no es exclusiva: cuando Skrillex, Diplo y Justin Bieber rehicieron “ Where Are Ü Now” en vivo en los Grammys de 2016, Jon Theodore estaba en la batería.
87. George Hurley
El hardcore punk apenas existía cuando el innovador trío Minutemen, con base en San Pedro, California, lanzó su primer disco en 1980, pero ya habían avanzado, fusionando funk, avant-rock y folk en explosiones maravillosamente sintéticas de intrincada revelación. La música de la banda, frenética e inaccesible (y aun así con un sonido extrañamente natural) podría haber terminado en caos sin George Hurley, un fanático del jazz cuya absurda velocidad, versatilidad y matices lo convirtieron en el baterista más creativo que emergió de la escena indie-rock estadounidense de los años 80. Algunos ejemplos entre muchos otros: el swing mordaz de Search y The Big Foist , la rápida síncopa de I Felt Like a Gringo , el salto mortal de jazz irregular de Split Red y los golpes de East Wind/Faith , que contiene uno de los pocos solos de batería del punk rock. “Me gusta el R&B”, dijo. “Aprecio el espacio y la relajación. Al mismo tiempo, me gusta que las cosas sean convulsas y fragmentadas, así que trato de unir las dos cosas. ¡Yo diría que es como una sopa de maíz tostado!
86. Phil Rudd
AC/DC - Big Jack (En vivo en River Plate, diciembre de 2009)
El baterista de larga data de AC/DC, Phil Rudd, ha recibido recientemente más cobertura de prensa por realizar amenazas de muerte a un ex empleado y ser encontrado en posesión de metanfetamina y marihuana que en 29 años de ritmos sólidos y discretos y un timing impecable. Una verdadera lástima, ya que el estilo sobrio y el ritmo monstruoso de Rudd ayudaron a allanar el camino para el éxito de la icónica banda. Uno de los minimalistas más consistentes en el mundo de la percusión del hard rock, Rudd ha influido en una ola de artistas internacionales, desde Christoph Schnieider de Rammstein hasta Eric Singer de Kiss. “Lo hace de una manera muy básica, pero muy efectiva”, dijo Singer. “La atmósfera que crea es realmente el corazón y el alma de la banda”. Rudd se unió a AC/DC en 1975, reemplazando a Peter Clark, y tocó en siete álbumes antes de que el vocalista Bon Scott muriera por una "muerte accidental". Después de un período de abuso de drogas y un altercado físico con el guitarrista rítmico Malcolm Young, Rudd fue despedido en 1983. Regresó a AC/DC a fines de 1993 y tocó en cuatro álbumes más (su aura espartana y despiadada se mantuvo gloriosamente inalterada en Rock or Bust de 2014 ) antes de desaparecer en un escándalo reciente.
85. Tommy Lee
Cruecifly de Tommy Lee falla en su último show el 31/12/15: deja de funcionar durante el solo de batería de Motley Crue
Los solos que desafiaban la gravedad de Tommy Lee y su tendencia a usar muy poca ropa lo convirtieron en uno de los grandes showmen del metal. Pero sus críticas a Mötley Crüe son tan importantes como su carisma; el furioso sonido metálico de Lee ayudó a definir el atractivo glam-punk del debut de Mötley, Too Fast for Love, mientras que el ritmo estremecedor que impulsó la canción homónima en Dr. Feelgood sonaba tan amenazante y abrumador como la historia de la canción sobre la decadencia de los 80 impulsada por las drogas. Su “batería de ensueño”, que trajo consigo en la última gira de Mötley Crüe en 2015, se alinea con su estética minimalista: “Ahora tengo una batería completamente transparente para que la gente pueda ver exactamente lo que hago”, dijo. “La mayoría de los bateristas están cubiertos por un millón de tambores y todo el mundo dice: '¿Qué estás haciendo ahí abajo?'”
82. Juan Stanier
Batallas - Sweetie y Shag (En vivo en Amoeba)
“Cuando experimentas con loops, el loop es en realidad el baterista”, dijo John Stanier en una entrevista en 2011, hablando del enfoque tecnológico que prefiere su banda Battles. “Él es quien indirectamente, en última instancia, dirige el espectáculo”. Sin embargo, no hay duda de que cuando Stanier está en el escenario, él es el que está al mando, cargando la actuación con ritmos minimalistas y pulverizadores que se prestan a un baile furioso. Cuando los pesos pesados del metal alternativo de los 90 Helmet alcanzaron la atención del público en 1992 con Meantime, un álbum que vendió un millón de copias, redefinieron el sonido del rock pesado, y su ascenso se debió en gran medida a Stanier, cuyo enfoque opulento pero matemático a la batería llevó los riffs esculpidos de Page Hamilton a nuevas alturas. Criado con Neil Peart y formado en técnicas de cuerpo de tambores, Stanier despojó la batería de rock de sus partes más esenciales, una tendencia que alcanzaría su austera cima con Battles. “Fue una reacción a la variedad de instrumentos y la complejidad de los demás”, dijo sobre su batería escasa, aumentada por un solo platillo enorme, “pero también a lo que había hecho antes y a lo que hacían los bateristas de la época”. El don de Stanier es hacer monolítico lo mínimo.
83. Ronald Shannon Jackson
Si Ronald Shannon Jackson no hubiera hecho nada más que tocar con iconos del jazz de vanguardia como Albert Ayler, Ornette Coleman y Cecil Taylor en los 12 años entre 1966 y 1978, no habría ninguna duda sobre su estatura. Pero Jackson, que incorporó la batería, los ritmos africanos y el funk en un estilo único e inconfundible, fue más allá al formar su propia Decoding Society, aclamada por la crítica, de la que surgieron el guitarrista de Living Colour, Vernon Reid, y el bajista de Rollins Band, Melvin Gibbs. “Sintetizó el blues shuffle con el flujo sincopado de la música africana a través de la visión de una persona que expresaba todo tipo de emociones”, dijo Reid sobre el fallecido baterista y compositor en un artículo de 2003 en Fort Worth Weekly. “Creo que el choque de valores en su música representa profundamente la cultura estadounidense”. El estruendo sísmico de Jackson también se extendió por las sesiones lideradas por John Zorn y Bill Laswell, alcanzando su punto máximo con Last Exit, un cuarteto de punk-jazz demoledor que incluía a Laswell, el saxofonista Peter Brötzmann y el guitarrista Sonny Sharrock.
82. Glenn Kotche
Rodeado en el escenario por lo que el líder de la banda Jeff Tweedy llama sus “in-Glenn-ciones”, Glenn Kotche le aporta a Wilco la sensibilidad de un percusionista orquestal, los impulsos experimentales de un rockero independiente y las sólidas habilidades del rock de antaño. Kotche, quien se unió a la banda a tiempo para el álbum transformacional Yankee Hotel Foxtrot, equipó su equipo con un vibráfono, efectos MIDI, un gong, una rueda de platillos, platillos de época recalibrados, pelotas de ping-pong llenas de bolas más pequeñas y un tubo conectado a su platillo. A veces “prepara” sus tambores cubriéndolos con cadenas y esparciendo cuentas y arroz sobre las membranas. En sus composiciones, Kotche explora ritmos accidentales y fortuitos (es decir, polirritmos fortuitos) en colaboración con So Percussion y otros conjuntos contemporáneos aventureros. “Creo que es uno de los mejores bateristas”, dijo Tweedy, “y hay una confianza musical increíble entre nosotros”. A lo que el híbrido de Jim Keltner y John Cage respondió: "Estoy ahí para servir a las canciones".
81. JR Robinson
John “JR” Robinson se autodenomina el “baterista más grabado de la historia”, lo que debería darte una idea de la voluminosa discografía de una de las potencias del pop: “I’m So Excited” de Pointer Sisters, “Higher Love” de Steve Winwood, “Ain’t Nobody” de Rufus y Chaka Khan, una parte de Random Access Memories de Daft Punk y el titánico “We Are the World”. Lo más notable es que Robinson sentó las bases del disco-rock-funk-pop para el innovador Off the Wall de Michael Jackson. La idea de Robinson del baterista como alguien que marca el tiempo no hace más que potenciar su capacidad innata para dar a las canciones una gran carga con gestos discretos. “Es el único baterista en toda mi vida al que podría pedirle que hiciera una línea introductoria en ‘Rock With You’ de Michael Jackson”, dijo Quincy Jones durante la celebración de su 75 cumpleaños en el Festival de Jazz de Montreux. “Dije: ‘Quiero un ritmo de batería que todo el mundo pueda cantar’… y lo cantaron”.
80. Steve Jordan
Criado en una fuerte tradición de R&B y soul, Steve Jordan era un adolescente cuando comenzó a tocar para Stevie Wonder y pronto se convirtió en un artista versátil experto tanto en la fusión de jazz improvisada como en el rock sobrio, directo pero expresivo. Diez años más joven que la mayoría de los grandes del rock de los años 60, fue el combustible para un grupo de seguidores: fue miembro de Keith Richards y los X-Pensive Winos, tocó para Neil Young en los años 80, realizó giras extensas con Eric Clapton e incluso formó parte de la banda ficticia Blues Brothers. (También estableció fuertes lazos con la generación más joven, colaborando con el distintivo trío de John Mayer). Relajado y confiado, Jordan aprendió a dominar todo, imbuyendo todo lo que tocaba con su swing característico. “Si eres una persona rígida, no creo que puedas hacer swing ni transmitir eso a los demás”, dijo sobre su técnica. “Preferiría fácilmente un baterista sin técnica a uno más eficiente, si su swing fuera mejor”.
79. Mick Marfil
Los kinks- realmente me atrapaste
“Si nunca nos hubiéramos alejado de los tonos más pesados, no habría encajado muy bien [en la banda]”, dijo el baterista de Kinks, Mick Avory. Quizás por eso los Kinks utilizaron un músico de sesión para su bomba de proto-metal “You Really Got Me” (aunque Avory contribuyó con la pandereta). Pero a medida que el líder de los Kinks, Ray Davies, maduró como compositor, Avory emergió silenciosamente como uno de los bateristas más innovadores de los años 60. “No sé si las composiciones de Ray se absorbieron en mi forma de tocar o si yo me absorbí en sus escritos”. Con su versatilidad de jazz y sus cadencias de percusión originales, Avory, que había sido cortejado por los Rolling Stones en 1962, era de hecho la contraparte rítmica ideal para el estilo sardónico y maduro de Ray Davies. Aunque la forma de tocar de Avory era refinada y discreta, en el escenario sus batallas con el guitarrista Dave Davies eran legendarias; Cuando Dave destruyó la batería de Avory en un espectáculo en vivo en Cardiff en 1965, recibió un pedal en su cabeza a cambio. Sin embargo, Avory de alguna manera logró no ser expulsado de la banda hasta 1984.
78. Micky Waller
Una institución del blues londinense con experiencia en jazz, Waller encontró su lugar cuando se unió al Jeff Beck Group en 1967. Su inconfundible "Waller wallop" proporcionó gran parte de la energía de Beck's Truth, el eslabón perdido entre el blues duro y el heavy metal. Waller también tocó la batería en los primeros álbumes en solitario de Rod Stewart, alcanzando su punto máximo en una sesión de 1971 en la que apareció sin platillos. Rod no podía darse el lujo de perder el tiempo en el estudio, así que grabó "Maggie May" de todos modos, con los ataques de Waller tan feroces y constantes que el crítico Greil Marcus bromeó diciendo que merecía un Premio Nobel de Física. “Agregamos los platillos más tarde, para que se noten menos”, recordó Stewart. “Al olvidar Micky los platillos al final, se logró que ‘Maggie May’ tuviera un ritmo más contundente”.
77. Moe Tucker
Suyo fue el ritmo inestable que dio origen a mil bandas. Tal es la amplitud de la influencia del acompañamiento engañosamente simple y expertamente sofisticado que Maureen “Moe” Tucker trajo a la formación histórica de Velvet Underground, influenciando a artistas que van desde Patti Smith hasta R.E.M., Galaxie 500 y Nirvana. De hecho, Tucker no tenía nada que envidiar a los líderes de Velvet, Lou Reed y John Cale, en lo que respecta a la iconoclasia musical de vanguardia de los años 60: detrás del equipo estaban de pie en lugar de sentados, tocaban con mazos en lugar de baquetas y evitaban los platillos a menos que fuera absolutamente necesario o esperado. En clásicos de VU como “Heroin”, Tucker parece renunciar al tiempo por completo, hinchándose y tartamudeando junto con los flujos y reflujos de la canción. “Creo que Maureen Tucker es una baterista brillante”, dijo Lou Reed en 2003. “Su forma de tocar, que ella inventó, es extraordinaria”.
76. Earl Young
En 1973, con el éxito de R&B de Harold Melvin and the Blue Notes “The Love I Lost”, Earl Young inventó el ritmo disco: los cuatro tiempos de un compás tocados en un bombo. Esta secuencia rítmica maleable fue el ritmo de una década y todavía está omnipresente cuando los bailarines se sueltan. Como miembro del conjunto MFSB, Young también proporcionó el marco musical para Philly Soul, colaborando en discos de los O'Jays, los Spinners y su propia banda, los Trammps, pero sus contribuciones originales todavía se sienten más hoy en día, habiendo predicho más de 30 años de música house todavía llenando festivales. “No tengo caja de ritmos”, dijo. “En aquella época yo era la caja de ritmos”.
75. La
feroz banda hardcore de DC, Bad Brains, comenzó como un grupo de jazz fusión, y Earl Hudson no perdió su extraordinaria habilidad cuando el tiempo se aceleró a la velocidad del rayo y se estrelló contra una pared. Dave Grohl de Nirvana admite haber imitado su técnica en la introducción de “Smells Like Teen Spirit” y le dijo a Modern Drummer: “Solía aprender todos [sus] riffs a la perfección”. Cuando el baterista de hard rock Chad Smith se unió a los Red Hot Chili Peppers en su fase punk, el líder Anthony Kiedis le dijo que se familiarizara [con Hudson]. Con el tiempo, Bad Brains bajó su ritmo y se aventuró en el heavy metal, el reggae y el funk, lo que le dio a Hudson más espacio para mostrar su maleable versatilidad. Pero siempre será conocido, sobre todo, como el principal arquitecto de la música hardcore estadounidense.
74. Michael Shrieve
Santana con Michael Shrieve 2014, Anfiteatro White River
Cuando Santana subió al escenario en el segundo día del Festival de Woodstock, entre Country Joe McDonald y John Sebastian, se enfrentaron a un océano de oyentes que nunca habían escuchado una nota de su música, ya que el LP debut del grupo aún no había llegado a las tiendas. Pero desde la nota inicial de “Waiting”, el público quedó hipnotizado por la fusión original de la banda de ritmos latinos pegadizos y rock psicodélico explosivo. Quien mantuvo todo unido fue el baterista de 20 años Michael Shrieve, el intérprete más joven de todo el festival. Con el conguero Michael Carabello de un lado y el timbalestero José “Chepito” Areas del otro, Shrieve entregó un solo en auge con infusión de jazz en medio de “Soul Sacrifice” que sigue siendo asombroso después de 50 años. Tan solo dos años después, Santana perdió a casi todos sus miembros originales en su abrazo a la fusión y otros estilos no comerciales, pero Shrieve permaneció a su lado, incluso coproduciendo Welcome en 1973 y Borboletta en 1974. Posteriormente, el baterista trabajó con artistas que iban desde Pat Travers Band hasta los Rolling Stones, mostrando su formidable alcance. “Michael Shrieve despertó mi interés por Miles Davis y John Coltrane”, dijo Carlos Santana en 2013. “Abrió una dimensión completamente nueva a mi corazón”. (Como era de esperar, la colaboración continúa: Shrieve aparecerá en Santana IV, que saldrá el 15 de abril, y que reúne a casi toda la formación original que tocó en el LP homónimo de 1971).
73. Pete Thomas
En menos de un año, Elvis Costello pasó del pub rock hirviente de My Aim Is True al frenesí bilioso de This Year's Model , y no podría haber dado el salto sin el fan de Mitch Mitchell, Pete Thomas, detrás de la batería. En aquellos primeros discos de Attractions, Thomas sonaba como Elvis cantaba, con una rabia contenida que estallaba y el tartamudeo vacilante del tom de piso o del tambor sugería un intento fallido de sofocar esa inevitable explosión. (Sigue la emocionante introducción de “( I Don't Want to Go to ) Chelsea”). A medida que las composiciones de Costello comenzaron a requerir matices más ricos, Thomas siguió siendo su compañero rítmico ideal, tocando con una intuición forjada a través de una larga colaboración. “Pete Thomas es fácilmente el baterista de rock and roll de su generación”, dijo Costello en un tuit el año pasado, “y el hecho de que nunca se haya mencionado en una encuesta te dice todo lo que necesitas saber sobre ‘encuestas’ y nada sobre bateristas”.
72. James “Diamond” Williams
Criado en el jazz y ambidiestro, cuando era adolescente James Williams actuó con varias bandas en bares de Dayton. Cuando se unió a los Ohio Players en 1974, el grupo ya llevaba 15 años junto, pero su serie de éxitos bailables para Mercury Records apenas comenzaba. La forma de tocar compuesta pero intermitentemente explosiva de Williams se convirtió en la fuerza impulsora detrás de estas piezas: su base de funk constante podía explotar inesperadamente en rellenos indómitos, incluso en baladas como "I Want to Be Free". A pesar de que había ideado su cuota de ritmos complejos, cuando llegaba el momento del estribillo de una canción, Williams se apresuraba al tambor con un ritmo que, rara vez sutil o negociable, te hacía querer bailar.
71. Butch Trucks y Jaimoe
Los bateristas de Allman Brothers Band, Butch Trucks y Jai Johanny “Jaimoe” Johanson, han sido inseparables desde los primeros días del grupo, poniendo su energía en todo, desde los intrincados ritmos del icónico “Whipping Post” hasta ejercicios discretos como su versión de “Trouble No More” de Muddy Waters. El pedigrí de Jaimoe como baterista de soul de los años 60 junto al gran Otis Redding se combina con los ritmos infundidos de blues y rock de Trucks para formar una lógica rítmica sincopada propia. Como Jaimoe le dijo a Relix, él y Trucks intentaron tomar lecciones de percusión con Elvin Jones en 1974, pero la leyenda del jazz les dijo: "¿Qué quieren? Yo se quien eres ¿Qué debo enseñarte?
Tommy Ramone le dio al punk rock su ritmo cardíaco
70.Tommy Ramone
“Le dio pulso al punk rock”, decía el titular de un obituario del New York Times, al comentar la muerte en 2014 de Tamás Erdélyi, más conocido por su nombre artístico, Tommy Ramone. Con sus bombas de ocho notas furiosamente metronómicas y sus timbales tribales, marcó el ritmo vertiginoso de los tres primeros y trascendentales álbumes de los Ramones, alineando su tempo con la letal guitarra de Johnny Ramone. (“No muy diferente a un taladro a toda velocidad en una muela posterior”, es como Erdélyi caracterizó su estilo). También contribuyó significativamente al catálogo perdurable de la banda, incluso escribiendo “Blitzkrieg Bop”, que Joey Ramone llamó “un llamado a las armas para que todos comiencen su propia banda”. Entre ellos se encontraban artistas como The Clash y Metallica y todas las bandas que actuaron en el Warped Tour; De hecho, el inconfundible latido del corazón de Erdélyi resuena hoy con tanta fuerza como siempre.
69. Dale Crover
“Un baterista como Dale Crover, sabes inmediatamente cuando Dale está tocando con Nirvana porque es el mejor baterista del mundo”, declaró nada menos que el propio baterista de Nirvana, Dave Grohl. “Siempre pensé que si las cosas no salían bien [conmigo], siempre podrían trabajar con Dale”. Aunque se lo puede escuchar tocando en nueve temas oficiales de Nirvana entre Bleach y los lados B, la ocupación principal de Crover ha sido su permanencia de más de 30 años con la imparable institución del lodo artístico Melvins: mitad rompe-sismos, mitad showman tenaz y mitad matemático habilidoso que rastrea los flujos y reflujos de los riffs beefheartianos de Buzz Osborne. Indignado por su amor por Kiss y Zeppelin, el sonido característico de Crover proviene de tom-toms que explotan como cañones, barras de metal al rojo vivo, un bombo chisporroteante y un ataque de sangre y sudor que te golpea más fuerte que tu punk adolescente favorito.
68. Jerome “Bigfoot” Brailey
En 1975, cuando George Clinton escuchó por primera vez “Fame” de David Bowie en la radio, se volvió hacia su nuevo baterista y le dijo: “Recuérdame ese ritmo”. Así, el nuevo recluta de Parliament-Funkadelic, Jerome Brailey, filtró el estilo del baterista de James Brown, Jabo Starks, a través del brumoso jive cósmico de Bowie en “Give Up the Funk (Tear the Roof Off the Sucker)”. Brailey permanecería a bordo hasta 1978, encabezando muchos de los mayores éxitos de P-Funk con su persistente bombo, su evasivo trabajo de charles y sus intrincados e impredecibles patrones de caja, antes de que la desconfianza en las habilidades contables de Clinton lo llevara a formar Mutiny, un grupo cuyo funk era tan poderoso que se podía entender inmediatamente por qué lo llamaban. “El funk es muy simple”, dijo Brailey a un periodista en 2010. “Se trata de la emoción que te da el ritmo. El funk viene de dentro. … He hecho shows en vivo con Parliament donde estaba tan inmerso en el funk que lo sentí en mis huesos y ahí es cuando el público puede sentirlo también”.
67. Greg Errico
Greg Errico tenía solo 17 años cuando Sylvester Stewart lo invitó a unirse a su nuevo grupo Sly and the Family Stone. Errico ayudó a dirigir uno de los conjuntos más importantes del funk desde sus primeras grabaciones hasta el gigantesco There's a Riot Goin' On . En 2015, Errico le dijo a Rolling Stone que en su mejor momento, tocar con Family Stone “me ponía los pelos de punta, el escenario se elevaba del suelo como un Boeing despegando”. En 1971, con la Family Stone en crisis, Errico fue el primero en separarse y acabó trabajando con figuras como Lee Oskar, Betty Davis y Funkadelic no sólo como baterista, sino también como productor y arreglista.
66. Kenny Aronoff
John Mellencamp - Jack & Diane (Videoclip oficial)
Kenny Aronoff, mejor conocido como el baterista rudo de John Mellencamp entre 1980 y 1996, es absolutamente capaz de crear rellenos llamativos, sin olvidar el estruendo que conduce al puente de "Jack and Diane". Pero se siente igualmente cómodo tocando afinado con la banda mientras mantiene un ritmo sólido. “[Como baterista] soy un adicto”, le dijo a Esquire. “Mi trabajo es escuchar, aprender, liderar. Y entiendo que no soy el jefe”. Con un sexto sentido para lo que realmente importa en la música pop y la paciencia para seguir instrucciones, se convirtió en el percusionista de estudio de referencia para los Rolling Stones, Bob Dylan, Bruce Springsteen, Neil Diamond, Eric Clapton, John Fogerty, Sting, los Smashing Pumpkins, Lady Gaga y muchos otros.
65. Sly Dunbar
El casi omnipresente baterista de reggae Lowell Fillmore Dunbar ha tocado con todo el mundo y, dada la frecuencia con la que se samplean sus ritmos, es quizás el músico más grabado del mundo. Con un apodo que provenía de su devoción a Sly Stone, Dunbar grabó su primera canción, “Night Doctor”, con los Upsetters a los 15 años. Su encuentro con el bajista Robbie Shakespeare en 1972 dio lugar a una relación de trabajo que duraría toda la vida, especialmente en las bandas de Peter Tosh y Black Uhuru, pero también en la gira Some Girls de los Rolling Stones de 1978. Sly y Robbie llevaron el dub reggae al escenario mejor que nadie. “Robbie y yo no sabíamos lo que estábamos haciendo hasta que la música jamaiquina se hizo famosa por el dub y el bajo y la batería”, explicó. La brecha entre el relajado swing de Carlton Barrett y el enérgico estilo metronómico de Dunbar marca el punto en el que el reggae de raíces evolucionó hasta convertirse en su sucesor en la pista de baile.
64. Chad Smith
Will Ferrell y Chad Smith tocan la batería
Desde su debut con los Red Hot Chili Peppers en 1989, Chad Smith ha fusionado constantemente la velocidad del funk clásico con la potencia y el volumen de un rockero que actúa en estadios. "Él toca duro, hombre", dijo Sammy Hagar, quien reclutó a Smith para su banda Chickenfoot. “¡Es de Detroit, por el amor de Dios!” Después de trabajar inicialmente con RHCP, Rick Rubin quedó tan impresionado con la versatilidad de Smith que comenzó a utilizar la “inmensa fuerza y gran aura” del baterista en sus otras producciones. El ex baterista de los Chili Peppers, Cliff Martínez, lo llama “un virtuoso temible… con una intuición sólida y sofisticada de lo que es apropiado”. Y Anthony Kiedis le da crédito a Smith por inspirar sus movimientos característicos: "Simplemente tengo que cerrar los ojos y escuchar a Chad. De lo contrario estaría fingiendo”.
63. Dennis Cámaras
Proveniente de la misma escuela Parliament-Funkadelic que produjo a Ramon “Tiki” Fulwood y Jerome Eugene “Bigfoot” Brailey, Dennis Chambers combinó el estilo funk de esos músicos con la fusión de Tony Williams, inspirando a su vez a innumerables bateristas de gospel y hip-hop. Trabajando como baterista para el sello Sugar Hill (Chambers tocó en “Rapper's Delight”) y junto al guitarrista de jazz-funk John Scofield, el artista de Baltimore desarrolló un estilo que se basaba en ritmos explosivos y rellenos abrasadores que recordaban a Buddy Rich y parecían desafiar el concepto mismo del tiempo. (El talentoso Travis Barker de Blink-182 resumió su influencia de esta manera: "Siempre me ha gustado Dennis Chambers, es muy llamativo"). Desde los años 90, Chambers ha tocado frecuentemente con Carlos Santana, Steely Dan y John McLaughlin, mientras trabajaba como director de banda. Los álbumes en solitario de Chambers, como Big City, Getting Even y Outbreak, son ejemplos lamentablemente pasados por alto de sus poderosas habilidades como batería y compositor.
62. Tony Thompson
Tony Thompson proporcionó los ritmos despiadados de cuatro por cuatro para Chic, una de las bandas más salvajes de la era disco. Su reputación creció enormemente en los años 70, pero su influencia continuó en los 80, en avalanchas pop imparables como “Addicted to Love” de Robert Palmer, “Let's Dance” de David Bowie y “Like a Virgin” de Madonna. Thompson incluso fue considerado como sustituto del fallecido John Bonham cuando hubo rumores de un resurgimiento de Led Zeppelin. Y, por supuesto, aportó su ritmo a la versión original de “Good Times”, la canción de Chic adoptada por innumerables bateristas como base para la primera ola de álbumes de rap y convertida en “The Adventures of Grandmaster Flash on the Wheels of Steel”. “Durante todos estos años, la gente quiso crear muestras de mi música. Todo el mundo siempre asumió que había algún truco especial”, dijo Thompson a Modern Drummer. “Al final no era más que un kit Yamaha nuevo en un estudio de ladrillos. Golpeé la batería muy fuerte. ¡Eso es todo!"
61. Clem Burke
Blondie Atomic (Video Oficial).
Clem Burke de Blondie trajo un ritmo inesperado al punk crudo y al new wave que rugía en los clubes de Nueva York como el CBGB en los años 70. Después de todo, la banda tituló su álbum revelación Eat to the Beat, y la combinación de un ritmo nítido y un aluvión de golpes dinámicos inspirados en Keith Moon ayudaron a Blondie a destacarse entre la multitud. Con Burke detrás de la batería, Blondie incorporó ritmos disco, reggae y hip-hop por igual en sus éxitos. También poseía una presencia y un carisma atípicos para un baterista. "A él le gustaba saltar al otro lado de la batería con bastante frecuencia", dijo la cantante Deborah Harry al Chicago Tribune. “Clem aparecía y era una verdadera estrella. “Él tocaba y sabías que esa era su vida”.
60. Mick Fleetwood
Junto con su amigo y compañero de la sección rítmica John McVie, Mick Fleetwood se ha mantenido como una constante a lo largo de las diversas transformaciones de la banda, desde el blues-rock de Peter Green de finales de los 60 hasta el pop adulto del actual conjunto Stevie Nicks–Lindsey Buckingham. La personalidad rítmica de Fleetwood es evidente en todo el icónico best-seller de la banda, Rumours: el elegante relleno que introduce "Dreams" es tan pegadizo como cualquier estribillo, y el vertiginoso contrapunto de tom-tom que proporciona a la guitarra rítmica de Buckingham es esencial en "Go Your Own Way". Buckingham elogió el estilo “instintivo” de Fleetwood y cuenta una historia sobre el distintivo toque de cencerro que el baterista agregó al primer sencillo de la banda, “Oh Well”. “Mick lo hizo de manera improvisada y cuando intentó repetirlo ¡no pudo! Le tomó una semana de ensayos aprender lo que había hecho en un momento”. Como artista, el estilo instintivo de Fleetwood y su alegría casi infantil detrás de la batería permanecen intactos hasta el día de hoy.
59. Jim Gordon
El protegido de Hal Blaine fue uno de los músicos de sesión más solicitados de los años 60, tocando la batería en todo, desde Pet Sounds hasta "Classical Gas". Durante la gira con Delaney & Bonnie, Gordon conoció a Eric Clapton, quien reclutó al baterista (y a muchos de sus compañeros de banda) para formar Derek and the Dominoes. La combinación de sensibilidad de blues y delicadeza profesional de Gordon alimenta el clásico LP doble Layla and Other Assorted Love Songs. Gordon luego grabó con artistas como Randy Newman y Steely Dan, y se convirtió en una figura inesperada en el ascenso del hip-hop cuando DJ Kool Herc comenzó a inspirar a los bailarines del Bronx con la interpretación de Gordon en "Apache" de Incredible Bongo Band. “Todos empezaron a buscar el ritmo perfecto, intentando superar esa pieza”, recuerda Herc. “Hasta ahora no lo han conseguido”.
58. Sheila E.
Nacida Sheila Escovedo, hija del percusionista Pete Escovedo, Sheila E. fue una baterista prodigio que cuando era niña actuó con figuras como Marvin Gaye y Herbie Hancock. Saltó a la fama al aportar su estilo polirrítmico, vívido e inmaculado a la banda de Prince posterior a la Revolución a finales de los 80, ayudando a definir el rock, el pop y el R&B de esa década. Por supuesto, también cantó como líder en éxitos como “The Glamorous Life” de 1984, pero es su prominencia como baterista, todavía muy solicitado, lo que ha asegurado su legado musical”. “Es muy interesante que todo el mundo diga que [Prince] me influyó, cuando en realidad fui yo quien lo influenció primero”, le dijo a Fox News. “Cuando fui a presentarme él ya sabía quién era yo, lo cual me sorprendió, y me dijo: 'Ya sé quién eres'. “He seguido tu carrera durante mucho tiempo, eres increíble y estaría muy feliz si tocaras en mi banda”.
57. Manu Katche
Manu Katché: Clubbing (Video en vivo) / Álbum: Manu Katché - Live in Concert
A finales de los años 80 y principios de los 90, artistas como Peter Gabriel y Sting se negaron a quedarse de brazos cruzados; Entonces recurrieron al súper dinámico baterista Manu Katché, francés nacido en Costa de Marfil, para traducir sus inmensas visiones de tono folk. Instantáneamente reconocible por su uso complejo de platillos salpicados y ritmos sincopados, aporta ritmo de África occidental a “In Your Eyes” de Gabriel y ritmo trip-hop a “Digging in the Dirt” del cantautor. Para el esquizofrénico “Englishman in New York” de Sting, el artista alterna entre reggae ligero, breaks estilo jazz y la potencia del hip hop de mediados de los 80 con la facilidad de un DJ. “Cuando hicimos la gira de Amnistía [en 1986], le pregunté a Manu Katché si podía sentarme detrás de él y mirarlo”, dijo Larry Mullen Jr. de U2. “Estaba impresionado y no sabía qué quería hacer, ¡pero yo solo quería ver cómo trabajan los bateristas de verdad!”
56. Richie Hayward
Little Feat - El solo de batería de Richie
Como baterista de la banda de boogie surrealista Little Feat, Richie Hayward tendía a tocar por encima, por debajo y alrededor del ritmo. Después de responder al anuncio de Lowell George en el LA Free Press (“Se busca baterista, se requiere extravagancia”), Hayward aceptó tanto el éxito crítico como el fracaso comercial de The Feat. Como principal fuerza impulsora de la banda, transformó a Little Feat en una versión colorida, vivaz y bailable de la proto-americana de la banda, sincera y en tonos sepia. Según el baterista de Phish, Jon Fishman, “la forma más fácil de predecir lo que iba a tocar en cualquier momento era escuchar la enunciación de las letras”. Hayward impulsó las estructuras de canciones caóticas y poco ortodoxas de Feat con su batería, añadiendo armonías vocales agudas. Añadió un slide con tintes blues de Louisiana a su sonido, siendo pionero en el estilo funk de segunda línea que le haría ganar el cariño de futuros empleadores como Robert Plant y Bob Dylan.
55. Max Weinberg
En la primavera de 1974, Max Weinberg vio un anuncio en el Village Voice de que Bruce Springsteen y la E Street Band estaban buscando un nuevo baterista y advirtió a los posibles candidatos que no querían un imitador de Ginger Bakers. Weinberg era un joven con una sólida formación musical y un pulso firme, inmerso en las orquestas de Broadway: es decir, todo lo contrario del imparable baterista de Cream. Impresionó a Springsteen en una audición y fue contratado justo cuando el trabajo en Born to Run estaba recién comenzando. Es imposible imaginar cómo habría sido ese álbum sin el ritmo inquieto de Weinberg, más cercano en espíritu a los reyes del estudio de los años 60 que a los gigantes de los estadios de los años 70, y a raíz de su éxito, el baterista se encontró trabajando con todos, desde Meat Loaf hasta Bonnie Tyler. Cuando la E Street Band se disolvió en 1989, encontró empleo como líder de la banda para Conan O'Brien, aunque cuando la banda se reformó en 1999, logró compaginar ambos roles entre su apretada agenda. “Max encontró un lugar donde Bernard Purdie, Buddy Rich y Keith Moon se encuentran, y lo hizo suyo”, dijo Bruce Springsteen en su discurso de aceptación de 1999 en el Salón de la Fama del Rock and Roll. “Le pido y él nunca me decepciona cada noche”.
54. Ahmir “Questlove” Thompson
Solo de batería de QuestLove en vivo en el Festival de Jazz de Toronto
Ahmir Thompson ha asumido muchos roles (superproductor de neo-soul, escritor ecléctico, líder de banda de programas de entrevistas, superfan de otras celebridades), pero estas oportunidades han surgido porque es, ante todo, un baterista versátil cuyo desempeño ha superado una y otra vez las expectativas. Las bocas que se habían torcido ante la idea de una “banda de hip-hop en vivo” se quedaron colgando cuando el ritmo constante de Thompson en “You Got Me” de Roots se acelera hasta convertirse en el breakbeat inquieto que los productores de drum ‘n’ bass siempre han creado electrónicamente. Puede que The Tonight Show With Jimmy Fallon sea un programa rentable, pero cada noche lo toma como un desafío, añadiendo nuevas páginas a su enciclopedia de ritmo en constante expansión, mezclándolas a la perfección con el estilo del invitado. “Eso es lo que hace que Ahmir sea genial”, dijo a The New Yorker el guitarrista Charlie Hunter, que trabajó con D’Angelo en su icónico LP, Voodoo. “Es capaz de jugar en perfecta armonía con los demás, tomar el control y ver el panorama general”.
53. Jimmy Chamberlin
Zwan - Honestamente (Video)
Según el líder de Smashing Pumpkins, Billy Corgan, Jimmy Chamberlin se presentó a sus primeros ensayos “vistiendo una camiseta rosa, jeans descoloridos y un corte de pelo estilo mullet. …Pensamos: "No es él". [En cambio] había aprendido todas nuestras canciones y, después de una sesión de ensayo, estábamos listos para tocar. "Es muy bueno en eso." A diferencia de los zeppelinistas de la era grunge como Dave Grohl de Nirvana y Matt Cameron de Soundgarden, Chamberlin sonaba como un músico sólido que había aprendido mucho del jazz, lo que sugiere una profunda familiaridad con cruces musicales como Dennis Chambers y Lenny White de Return to Forever. Al llenar Siamese Dream de 1993 con redobles ajustados y Mellon Collie y Infinite Sadness de 1995 con fervor orquestal, se ha vuelto tan intrínseco al sonido de la banda como el pedal steel de Billy Corgan. "No puedes simplemente agarrar a alguien y decirle: 'Toca la batería con esta canción de Smashing Pumpkins'", dijo Corgan a USA Today. “Las partes de batería de Jimmy son tan refinadas y matizadas técnicamente que sólo un grupo muy pequeño de personas podría tocar para él”.
52. Matt Cameron
Pearl Jam - Even Flow - Matt Cameron - Batería - Batería
Más que cualquier otro baterista, Matt Cameron sentó las bases rítmicas de la revolución del rock de los 90, reconciliando el lado técnico del progresivo con un poder abrumador. Cameron describió acertadamente sus ritmos de cuchillas giratorias en la canción de Soundgarden de 1991, “Jesus Christ Pose”, como un “puro asalto a los sentidos”, pero esa brutalidad eficiente no era necesariamente característica del trabajo de Cameron con la banda: su batería en Superunknown es tan reflexiva como robusta, desde la asimetría fluida de “Spoonman” hasta el ritmo constante de “Fell on Black Days”. Veinte años después del lanzamiento del álbum, Dave Grohl todavía lo alababa: “Nadie tocaba la batería como Matt”. Cuando Soundgarden se separó repentinamente en 1997, Cameron no estuvo desempleado por mucho tiempo: Pearl Jam lo invitó a su gira al año siguiente. “No intentaron limitarme en absoluto”, le dijo a un periodista al comienzo de la colaboración que continúa hasta el día de hoy. “Soy conocido por tocar rellenos raros y locos, y a veces por tocar cosas que no debería tocar, pero a ellos les encantó eso, al menos eso es lo que me dijeron”.
51. Alex Van Halen
La ambición colosal de Alex Van Halen y su agilidad similar al jazz hicieron de Van Halen una de las bandas de rock más vibrantes: millones de bateristas jóvenes en todo Estados Unidos se volvieron locos en los años 80 tratando de replicar su rápido trabajo de tom-tom y su swing galopante en "Hot for Teacher" o el intrincado ritmo inicial de "Finish What You Start". Su dedicación y perseverancia también fueron notables: un artículo de la revista Rolling Stone de 1984 describe una actuación de apertura de los Rolling Stones en la que Alex tocó con una mano rota en cuatro lugares. “Ni siquiera podía sostener una baqueta”, escribió la periodista Debby Miller. “Entonces se lo ató a la muñeca con un cordón y siguió jugando”. Van Halen atribuyó su elección de carrera a su infancia: “[Mi padre] era músico, y es difícil expresarlo con palabras, pero los músicos son diferentes a las personas que tienen un trabajo estable”, le dijo a Kurt Loder de MTV en 1991. “La mentalidad es diferente… el planeta entero es tu hogar”.
50. Cozy Powell
Desde que irrumpió en la escena con Jeff Beck Group en 1970, Colin Trevor “Cozy” Powell se ha ganado una reputación como baterista discreto y músico de sesión de elección, una poderosa figura clave vital para el desarrollo del hard rock y el heavy metal británicos. Si bien creaba regularmente sus propios proyectos, Powell es mejor recordado como un recurso invaluable para bandas como Rainbow y Whitesnake; como un tercio del conjunto de corta duración Emerson, Lake & Powell; y como fuerza guía para el Black Sabbath, criticado por la crítica pero innegablemente importante grupo de tiempos más recientes. En una entrevista de 1999, Emerson recordó cómo durante los ensayos Powell había armado su gigantesco equipo, solo para darse cuenta de que había olvidado sus baquetas: "Había planeado usar algunas ramas caídas de mi jardín, hasta que un granjero local fue a la ciudad a buscar algunas baquetas reales. No tenían el peso adecuado, pero funcionaban cuando los sostenía boca abajo, usando el extremo más grueso. Luego hizo su solo y fue como si hubiera estallado la Segunda Guerra Mundial”.
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