Autor de algunas de las letras más evocadoras y revolucionarias de la composición "made in Italy", Francesco De Gregori ha construido a lo largo de los años una galería de personajes y una colección de cuentos de hadas que encarnan la parábola italiana desde el 68 hasta hoy. Aquí está su historia, desde los rugientes años del Folkstudio hasta la mágica trilogía de los 70, hasta la actualidad.
Aunque él mismo ha afirmado en reiteradas ocasiones que no le gusta esa definición, a día de hoy Francesco De Gregori encarna el auténtico espíritu del "cantautor" italiano, por su manera de componer e interpretar canciones, utilizando textos ricos en metáforas, construcciones lógicas. -sintácticas inusuales, y acompañándolas con música solitaria, pero original y compleja, apoyándose casi siempre en instrumentos tradicionales. También es peculiar su manera de interpretar las canciones, con esa voz nasal y con el uso extensivo de las vocales: el estilo "alla De Gregori", que será imitado por generaciones enteras de seguidores.
Intelectual y apasionado de la música popular, siempre ha construido sus canciones teniendo como referente estructural y estilístico la mejor producción poética europea del siglo XX y ha aprovechado ese bagaje cultural y ese don natural que es su poesía (publicada también en libros escolares) para vestir sus canciones con versos de una fuerza evocadora abrumadora. Versos que incluso podrían prescindir de la música porque cantan, extrañamente, solos.
Sus reticencias, su desinterés por la imagen pública filtrada por los medios de comunicación y el carácter un tanto aristocrático y elitista de su música y (sobre todo) de sus versos, le han valido el famoso apodo de "Príncipe" de la canción italiana.
Nacido en Roma el 4 de abril de 1951, pasó su adolescencia en Pescara y regresó a la capital con su familia a finales de la década de 1960. Cursó el bachillerato clásico "Virgilio", donde vivió personalmente los acontecimientos políticos del movimiento estudiantil del '68. También en esos años ayuda a su padre, administrador de las bibliotecas vaticanas, a salvar los libros de la inundación en Florencia. Mientras tanto, aprende a tocar la guitarra rasgando la guitarra de su abuelo en su habitación (la buena sangre no miente) y así comienza a poner a trabajar su talento, poniendo sus lecturas juveniles en el pentagrama (Steinbeck, Cronin, Pavese, Marcuse, Pasolini) y sus amores musicales ( Simon & Garfunkel , De André , Tenco, Woody Gouthrie,
Fascinado e inspirado por el juglar de Duluth y empujado por su hermano Luigi (alias Luigi Grechi), también bibliotecario pero también uno de los cantantes de country más populares de nuestra casa, empezó a los dieciocho años a realizar algunas traducciones de canciones de Dylan en El Folkstudio de Giancarlo Cesaroni, un químico contagiado del virus de la buena música, tocando y cantando en la famosa silla roja (un poco incómoda para su estatura) de la conocida bodega de Via Garibaldi.
El restaurante del Trastevere es el "templo" de otros jóvenes compositores ( Antonello Venditti, Ernesto Bassignano, Mario Schiano, Giovanna Marini, Mimmo Locasciulli, Edoardo De Angelis, Archie Sawage, Stefano Rosso, Riccardo Cocciante, Paolo Pietrangeli, Giorgio Lo Cascio, o "Los jóvenes del folk") que, bajo las alas protectoras de Cesaroni , contribuirán, sin saberlo, a crear la "Escuela Romana" de composición.
Por aquel entonces, aún con veinte años, De Gregori recorrió Italia acompañando a la guitarra a la cantante folklórica de Florencia Caterina Bueno, autora de la canción "Cinquecentocatenalle" (a la que el propio De Gregori dedicaría más tarde la canción "Caterina" en Titanic ).
Al cabo de un tiempo, se unió al It team de Vincenzo Micocci (el que a Fortis le hubiera gustado matar en "Milan and Vincenzo") y, con tan solo 21 años, lanzó su primer disco, Theorius Campus, con Antonello Venditti ( para económica razones).
Todavía es un disco extremadamente inmaduro que presenta a Venditti como figura principal, mientras que De Gregori es todavía un cantautor muy joven que no convence del todo a las discográficas, con la mitad de potencia vocal que su colega y sin una pieza de gran repercusión (como ya era "Roma Capoccia" de Venditti).
Para recordar, sin embargo, "La Signora Aquilone", un cuento popular etéreo, "La casa del loco", un texto evocador sobre una trama oscura de moog compuesta por Giorgio Lo Cascio, y "Vocación 1 e ½", la única pieza compuesta por ambos cantautores, apoyados por coros celestiales.
En 1973 De Gregori se pasó a RCA y no falló la primera prueba de fondo con su primer LP de verdad, Alice no sabe . El éxito comercial tampoco llegará esta vez, pero su nombre empieza a circular entre el público joven más experimentado, y la pieza de impacto está ahí: es la "Alice" que da nombre al disco, una canción construida a guitarra. y violines finísimos, que narra la dulce pasividad de la niñez/adolescencia, con un texto compuesto por imágenes casi ajenas entre sí: el novio que en el momento de la boda grita "No estoy", Cesare ( Pavese, ed ) "perdida bajo la lluvia" que ha estado esperando "... durante seis horas a la bailarina de su amor", o de nuevo Lilì Marlène que "... sonríe y no dice su edad", y, dulcis in fondo,
Por un lado surge la pasión de De Gregori por la historia (el encantado "1940" y "Saigon", un hermoso folk-blues enriquecido por la guitarra de Roberto Ciotti), por el otro su más complejo y enigmático (es después de este disco que De Gregori comenzará a calificarse de hermético, adjetivo que siempre le ha fastidiado mucho): "Buonanotte brother", rítmico y dylaniano, dedicada a su amigo Lo Cascio y compuesta de evocadoras imágenes, "La casa di Hilde", balada de guitarra para una historia de formación y "contrabando", compuesta junto a Edoardo De Angelis, y sobre todo "Marianna al bivio" -quizás la canción, en realidad más hermética, que recita metáforas oscuras en una línea de bajo y percusión ("y Marianna caminó/ con el sol en el pelo/ aferrándose a un paraíso de papel de aluminio/ Cada hombre que pasó/ tocó su fuente/ pero dejó el alma sola / y el camino dividió / dos existencias paralelas / el horizonte cubrió su realidad / y Marianna no supo / qué era realmente / ese diamante que tenía en la mano / mientras el sol la seguía de lejos").
El single "Alice" llegará increíblemente último en "Un disco per l'estate" (De Gregori, entonces de pelo largo, participa en el evento con Vianella, también de It), pero el álbum aún alcanzará cierto éxito, confirmando la El Principito como uno de los cantantes emergentes más queridos por el público joven de vanguardia.
En 1974 salió Francesco De Gregori, marcada en la portada por la famosa oveja pintada por Gordon Fagetter. Es el disco underground de la discografía del cantautor romano: idolatrado por sus más cercanos seguidores y casi repudiado por el propio De Gregori (años después lo definiría como su peor trabajo). Las pistas, todas de guitarra/voz enriquecidas por ecos de piano y algunos otros instrumentos (la batería está completamente ausente), son más densas y personales que los álbumes anteriores, casi pensamientos sobre la almohada. "Nada que entender", la apertura y la canción más famosa del disco, es una respuesta a las definiciones de hermetismo dadas a De Gregori el año anterior, construida con una suerte de cut-up a la De Gregori,
La inspiración es palpable en cada canción y alcanza cotas muy altas en "Giorno di Pio" (guitarra y bajo casi apagados y dos notas de piano repetidas), que hace gala de un texto alucinante, y "Bene", obra maestra del disco, una íntima canción y con significados estratificados (el amor acabado, la existencia, el fin conmovedor de la adolescencia), tan privada que se rumorea que De Gregori la cantó una sola vez además de grabarla en disco.
Es sorprendente cómo, usando una instrumentación tan espartana -y siendo un guitarrista realmente elemental en ese momento-, De Gregori logró crear canciones que eran tan compositivas como independientes y brillantes en su propia luz.
La segunda parte del disco -que tiene su punto central en la espléndida balada sentimental "Bene"- presenta una letra aún más compleja ("al fondo del llano/ una línea más oscura/ el ejército de hombres diferentes/ con los ojos y la boca llenos del sueño/ esperó en un hueco de dos metros/ y nosotros/ al otro lado del concepto/ con el alma en el fondo de las latas/ cazábamos nuestros pensamientos como moscas mortales/ y nuestros cerebros se pusieron blancos/ el ataque fue arreglado para siete", de "Ventanas de dolor"), y en general mantiene el excelente nivel compositivo de la primera parte del disco, que termina con una frase que ciertamente no es inofensiva: "Estaba tan distraída, mi amor, cuando Te mordí el corazón".
Son años de luchas políticas y censura. Rai se opone abiertamente a De Gregori, debido a la letra y al área política a la que pertenece (cercano al PCI): le corresponde con una canción mordaz como "Informazioni di Vincent" ("Ayer en la televisión me dijeron que me calmara / Don' t no hay razón para tener miedo / Simplemente no hay nada malo"). Pero también destacan temas como "Buscando otro Egipto" y "A Lupo". En este último (todos se preguntan por qué no dice "Lobo"), además de la historia de su vida privada y del mítico Renault 4 en el que viajaba De Gregori junto a su compañero de viaje Lo Cascio, se cuenta la historia de un empresario apodado "Lobo", que siempre juró por su hija.
Es el enésimo pretexto de la prensa especializada, que está montando feroces polémicas culturales por su uso de las palabras en extrema libertad. Por primera vez, en el panorama musical italiano, la llamada "canción", tan atenta al texto, parecía no decir nada más.
Las canciones de De Gregori, sin embargo, son solo un misterio aparente. Son historias suspendidas entre la realidad y el sueño, entre la universalidad y la cotidianidad. A menudo, es suficiente estar al tanto de algunas situaciones en el texto para captar la interpretación. Siembran pistas, y luego divagan, dejando a la sensibilidad del oyente la tarea de reconstruir el resto, sobre la ola de sugerencias íntimamente ligadas a la música. Casi parece que disfruta escribiendo historias de hombres (incluido él mismo) usando metáforas como estimulante cálculo matemático, con palabras parecidas a números perfectos, engarzadas con las notas en el plan melódico de la canción que está por nacer. Curioso entonces, en su cancionero, el uso de la sinestesia, la construcción en la que se unen dos términos que se refieren a diferentes esferas sensoriales ("sonrisa de ladrón", "noche asesina", "jarra de cerveza desesperada", etc.).
En 1974, Fabrizio De André fue al Folkstudio y le pidió a Luigi Grechi que lo dejara escuchar las canciones de su hermano. Así nació la amistad con el cantautor genovés, que lleva a la creación del disco "Volume ottavo", a nombre de De André, pero con la firma de De Gregori en canciones como "La mala carretera", " Dolce luna", "La historia de ayer", "Océano" y "Canción para el verano".
Un año más tarde De Gregori publica Rimmel , todavía su álbum más famoso y hito de la canción italiana. Letras agridulces, para subrayar una constante ambivalencia sentimental, arreglos esta vez más ricos y certeros, y una capacidad melódica desbordante conforman un álbum extraordinariamente continuo y fluido, mientras que los anteriores siempre habían mostrado un talento intermitente.
Allápista del títuloadivinen un irresistible paseo melódico de piano, ambientado en un escenario folk americano historias de amor vivido, entre el lirismo y el sarcasmo ("Ahora puedes enviar tus labios a una nueva dirección / y mi cara superpuesta / a la de quién sabe quién más / Tus cuatro ases, fíjate, de un color / puedes esconderlos o jugarlos como quieras / o mantenerlos tan buenos amigos como nosotros"). Luego arranca la tierna balada de "Buonanotte Fiorellino", inspirada en el "Winterlude" de Dylan, que suple demasiadas afectaciones léxicas ("little flower", birds, "coin") con rimas inquietantes ("Now a ray de sol parado/ justo encima de mi billete caducado") y con un tono general irónico y desencantado.Elton John ("¿Daniel"?), centrado en el timbre de los teclados y la guitarra acústica.
Otras perlas son "Pablo" -que simplemente cuenta la historia de un emigrante español y ha sido atribuida, en cambio, a numerosos exiliados políticos e incluso a Neruda- con el excéntrico arreglo de Lucio Dalla ; la encantadora balada arpegiada de "Pieces of glass" y la surrealista "Quattro cani" (alias Francesco De Gregori, Antonello Venditti, Lilli Greco y Patty Pravo ), una alegoría con actitud de farsa, cadenciada por un fingerpickingpara efectuar Sin embargo, la dedicatoria de "Il Signor Hood" sigue siendo un misterio: - a M. con autonomía - (¿es acaso Mimmo Locasciulli, de Pescara? ¿O Marco Pannella, también natural de la ciudad de Abruzzo?). Pero es también en los temas "menores" donde hay que captar la grandeza del disco, como demuestra la dulce "Piccola mela", suave melodía pop en punta de voz, y la canción más política de todas, que " Historias de ayer" que aborda el tema del antifascismo con la habitual sagacidad lírica ("La mandíbula del patio habló / Demasiados muertos lo han negado").
El momento era propicio y De Gregori alquiló un viejo piso de tres habitaciones en Via del Mattonato en Trastevere (frente al Folkstudio), abandonando para siempre la casa de sus padres que, preocupados, pensaban con aprensión en su segundo hijo que se enfrentaba solo al mundo. en el centro de la peligrosa intersección de los vientos, armados únicamente con una guitarra Eko, en lugar del escudo protector de la carrera de literatura, como les hubiera gustado ("Mi padre es un chico tranquilo... se cree que tiene ideas/ Y su hijo es un barco pirata”, es el sello al conflicto generacional en “Historias de ayer”).
Hay que remontarse a 1975 para comprender lo difícil que fue para el cantautor romano componer la secuela de Rimmelsin desvirtuar su arte ni caer en la repetitividad. Él mismo confió más tarde sobre Bufalo Bill (1976): “Es mi cruz y mi deleite: bueno, si pudiera probablemente lo haría de nuevo, cuidando mejor los sonidos y los arreglos. Lo hice así, desnudo y esencial, para castigarme de haber hecho Rimmel que había vendido demasiado… ¡cosas de locos!”. Sin embargo, el propio De Gregori lo definiría como "mi álbum más exitoso", el de la época más feliz y serena de su vida.
A través de la descripción del último y doloroso espectáculo de Bufalo Bill, se escenifica el de profundisdel viejo mundo americano, que se va para dar paso al mito de la Frontera, a la motorización (el "culo de goma" mecánico), a la conquista del Oeste, al advenimiento de la hipócrita cultura americana, la del niño scouts, pin-up , el sueño americano, la sonrisa con dientes y el falso optimismo del extranjero.
El disco trata los temas de forma elíptica, utilizando metáforas sugerentes, y es más limpio en los sonidos. Incluso la voz tiene una entonación perfecta, ligeramente nasal y por momentos irreconocible en comparación con álbumes anteriores. El uso del piano mejora aún más la coordinación y la armonía.
La hermosa canción principales la metáfora melancólica de la apertura de horizontes en América hacia el Lejano Oeste, en la que incluso un hombre real como Buffalo acaba convirtiéndose en un fenómeno del circo. Musicalmente, se juega sobre la sucesión de un piano celestial y una guitarra campesina (y sobre la constante intuición de un estribillo que nunca llegará) para terminar con un espléndido solo de piano.
"El asesinato de Santa Claus" es -como revela el propio De Gregori- su única canción "amoral"; habla del final de la infancia y las (des)ilusiones asociadas a ella. "Desastre aéreo en el canal siciliano" cuenta con un texto prospectivo ("También es evidente / incluso en el clima de distensión / que un posible ataque a los países árabes / sitúa a Italia en primera posición) y la habitual destreza en la ambientación van subiendo las melodías, en un continuo crescendo emotivo. En el onírico "Ninetto e la colonia" el sonido se vuelve más rítmico, mientras que el texto alude probablemente a las multinacionales agroalimentarias estadounidenses, que han monopolizado las plantaciones en Sudamérica.
Pero es con "Atlantis" que el disco llega a su clímax. Una balada líquida, construida sobre una melodía aireada y sobre imágenes intensas y escalonadas de amor y sueños ("así pensaba el hombre que pasaba/ mientras volaba/ alto/ en el cielo de Nápoles/ robarle el dinero/ robarle también los recuerdos/ pero déjala para siempre/ su dulce curiosidad/ dile que la perdí cuando la entendí/ dile que la perdono/ por haberla traicionado”). Palabras melancólicas, pero dulcemente desprendidas, y piano y guitarra como una suave alfombra de sonido.
La calidad sigue siendo muy alta con los siguientes "Ipercarmela", "Último discurso grabado" y "Festival" (dedicado a la muerte de Luigi Tenco), mientras que "Santa Lucía", que cierra el disco, es una espléndida oración profana para voz de piano, enriquecida en el final por una coda bluesera de guitarra eléctrica sobre base de órgano. En última instancia, el único paso en falso del álbum es el extraño "Joven explorador Tobia", escrito en colaboración con Lucio Dalla.
De Gregori en este punto ha superado el primer obstáculo, la ola de regreso de Rimmel que podría haberlo destruido; sus canciones han evolucionado, el uso del piano junto a la guitarra acústica ha mejorado notablemente en coordinación y armonía y, sobre todo, cada canción está impregnada de la inspiración urgente que acompañaba a sus discos anteriores.
1977 es el año oscuro de De Gregori que, durante un concierto en el Palalido de Milán, sufre un juicio político por parte de un grupo de espectadores pertenecientes a un grupo extraparlamentario de izquierda, vinculado a Autonomia Operaia, los llamados "autoriduttori ". Tiempo después el cantautor romano, comentando el episodio, diría: "Tal como habían ido las cosas, hasta me podrían haber fusilado: fue un pequeño momento de la estrategia de la tensión". Acusar a los cantautores de enriquecerse con la excusa del mensaje político era una tendencia muy frecuente en esos años. El entonces juez de ese juicio de farsa, Gianni Muciacia, ex de Jo Squilo , todavía declara hoy que el juicio de De Gregori volvió al clima de aquellos años.guccini _
En cambio, fue De Gregori quien pagó el precio, quien, herido en su sensibilidad, suspendió la gira y se retiró de los escenarios durante un largo período durante el cual incluso decidió cambiar de profesión, trabajando también en una librería romana. Posteriormente, se casa con una antigua amiga del instituto, Alessandra Gobbi, con la que tendrá dos hijos, Marco y Federico (a los que más adelante se dedicará el texto de "Raggio di sole").
Pero eso es solo un paréntesis. De hecho, en 1978 se estrenó De Gregori , el tercer capítulo de la trilogía mágica iniciada con Rimmel y Bufalo Bill.. Un disco que suena como el final de una pesadilla personal. Liberador, desde la hermosa portada aérea, donde finalmente se muestra De Gregori, sobre un césped verde, corriendo tras un balón.
La contestación sufrida no ha afectado a su vena política, que aquí toca puntos de feroz denuncia ("Generale", "El ahorcado", "La campana"). Pero también se mantiene intacta la dulzura inigualable de su cancionero, que se sublima en la balada luminosa de "Raggio di sole", la canción ideal para dedicar a una nueva vida que nace.
Narrador nato, De Gregori consigue transformar hasta la más dura de las invectivas antimilitaristas en un cuento de hadas, el "General" que inmortaliza en una melodía histórica la sensación de derrota de un veterano que sueña con volver a casa ("En dos minutos es casi de día, es casi casa, es casi amor"). Las cadencias vuelven a ser las de la balada, impulsadas por piano y guitarra, pero con una batería que poco a poco va adquiriendo consistencia, casi como si representara el tam tam de la guerra. En la misma línea, el otro sencillo "Natale", que tiñe de "tristeza alegre" el recuerdo de un amor lejano. Recuerdo volver a "Renoir", pieza dividida en dos arreglos diferentes, el primero más festivo (con voces de contramelodía del propio De Gregori), el segundo más reflexivo, que cierra con una amarga autocompasión: "Ahora sabemos que los tiempos cambian / pasan y la tristeza y el amor regresan / en algún lugar hay una habitación más cálida / seguramente hay un hombre mejor / mientras tanto escribí otras canciones, rara vez hablan de ella / pero no es cierto que la haya perdido, olvidada como dice la gente"). Nostalgia y ternura que también se mezclan con los recuerdos de la infancia, los de "Il '56", cuando se pegaban fotografías de tanques sobre cartones (era el año de la invasión soviética de Hungría) y sin embargo "todo parecía ir bien". . "Ahora sabemos que los tiempos cambian / la tristeza y el amor pasan y regresan / en algún lugar hay una habitación más cálida / seguro que hay un hombre mejor / mientras tanto escribí otras canciones, rara vez hablan de ella / pero no es cierto que he perdido olvidado como dice la gente"). Nostalgia y ternura que también se mezclan con los recuerdos de la infancia, los de "Il '56", cuando se pegaban fotografías de tanques sobre cartones (era el año de la invasión soviética de Hungría) y sin embargo "todo parecía ir bien". . "Ahora sabemos que los tiempos cambian / la tristeza y el amor pasan y regresan / en algún lugar hay una habitación más cálida / seguro que hay un hombre mejor / mientras tanto escribí otras canciones, rara vez hablan de ella / pero no es cierto que he perdido olvidado como dice la gente"). Nostalgia y ternura que también se mezclan con los recuerdos de la infancia, los de "Il '56", cuando se pegaban fotografías de tanques sobre cartones (era el año de la invasión soviética de Hungría) y sin embargo "todo parecía ir bien". .
Pero sobre el disco se cierne el manto de los años de plomo y un conflicto político ahora en su apogeo. He aquí pues "La campana" que toca tañes fúnebres, para subrayar la marginación de los vencidos: es casi el réquiem de toda una generación ("Con un fajo de periódicos en la mano pensé: también se puede morir de dolor / Y bajo este gran cielo azul / finalmente, me sentí como un hombre solo / mis amigos ya sabes, están todos en la cárcel / todos están jodidos "). Sin embargo, todavía queda la fuerza para escupir la ira contra la violencia del sistema, simbolizada por la represión y las ejecuciones sumarias, como en "The Hangman", otra balada escueta con voz de piano, construida alrededor de una secuencia apremiante de hechos en una vida. estilo de acción: "Al quinto lo llevaron a la cárcel por una pista reciente / y lo crucificaron a espada y fuego / Quizás por un error o quizás porque lo habían descubierto / quizás por una confesión implícita / o simplemente por desánimo / y todos se preguntaban qué qué señal era el muerto". Una denuncia que también se torna íntima, con una pincelada de plan, cuando invierte el doloroso flagelo de la violencia doméstica ("Padre en la cárcel").
Suena entonces casi como un escape de tanta opresión, el "sueño urbano" final de "Dos gitanas", una estupenda oda antirracista, pero también un himno a la libertad ("Siempre he corrido libre, feliz como un perro" ), a tradiciones ya desvanecidas ("mis... tenían ojos rápidos como el viento, leían música en el firmamento"), a la voluntad de vivir contra las leyes del rebaño ("si pudiera, me casaría vosotros de tener hijos con los zapatos rotos, andarían por esta y otras ciudades, a construir tiovivos y deambular"). Una dulce filigrana de piano y el conmovedor solo de saxo en el final sellan una de las piezas más intensamente evocadoras de todo el repertorio de De Gregori.
El disco tuvo mucho éxito y lo relanzó De Gregori tras el percance de Palalido. Pero fue en 1979 cuando, gracias a una colosal campaña de recuperación de RCA y Lucio Dalla , volvió a su amado escenario, incursionando en lo que iba a ser uno de los mayores eventos de la música pop italiana: Banana Republic , un verano repleto de conciertos. en los estadios de Italia y un éxito de enormes proporciones del que se hará un doble disco en directo y una película.
Al final de la gira, se publicó Viva l'Italia , nuevamente en 1979.. A pesar del título falsamente nacionalista, este es el álbum más "americano" de De Gregori, como lo demuestra la presencia de un puñado de talentosos instrumentistas extranjeros y la elección de confiar la producción a un gurú internacional como Andrew Loog Oldham, ya junto a los Rolling Stones .
Las sugerencias latinoamericanas ("Eugenio", "Buenos Aires") y el conceptodel viaje que une las ocho vías, sin embargo, esconde un examen lúcido de la realidad italiana, desgarrada por las masacres impunes ("... del 12 de diciembre"), por la discriminación entre el norte y el sur ("Nacidos en África de Italia") y por la marginación ("Tierra agua / agua y tierra / eso vi"). No falta la habitual rima agridulce ("Stella starlet", mecida en tiempos indolentes sudamericanos) y la invocación antimilitarista ("Niño Jesús"), envuelta en suaves sones folclóricos, mientras que "Terra e acqua" es una letanía cantó con un tono enojado en un arreglo descarnado y fantasmal.
Pero la obra maestra del disco es obviamente la canción principal., balada lúgubre en claroscuro sobre la historia de la Italia contemporánea, impulsada por un movimiento solemne, con una introducción orquestal que precede a la tranquila declamación de De Gregori, apoyada por bajo, guitarra y batería. Es el retrato de la Italia "de los valses y del café", de la Italia "desnuda como siempre", pero también de la Italia "que resiste", en una especie de batalla encarnizada contra sí misma y sus pecados originales. La canción será objeto de reiterados malentendidos políticos, contra los que el cantautor romano luchará con decisión (por ejemplo, prohibiendo su uso propagandístico a los posfascistas del Movimiento Social).
A pesar del éxito eterno de la canción principal , Viva l'Italiasin embargo resulta ser un álbum de transición, entre la época dorada de De Gregori y lo que vendrá: un período que verá desvanecerse su vena de compositor musical, sobre todo, mientras que la de poeta se conservará con mayor eficacia hasta el final. día presente
Los años 80 comenzaron con un disco inspirado en la tragedia del famoso transatlántico Star Line que el 15 de abril de 1912 chocó contra un iceberg y se hundió en los gélidos mares del Atlántico Norte. Pero Titanic no es exactamente un álbum conceptual (solo hay tres canciones vinculadas a la historia: la canción principal, "Los músculos del capitán" y "La ropa de un fogonero") y se convierte también en una oportunidad para que De Gregori actualice su canción política, despojándola de los derroches del 68 y el 77 y devolviéndola a una dimensión de pura denuncia social.
El contexto italiano ha cambiado profundamente: la temporada sombría de los años de plomo ahora está dando paso al boom ilusorio de los años 80, de beber Milán y bienestar efímero. De Gregori, entonces, utiliza la metáfora del transatlántico aparentemente insumergible para desenmascarar las contradicciones de este avance ficticio, que avanza con los ojos cerrados hacia los restos ("Y el Capitán le dice al chico de cubierta: "Señor cubo, no no veo nada / c' es sólo una neblina anunciando el sol / sigamos tranquilos") y que penaliza a los estratos más débiles de la población ("La primera clase cuesta mil liras / la segunda cien / la tercera dolor y miedo / y apesta a sudor de la escotilla/ y huele a mar muerto").
siempre verde del disco, "La palanca futbolística de la promoción del 68", metáfora deportiva de una generación que ha pasado de la revolución a la integración burguesa en el espacio de una década. Una hermosa balada para piano, con una conmovedora coda instrumental. Se abusará de ella en todo tipo de reportajes deportivos que transmitirán todo tipo de televisores.
Otro clásico es el tema que da título , un fresco coral de las diversas humanidades a bordo del barco, envuelto en una melodía que también parece flotar sobre las olas. Aún mejor es "L'vestimenta di un fuocosta", interpretada con un ritmo apremiante de canción popular (Giovanna Marini está en los coros), con unos acordes perspicaces y un texto de denuncia de la explotación y la inmigración, visto a través del diálogo entre una madre y su hijo que se marcha ("Hijo, con qué ojos... debo verte/ Con los pantalones desgastados por las nalgas/ . ..Hijo sin mañana/ con esta mirada de animal en fuga/ y estas lágrimas en la orilla.../...Pero a mamá me roban la vida/ cuando me ponen a trabajar/ por unos dólares en las calderas / bajo el nivel del mar/ En este negro barco negro que me dicen que no se puede hundir"). El tríptico sobre el Titanic se cierra con la más apagada "Los músculos del capitán", que puntúa el epitafio de un impulso modernista destinado a acabar con los interludios del piano.
Al menos otros dos temas son dignos de mención, el inicial "Belli capelli" (un poco gigionesco, pero en definitiva exitoso) y la balada casi country de "Caterina", dedicada a Caterina Bueno, la cantante de folk que lo había llevado de gira . apenas veinte años en 1971: un homenaje casi emotivo, construido a base de flashbacks: "Luego llegó la mañana y con la mañana un ángel/ y ese ángel eras tú/ ...Y la guitarra de verdad/ tocabas muy mal/ pero cuando cantaba/ sonaba a Carnaval".
Titanic es un gran éxito y De Gregori despeja aduanas incluso en las noticias de la Rai que siempre lo habían boicoteado. Sin embargo, también será la última nota alta del cantautor romano. Los próximos años, de hecho, marcarán un declive récord progresivo,siempre robusto y atractivo.
En 1983, De Gregori compone la banda sonora de la película "Flirt" que publica en un Q-disc, que contiene "La donna cannone", una balada para piano con tanta clase y mucho oficio que resultará ser una de sus éxitos más exitosos.
Pero la parábola ya está descendiendo. Ajedrez y Tarot (1985) producido por Ivano Fossati, es el primer paso en falso de De Gregori. Bellas canciones no faltan, pero son pocas: "La storia", una audición piano-voz realizada en un cuarto de hora, es una balada mínima construida sobre unos pocos acordes, una obra maestra de incisividad y mirada emotiva, pero muy lúcido sobre el concepto de historia y sobre la nuestra pertenencia a él; "A Pà", dedicada a Pasolini, comienza tranquilamente con un dúo de piano y guitarra eléctrica para terminar con un espléndido punto de inflexión musical, en el que De Gregori inserta una cita del poeta ("y quiero vivir como lirios en los campos/ y cómo los pájaros viven en el cielo / y quiero vivir como los lirios en los campos / y volar sobre los lirios y en los campos"). La otra canción significativa del disco es "Miracolo a Venezia", una de las muchas frutas no reconocidas y deliciosas que ofrece el repertorio de De Gregori: definido por el autor como "una visión pura, ni siquiera una canción sobre Venecia [...], es un dibujo de Buzzati, es una foto antigua, es un símbolo de descontento, de algo moribundo", se encuentra sobre una alfombra oscura de sintetizadores y emerge en un crescendo (también vocal) que nunca explota, dejando una agradable sensación de incompletitud. En el resto del disco se alternan temas agradables pero medio acertados -"Poetas para el verano", "Ciao ciao", "Tutti salvi"- con auténticos caprichos, sin especial trascendencia. dejando una agradable sensación de incompletitud. En el resto del disco se alternan temas agradables pero medio acertados -"Poetas para el verano", "Ciao ciao", "Tutti salvi"- con auténticos caprichos, sin especial trascendencia. dejando una agradable sensación de incompletitud. En el resto del disco se alternan temas agradables pero medio acertados -"Poetas para el verano", "Ciao ciao", "Tutti salvi"- con auténticos caprichos, sin especial trascendencia.
El posterior No Man's Land (1987) es quizás el álbum más oscuro y doloroso de De Gregori; pasado a un segundo plano, contiene un par de notables canciones para piano ("Pane e castagne" y "Mimi sar") y piezas más rítmicas ("Il canto delle sirene", con un texto sublime, "Nero"), pero también algunas débil ("Hombros anchos" y "Maleta vieja"). Las composiciones del Príncipe han cambiado mucho desde el principio, al igual que su forma de cantar. No más amor y fragmentos de autobiografía, sino una mirada seca y clara a la realidad y los cambios que trae a nuestras almas. Incluso la voz angelical de los primeros discos ha desaparecido, salvo en algunos episodios (los ya mencionados "Pane e castagne" y "Mimi sar").
concepto sobre "dificultad", entendida como dolor, duda, dificultad de inmigración y planificación del futuro. Todo perfectamente enfocado y compacto, incluso si no está respaldado por el flujo constante de inspiración, ahora perdido con la juventud.
Dos años más tarde se estrenó Miramare 19.4.89 , que, aunque más heterogénea que la anterior, podría considerarse su continuación natural. En algunos lugares es más directo y centrado que la tierra de nadie , en otros momentos más visionario (y, a veces, que distrae). Después del avance del Ajedrez y el Tarot, disco obtenido con una producción esencial y minimalista, en este trabajo aparecen arreglos demasiado sobrios y redondos, aunque sólo hay un tema que sin duda hubiera necesitado ritmos más centrados y menos florituras sonoras: el "Bambini venite parvulos" que abre el disco con palabras de una dureza sin precedentes ("Ningún cálculo tiene sentido dentro de esta parálisis"... "legalizar la mafia será la regla del milenio, el carisma de Mastro Lindo ordenará la cola"), una canción "sobre la progresiva reducción de la edad de los asesinos y víctimas del mundo de hoy, y que ambos suelen llevar la misma marca de zapatos".
Más adelante aparecen portadores de luz y buscadores de oro, en un "Miramare" que arranca delicadamente con guitarra y armónica, pero que nunca despega, limitándose a desgranar un texto no obstante evocador. Los episodios rockeros no convencen demasiado ("Dr. Dobermann" y "Pentathlon", una de las canciones más feas de todo el repertorio de De Gregori), mientras que hay sitio para algunas joyas: "Cose", una estampa nocturna y enigmática, y el final “Carta desde un cosmódromo mexicano”, breve pero sugerente texto en teclado y hermosa conclusión confiada a las cuerdas.
De la incesante actividad en vivo se decía : en 1990, De Gregori decidió inmortalizarla en tres discos: Nada que entender .. Treinta y cuatro canciones en total, el resumen de una carrera que ya abarca casi veinte años.
El regreso a un álbum de estudio con Canzoni d'amore continúa idealmente la reflexión sobre el mundo iniciada en los trabajos anteriores. El título es obviamente engañoso, a excepción de la dulce "Bellamore", otra balada sentimental de puntillas, cantada junto a Patrizia Giordano. La implicación de la banda que tocaba en los conciertos dota al disco de una energía casi viva , palpable en temas más "musculosos" como "Sangue su sangue", "Adelante! Adelante!" y "Viajes y espejismos". De Gregori a menudo juega rockero, planteando dilemas incómodos ("¿Estás del lado de los que roban en los supermercados/ o de los que los construyeron... robando?", de "Quién roba en los supermercados") pero también enredándose en polémicas políticas miopes (" Es solo el cabecilla, pero parece un faraón.../ Se hace pasar por Mitterrand, pero es peor que Nero", una invectiva cuyo blanco demasiado abierto es Bettino Craxi). Pero Mani Pulite aún no había llegado...
Incluso pequeños poemas mínimos iluminan el disco, como el conmovedor diálogo con el padre de "Tutto più chiaro che qui", la campesina de "Stella della strada" y la dolorosa tema de "Povero me" (escrito junto a su amigo Mimmo Locasciulli). Pero el cenit está en el final "Ruido de nada", recreación de nuevos fantasmas nazi-racistas apoyados por una espléndida coda instrumental.
Canciones de amores un disco compacto y vibrante: De Gregori inaugura la nueva década con aires de narrador de pura sangre .
Tras los dos discos en directo El bandido y el campeón y Bootleg , llegan cuatro largos años de silencio, durante los cuales De Gregori improvisa como periodista para l'Unità, dirigido por su amigo Walter Veltroni.
La vuelta al mercado se remonta a 1996, cuando en el disco Take and Leave , producido por el guitarrista Corrado Rustici , el público de De Gregori descubre nuevas sonoridades y arreglos más modernos, por momentos alejados de aquellas soluciones acústicas de las que se había servido el artista romano. temprano en su carrera.
Los resultados son, como siempre, dudosos, porque la música de De Gregori está quizás condenada a no cambiar nunca, como él nunca ha cambiado, terco y terco en sus convicciones, en su poética, en su aislamiento elitista. Así que no necesitas una guitarra de rock o un sonido más tecnológico para restaurar el brillo de una composición ahora en medio de una crisis creativa. Así que en “Compañeros de viaje”, más que el sonido “con cuerpo” , si acaso, es posible captar un espíritu dylaniano , que se cierne entre los versos y las imágenes. En "L'Agnello di Dio", la intro casi rap y la tendencia tribal no valen más que la habitual poesía metropolitana de denuncia. "Un guante", inspirada en las litografías de Max Klinger,, pero sin rascarse nunca.
El De Gregori más incisivo sigue siendo el que sabe hurgar en las raíces de la canción popular (la parca "Stelutis Alpinis", el cuento alucinado de "Fine di un killer", con el acordeón de Ambrogio Sparagna) o en la balada sentimental , como en "Baci da Pompei", instantánea de dos enamorados sorprendidos por la erupción del volcán, con un evocador riff de guitarra para entregarse al diálogo amoroso. "Take this gypsy hand", sin embargo, valdrá una bochornosa (para los promotores) denuncia por plagio por parte de los autores de la canción "Zingara" (presentada en Sanremo por Iva Zanicchi en 1969).
De la gira inmediatamente siguiente se extrajo un doble CD embellecido por el inédito "La maleta del actor", escrito para Alessandro Haber, por "Dame comida", ya interpretado por Angela Baraldi y por "Non dirle che non è così", conmovedor italiano versión del "If You See Her, Say Hello" que Bob Dylan había incluido en su " Blood On The Tracks " de 1975.
Origins y Curve nella memoria son dos buenas antologías editadas en el bienio '96-'98, especialmente útil para redescubrir los años dorados.
El presente, sin embargo, ofrece otro disco de estudio, Amor a la tarde.(2001), producido por el fiel Guido Guglielminetti. Tonos oscuros y estados de ánimo lúgubres para un nuevo cancionero de la vida cotidiana, en el que colaboran importantes nombres como Franco Battiato o Nicola Piovani . La impronta de Dylan
sigue siendo fuerte , reconocible desde la inicial "L'aggettivo Mitico", una apremiante balada metropolitana basada en el trío bajo-guitarra-batería, y en un texto mordaz ("Hoy se vierte vino, se parte pan dos mil veces la el gallo canta… Sócrates grita preguntas en la calle y Fra Angelico pinta muros suburbanos… hombres con machetes en vehículos todoterreno, hombres descalzos por la carretera”). Siempre en cadencias rápidas también "Spad VII S2489", una nueva fábula sobre la guerra,
El país de ensueño de "Condenados a muerte" es el escenario de otro j'accuse crudo, esta vez contra la intolerancia religiosa, a raíz de la historia de Salman Rushdie ("La religión puede ser un sentimiento / la religión puede ser un escape del amor/ La religión puede ser entretenimiento/La religión puede ser terror"). "Canzone per l'estate" propone la canción escrita e interpretada en 1974 con Fabrizio De André en una clave aún más sombría. Pero el ápice y el "caso" del disco es "Il Cuoco di Salò": un piano conmovedor y una hermosa guarnición de cuerdas y fanfarrias (arregladas por Battiato) para acompañar el lamento de un perdedor, un cocinero, que se encuentra al servicio de los jerarcas fascistas en fuga ("aquí se construye Italia y te mueres... te mueres del lado equivocado").
A partir de marzo, tras tres años de ausencia de los escenarios, De Gregori, bajo la dirección artística de Guido Guglielminetti, afronta una nueva gira, acompañado por Paolo Giovenchi a la guitarra, Greg Cohen, antes con Tom Waits, al bajo y contrabajo acústico . , Alessandro Svampa a la batería, Alessandro Arianti al piano y teclados, Marco Rosini a la mandolina y guitarra acústica y, 25 años después de su última aparición, Toto Torquati al órgano Hammond y teclados. La gira toca con éxito los principales teatros italianos y, después de un breve descanso, continúa hasta septiembre dando vida al amigo en vivo Fuego amigo , publicado en 2002. En el mismo año, el cantautor romano se embarca en una larga gira junto con Fiorella Mannoia,
Ron y Pino Daniele . La improbable experiencia del cuarteto será fotografiada en el disco en vivo In Tour .
Más acorde con el bagaje del cantautor romano, la otra colaboración, con Giovanna Marini, voz histórica del folk italiano; catorce temas bajo el título Il fischio del vapore , que proceden del archivo personal del cantautor, pero también de la memoria histórica de la música popular. Está la canción política de "El ataque a Togliatti", que recuerda el intento de asesinato del líder comunista, ocurrido en 1948, ya incluida en el anterior directo Fuego amigo. Hay una intensa reedición de "La ropa del fogonero". Pero para dar un tinte más auténticamente folclórico al disco, unos cantos tradicionales de los escardadores ("Saluteremo il maestro" y "Bella ciao") y uno de emigración, al estilo de los cuentistas del valle del Po ("El trágico naufragio del Sirio barco"). Esto último parece tener eco en la pieza "Sacco e Vanzetti", que cuenta la historia de la ejecución de los dos anarquistas, injustamente acusados de asesinato en los Estados Unidos, en 1927. También hay numerosos temas pertenecientes al repertorio de Giovanna. Daffini, mondina y narradora, murió en 1967 ("Mujer lombarda de Gualtieri", "Escucho el silbato del vapor", "Oh Venecia, eres la más hermosa"). Una operación arriesgada y valiente, El silbato del vapordeja perplejos a muchos aficionados, pero en realidad corona un camino de recuperación y filología de la música popular italiana recorrido con tenacidad por el cantautor romano a lo largo de su carrera. Como evidencia de una creatividad (parcialmente) redescubierta, Pezzi
fue lanzado en 2005 , con toda probabilidad el mejor álbum de De Gregori desde Titanic . Diez trazos dispersos de un discurso por reconstruir, como el rompecabezas de la portada. Nada nuevo ni trascendental, eso sí, pero al menos ese formato de madurez de balada de blues-rock de Dylan, muy valorado en los directos., encuentra sustancia aquí en un arsenal más rico y atractivo de melodías y sonidos. Comenzando con la conmovedora "La cabeza en el balde", imbuida de sugerencias desérticas a la Calexico., con su andar encorvado y su guitarreo western, hasta la otra llamarada rockera de "The Bethlehem Panorama", con su hermosa guitarra, su línea de piano y su agonizante escenario de muerte ("Señor, por favor / Déjame respirar / Déjame descansar un bit / Antes de que tenga que morir"). Y temas como "Parole a memoria" también se mantienen en estándares decentes, esta vez con una mirada directa hacia Duluth (léase "Knockin' On Heaven's Door") y un texto entrecortado como en los viejos tiempos ("It was just to chat / echar vino romper el pan / Pagar la prenda, volver a empezar / hablar con el perro"), o la tierna "Piernas en París", otro retrato más de una derrota, o incluso la conmovedora canción de cuna de "Las lágrimas de Nemo", refinado por la mandolina de Marco Rosini.
En otros lugares, rock clásicode De Gregori, siempre lejos de distorsiones y ruidos indie, sin embargo se muestra rancio y monótono, como en el ataque de bolso de "Numeri da download", en el riff bobo de "Tempo reale" o en el empalagoso single "Vai in Africa , Celestino", collage de fragmentos dispares de nuestra vida cotidiana.
Se repasa con crudeza la actualidad, entre crónicas de horror ("El vestido del violinista", en el que aparecen los fantasmas de los niños de Beslán) y la indignación nacional (la invectiva de "Tempo Real" con versos como "si yo renaciera, Prefiero no renacer aquí", lo que también quita el final feliz al "Io non mi feel italiano" de Gaber .
Piezases una mirada amarga y desencantada al mundo de quienes ya no tienen la ambición de cambiarlo. En una entrevista con el "Corriere della Sera", De Gregori dijo: "Ya ni siquiera la izquierda me fascina. Canto fragmentos de vida, dolor y confusión". Y en referencia a su sonido , celebrará definitivamente su ascendencia dylaniana : " Springsteen tiene un sonido mucho más educado, es un buen chico. Musicalmente soy más sucio. Springsteen es un sabelotodo del rock, se nota que trabaja en un estudio". Dylan, en cambio, es un músico desequilibrado, disonante, innovador. Springsteen tiene buena voluntad, ha estudiado, pero ya está".
Las "nueve nuevas canciones" de Calypsos(2006) no ofrecen nada sorprendente: sólo juegos grupales sobre la siempreviva que van desde títulos lapidarios sobre etapas de la vida hasta cancioncillas con una voz más nasal que nunca. El disco fluye con ligereza, entre baladas de piano hasta "La canción del amor perdido" ("Cardiología") y temas de power-pop no demasiado atrevidos.("Mayday"), mientras intenta tomar la imagen habitual de una ciudad en el ambiente "Per le strada di Roma", donde aparecen "luciérnagas en Salaria y putas en Via Frattina", sin olvidar a los "chicos que salen de la escuela y sueña con ser político o actor…”. Es interesante el uso metafórico de "La casa", entendida como lugar imaginativo y envoltura de sentimientos espinosos y rotos, como provisionalmente posible ("Estoy construyendo esta casa... Y planto cuatro viñedos para el vino de septiembre, y yo apuesto que te quiero amar siempre...").
El sentido musical generalizado es algo mínimo, a excepción de los coros de respuesta de "La linea della vita" que desempeñan el papel del alma dulce y malvada de la que se habla. Sólo aquí, o casi, en la práctica, una mirada vagamente eclesiástica, no precisamente memorable, parece atrevida. Por lo demás, los arreglos son casi inapreciables, como si de un sermón de fondo se tratase. Aquí, la razón del perpetuado cansancio melódico (sí) de sus últimos discos también hay que buscarla en las ansias de sermonear, aún más enjundiosa, pero también más sofisticada, que antaño.
En 2008, aquí están las nueve canciones del artista llamado Por brevedad (título reproducido en un aviso legal de su primer contrato discográfico).
La pista del títuloabre el disco con una conmovedora inmersión en el pasado: caricias acústicas y drapeados de cuerdas para enmarcar una balada (quizás) autobiográfica, llena de recuerdos y sugerencias oníricas, que juega con el tema de los dobles y los opuestos. La otra marca registrada es "Volavola", una suave canción de cuna en voz de piano en la estela de la tradición popular italiana, que no habría desfigurado el cancionero grabado en 2002 con Giovanna Marini.
El resto del disco, sin embargo, se pierde en esa composición floja y amanerada en la que ahora parece haberse refugiado De Gregori. Aquí están, pues, los habituales blues-rock envalentonados, con tonos vagamente proféticos ("Broken Windows"), el predecible andar a lo Dylan("Celebración", un alejamiento de los años "del terrorismo y la fotografía" donde "la izquierda se paralizaba, la derecha trabajaba"), la balada campestre de armónica estándar ("Cada día de lluvia que Dios manda al suelo"), la habitual divertimento lingüístico, jugado en este caso con verbos imperfectos ("El imperfecto"), el mantra infaltable de la "mala tempora currunt", esta vez en forma de pisotón grotesco ("Carne humana para el desayuno"), con coros femeninos kitschissimi para acompañar.
Canciones honestas, pero sin esos destellos poéticos y oleadas melódicas que con tanta naturalidad brotaban del cancionerode los tiempos dorados. Mejor, si cabe, la versión de "El ángel de Lyon" de los estadounidenses Tom Russell y Steve Young ("L'angelo di Lyon", con letra de Luigi Grechi, hermano de Francesco), y la angustiada despedida de "L'infinito " , enfatizado dramáticamente por un arreglo de cuerdas y piano. Es el epílogo más amargo de una “autobiografía fantasiosa”, como ha definido el propio cantautor a la colección.
Mientras tanto, De Gregori continúa su incansable actividad en vivo por Italia y, en comparación con el pasado, se muestra mucho más, incluso en programas de televisión populares como el Festivalbar. Pero quizás esto también sea una señal de los tiempos cambiantes...
En 2010 el evento que no esperabas: Francesco De Gregori se encuentra con su viejo amigo Lucio Dalla, treinta y un años después de "Banana Republic". Un concierto emocionante, el del Vox Club de Nonantola (Modena). Los dos viejos amigos que se huelen, se reencuentran, vuelven a divertirse sobre el escenario entre gags y canciones. Pero nadie podía prever que "Work in Progress" se convertiría en una obra de construcción itinerante durante todo un año. Desde aquel 22 de enero de 2010, los dos recorren incansablemente Italia con el tren de sus canciones. Y eso no es todo, porque se han anunciado nuevas fechas de aquí a la primavera de 2011. Nada que ver con el gigantismo de la histórica gira del 79, aunque no faltaron grandes recintos, como el Arena di Verona. Jugando juntos por la noche, luego todos en casa,
El doble CD Work In Progress sella la nueva armonía de los dos sobre el escenario, donde cada uno canta las canciones del otro, excepto "Caruso" y "La donna cannone", demasiado personales para prestarse al "intercambio". Luego, los dúos, a menudo los momentos más agradables, sobre todo una conmovedora "Santa Lucia", no en vano la pieza favorita de Dalla de De Gregori, una apasionante "Nuvolari" y un divertido "Desperato erotico stomp". Aunque - hay que decirlo - los papeles con respecto a "Banana Republic" parecen haberse invertido: hoy De Gregori está en la mejor forma, también como intérprete, mientras que Dalla lucha un poco para seguirle el ritmo, compensando con habilidad y carisma.
Veintinueve temas en directo y dos temas inéditos:estilo antiguo , más la versión de estudio de "Generale" y la versión de "Just A Gigolò" ("Sólo un gigoló"). Muchos clásicos, extraídos del mejor repertorio de ambos. Con arreglos completamente nuevos. En una coda de saxo. y guitarras en lugar de la sonata para piano de "La leva calcistica dellaCLASS '68", de ver una armónica dylaniana sustituir a las inmortales gaitas de "Viva l'Italia" o de tener dificultades para reconocer la "Buonanotte Fiorellino" transformada de vals musette en galope rockero Para De Gregori ciertamente no es nuevo, después de todo: sus canciones siempre han cambiado de cara en el escenario, según la lección de Dylan .etiquetado como "Tour interminable". Deja pues el "Rimmel" cantado a coro con el público suspendido entre la vergüenza y la emoción: casi un homenaje, tras años de altivo (ya menudo incomprendido) desapego.
Las canciones de Dalla son más respetuosas con las originales, aunque los arreglos modernos dan un nuevo brío a obras maestras del pasado como "Anna e Marco", "L'anno chevenire", "Futura", mientras que una sentida "Henna" nos recuerda cuál es quizás su última hazaña reciente. Se adjunta el DVD "Back To Back", con aproximadamente una hora de backstage y entrevistas.
No se trata de una operación de nostalgia y ni siquiera de un mero producto promocional, en cualquier caso, como demuestra la falta de canciones extraídas de sus discos más recientes. Sólo el sincero y divertido testimonio de dos colosos de la composición dispuestos a volver al ruedo tras cuarenta años de honrosa carrera. Con todos los méritos de ayer y algunas limitaciones de hoy.
La repentina muerte de Lucio Dalla ( Montreux, 1 de marzo de 2012) desespera a su amigo, que prefiere el silencio del dolor solitario a la liturgia de las celebraciones.
Mientras tanto, De Gregori sigue trabajando en los nueve temas del nuevo álbum Sulla stradaque sale a finales de año. Si la imaginería del libro de Kerouac –que admite haber leído recientemente– es sólo la clave del título, el contexto musical es aún más distante de lo que uno podría haber imaginado. Ese folk-rock amanerado, del que se abusa en los últimos trabajos, desaparece con el single del mismo nombre, revelando uno de sus discos menos Dylan .
De Gregori en Sulla strada se beneficia de la inmersión en la canción popular lograda en los últimos años, primero con Giovanna Marini, luego junto a Ambrogio Sparagna, pero también del toque orquestal de Nicola Piovani, que trae como dote sus siempre sugerentes y calibradas cuerdas.
El corazón del disco, por tanto, más que en la enésima reflexión sobre el viaje de "En el camino", radica en una mirada serena volcada hacia un mundo antiguo, como la del poeta Dino Campana, que escapa de la academia militar donde a sus padres los han destinado, vagando en el frío entre los burdeles (“van le troie iluminando el camino destartalado del sargento enamorado, que se va de noche”). Es el espléndido vals rebetiko y casi “ coheniano ” de la “Belle époque”, el destello del campeón.
Es con una mirada serena, se decía, que De Gregori rebobina la cinta del siglo pasado, del siglo XX: "Veo las cosas pasar suavemente", canta en "Showtime" entre radiantes aperturas melódicas. Lejos de la algarabía de nuestros días, confiesa que vive a "ritmo de hombre", en otra elegante balada que se hace eco de un léxico repleto de imágenes sencillas siempre queridas ("Soy un obrero del terraplén, mi pan sabe de polvo, mi agua es salada"). Pero releer el siglo XX es también sumergirse en sus horrores, como los narrados por los soldados de "La Guerra", que escaparon de una cruenta batalla.
Los ritmos se balancean sobre cadencias latinas, sin embargo, en los dos temas que acogen la voz de Malika Ayane: "Ragazza del '95", un retrato de juventud y esperanza en los pliegues de un acordeón, y el burlón "Omero al Cantagiro" donde , bajo una lluvia incesante, un Homero sube al escenario para cantar la Guerra de Troya: una metáfora no demasiado velada de la crisis de la música.
La vena autobiográfica resurge entre las conmovedoras cuerdas de "Guarda che non sono io", donde De Gregori casi parece justificarse por todas sus reticencias "públicas", destacando las contradicciones en la relación hombre/artista: "Alguien me ve y me llama por su nombre, se detiene y me agradece, quiere saber algo de una vieja canción y le digo lo siento, pero no sé de lo que hablas, estoy aquí con mis bolsas de la compra". Una escena que todo hace pensar se ha repetido muy a menudo. Finalmente, están las habituales reflexiones sobre el amor, que -como suele ocurrir en el cancionero degregoriano- se convierte en una fuerza magnética asumiendo rasgos antropomórficos ("Viaja contra el tráfico, siempre aparca donde quiere / Muestra la lengua, habla con la boca llena / Aparece así sin invitación, en plena cena" – la balada de “Falso movimiento”, marcada por un bonito final de solo de trompeta).
En el camino , puede que desplace a algunos fans de la época más política y dylaniana , pero no defraudará a quienes siempre lo han visto sobre todo como un elegante intérprete de la canción italiana, profundamente inmerso en sus pliegues y en su tradición. . Una operación que ha alcanzado su punto álgido en otros lugares, pero que aquí mantiene unos estándares más que aceptables para un joven de sesenta y un años.
Tras los festejos por el cuadragésimo aniversario de Rimmel, completo con un concierto-evento con gran pompa en el Verona Arena, De Gregori finalmente decide saldar la deuda con el Maestro Dylan, firmando De Gregori canta Bob Dylan - Love and theft (hermoso título: la traducción literal de " Love And Theft” de Dylan de 2001), un disco que de inmediato parece muy difícil de enmarcar, porque inevitablemente se deja juzgar en innumerables niveles: la inevitable comparación hacia la obra completa de De Gregori se suma a la comparación con las versiones originales de las piezas de Dylan. . A su vez, la atención se centra en dos aspectos paralelos: las traducciones de los textos y las elecciones de arreglo. Con respecto a este último punto, el riesgo está a la vuelta de la esquina: es difícil lograr que un disco compuesto por canciones de cinco décadas distintas suene cohesionado.
Cada uno de estos aspectos es una trampa potencial para De Gregori, quien de una canción a otra puede verse enredado en un tira y afloja del que naturalmente solo puede salir derrotado. Pero el artista, guiado por una fe mayor que los peligros, afronta la misión con determinación. En primer lugar, como ya exhibió con orgullo en el primer sencillo "Un angioletto come te" ("Sweetheart Like You", 1983) los arreglos son, en la gran mayoría del trabajo, devueltos casi iguales a los de los discos originales, pero sin acentuar las opciones productivas de la época. Esta preferencia resulta funcional para hacer compacto el disco, pero a veces disminuye la efectividad de esos arreglos. Por ejemplo, las reinterpretaciones de las canciones felizmente "recogidas" por los dos discos de Dylan producidos por Daniel Lanois en 1989 y 1997 (nada menos que cuatro canciones, "Political World", "Not Dark Yet", la inesperada "Series Of Dreams " y "Dignity") carecen casi por completo de ese sonido visionario hecho de ecos y misterio que hacía tan especiales sus interpretaciones. Por ejemplo, las guitarras de "Sirviendo a alguien" ("Gotta Serve Somebody", 1979), interpretadas originalmente por Su ExcelenciaMark Knopfler , no pueden ser tan suaves y bluseros . Y, sin embargo, la fiel re-proposición de los arreglos de "Subterrean Homesick Blues" en "Acid basement" no consigue restaurar la excitante suciedad sesentera de la versión original.
En la decisión de no distorsionar las canciones, el riesgo de revivir los arreglos fue sin embargo un efecto colateral inevitable, y aunque aquí y allá la operación peca de ingenuidad, recorrerla es fundamental para comprender el verdadero corazón de la obra, que obviamente consta de la letra. De Gregori no tiene miedo de poner manos a la obra de su gurú y lo hace ensuciándose las manos en un territorio que no necesariamente le pertenece.
De Gregori se vuelve mutable y acrobático, ya dando mayor protagonismo al calco de las inflexiones vocales originales, ya a la fidelidad de las imágenes retóricas, ya a reelaborar él mismo nuevas imágenes para recuperar el sentido de las piezas originales con la mayor fidelidad posible.
En los episodios más surrealistas del tracklist (como "Acid basement" y "Tweedle Dum & Tweedle Dee") De Gregori carece mucho de esa ironía básica que Dylan posee por defecto y por momentos no parece muy creíble en esos zapatos. Por otro lado, está muy centrado en reconfigurar los momentos más poéticos ("Todavía no ha oscurecido", "Dignità", "Come il giorno"), que consiguen seguir siendo evocadores y respetuosos con los originales.
En última instancia, amor y robo.es un disco lleno de hermosos defectos, que no quiere (ni puede) alcanzar ningún nivel de perfección, sino que propone fijar en un soporte algo inacabado por definición: reinterpretación, readaptación, traducción. No sólo una declaración de amor hacia Bob Dylan, sino también, y quizás sobre todo, una declaración de amor y devoción hacia la palabra y el lenguaje, la tradición escrita, la oral y la noble profesión del cantautor. Que es un trabajo sucio, pero alguien tiene que hacerlo.
Todavía hay quien lo cataloga como el cantor político de la izquierda. Por supuesto, la canción política tuvo un peso importante en su repertorio. Pero muchas de sus canciones han sido malinterpretadas: "Niente da compren- pero sólo las canciones de amor, en el sentido más universal de la palabra, son cuentos de hadas contemporáneos dedicados al ser humano y sus historias, vistas a través de los ojos y la imaginación de este artesano de la cancion _ Y entonces, ¿por qué tratar de averiguar quiénes son realmente Pablo, Cesare, Irene, Anna, Marianna, Mario, Nino, Ninetto, Caterina, Rollo, Eugenio, Lisa, Mimì, Giovanna, Alice, Hood, Hilde y Susanna?
De Gregori, para bien o para mal, entró por derecho propio en la historia de la música italiana y, abrazando al menos a tres generaciones de admiradores, fue el artífice del cambio "técnico" de nuestra composición, siempre acostumbrada a escuchar canciones que comenzaban con " corazón" y terminando en "amor". En conclusión, se puede decir que De Gregori -invirtiendo lo que escribió Giaime Pintor- no es "Rimmel", es "Nobel". Al menos en ese pequeño gran universo poético que es la composición.
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